Leserbrief

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Betrifft:
Toscapremiere am 20.10.2019
Niedersächsische Staatstheater Hannover GmbH

Nun versucht hier in Hannover ein junger russischer Regisseur eine neue Oper zu kreieren, bis jetzt als ‘Tosca‘ von Puccini allgemein bekannt und geliebt. Warum nur dieser Versuch?

Diese Umdeutung, ohne sich auf Text und vorgegebenes Libretto zu beziehen, ist einfach unverständlich, ärgerlich und unnötig.

Wenn dem Regisseur Vasily Barkhatov das Libretto nicht gefällt, mache ich ihm den Vorschlag, ein neues für eine neue Oper zu schreiben. Darin könnten auch alle Probleme mit Kirchenmissbrauch usw. angesprochen werden.

Vielleicht findet er dann auch einen Komponisten, der seine Ideen musikalisch umsetzt.
Tipp: Hannover hat eine hervorragende Musikhochschule!!!

Wie gut, dass man sich wenigstens an der Musik, den wunderschön gesungenen Arien und musikalischen Szenen erfreuen konnte.

Frau R.R. aus G.

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Der deutsche Hochkulturbetrieb - ob öffentlich-rechtlich oder gemeinnützig-privat - sucht in Quantität wie Qualität weltweit seinesgleichen.
Infrastrukturelle Dichte, künstlerisches Niveau, Facettenreichtum des Angebotes, Kundigkeit der Publika setzen im internationalen Kontext die Maßstäbe.
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Quelle:
Klaus Siebenhaar - 'Auftrag Publikum' - B&S Siebenhaar Verlag - 2015 - Seite 39

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Die Intensität hochkultureller Praxis ist unlösbar mit dem Bildungsniveau verknüpft, Elternhaus und Schule sind die für die kulturellen Neigungen entscheidenden Primär-Instanzen. Diese positiven oder auch negativen Prägungen der frühen Jahre sind später nur schwer zu kompensieren oder gar zu korrigieren.
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Quelle:
Klaus Siebenhaar - 'Auftrag Publikum' - B&S Siebenhaar Verlag - 2015 - Seite 90 - 91

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Skandal-Rücktritt
Lübecks Theaterchef Christian Schwandt gibt auf

Paukenschlag am Lübecker Theater:
Direktor Christian Schwandt wirft hin.
Grund: Die Jamaika-Landesregierung spare das Theater kaputt.
Er wirft den Koalitionären sogar Verfassungsbruch vor.

Lübeck
„Ich bin erkennbar an meine Grenzen gestoßen“, sagt Christian Schwandt. Am Montagvormittag hat der 56-jährige Chef des Theaters Lübeck die Konsequenz aus der Sparpolitik der Kieler Jamaika-Koalition gezogen und seine Kündigung eingereicht. Zugleich erhebt er noch einmal schwere Vorwürfe gegen die Landesregierung. Schwandt: „Das Land lässt uns am ausgestreckten Arm verhungern.“

Um gerade mal 1,5 Prozent erhöht Kiel den Zuschuss für das Theater Lübeck pro Jahr. Und das „bei Personalkostensteigerungen von vier Prozent“, klagt Schwandt. Seit Jahren hätte das Theater diese Defizite schon ausgleichen müssen. Immer wieder trug er in Kiel vor, wie dramatisch die Situation sei. Und dann das: Die Jamaika-Koalition und ihre CDU-Kulturministerin Karin Prien wollen diese Unterfinanzierung jetzt sogar noch für weitere vier Jahre festschreiben.

Der Theaterdirektor spricht von Verfassungsbruch

Das brachte das Fass bei Schwandt endgültig zum Überlaufen. Ende Juli 2020 ist für ihn Schluss. Der 56-Jährige wirft der CDU-Grünen-FDP-Regierung sogar Verfassungsbruch vor. Sie drücke sich vor ihrer grundgesetzlichen Zuständigkeit für die Kultur. Das Theater werde kaputtgespart. Durch die Unterfinanzierung hätten „die innerbetrieblichen Verteilungskämpfe in einem Maße an Intensität und Schärfe zugenommen, die für mich nicht mehr zu tragen ist“, sagt Schwandt. Und das, obwohl es ihm gelungen war, die Besucherzahlen von Jahr zu Jahr zu steigern. Die Stadt Lübeck habe das Theater immer unterstützt, sagt der Noch-Direktor denn auch. Das Land nicht.

SPD-Opposition sieht Theater Lübeck in die Krise rutschen

Der SPD-Landtags-Kulturpolitiker Martin Habersaat geht ebenfalls hart mit der Jamaika-Koalition ins Gericht. Die CDU und ihr Ministerpräsident Daniel Günther hätten erneut ein Wahlversprechen gebrochen. So habe die Union 2017 mit der Zusage um Stimmen geworben, die Landesförderung der Theater „jeweils um das Ergebnis der Tarifverhandlungen“ zu erhöhen. Nur die Hansestadt Lübeck aber habe ihren Zuschuss in den letzten zehn Jahren vorbildlich von 6,3 auf 10,4 Millionen Euro angehoben. Jetzt müsse auch Jamaika dringend mehr Geld locker machen. Weitere Einschnitte im Personalbereich jedenfalls seien „nicht mehr verantwortbar“. Sie würden sofort weitere Qualitätsverluste nach sich ziehen. Und das gelte für alle Theater im Land.

Das Theater Lübeck sieht Habersaat ohnehin schon tief in die Krise rutschen. „Nun droht auch das erfolgreiche und vielfach ausgezeichnete Theater Lübeck ein Krisenfall zu werden“, sagt der Sozialdemokrat. Das sei „ein Verlust für die Kulturszene in Schleswig-Holstein und ein Alarmsignal an die Kulturpolitik“. Gerade in Zeiten guter Tarifabschlüsse reichten Steigerungen von 1,5 Prozent einfach nicht mehr aus, um wachsende Personalkosten aufzufangen.

Günther und Prien vom Rücktritt offenbar kalt erwischt

CDU-Kulturministerin Karin Prien und CDU-Ministerpräsident Daniel Günther wurden von dem Schwandt-Rücktritt offenbar vollkommen überrascht. Günther äußerte sich bislang gar nicht. Prien bekräftigte in einer Stellungnahme schließlich ihren Kurs: „Wir wissen, dass die Theater in Schleswig-Holstein mehr Geld benötigen. Aber richtig ist auch, dass die Landesregierung das haushalterisch Mögliche unternimmt.“ Sie setze sich immerhin für eine Dynamisierung der Zuschüsse von 1,5 auf 2,5 Prozent ein.

Lübeck droht die Viertklassigkeit

Das allerdings hält Schwandt für Augenwischerei: „Frau Prien tut so, als ob sie sich für uns einsetzt.“ In der Kulturszene habe aber nicht nur er den Eindruck, „dass die Kulturpolitik in Schleswig-Holstein den absolut letzten Stellenwert hat“. Noch spielten die Theater in Lübeck, Kiel und das Landestheater Schleswig-Holstein quasi in der zweiten Liga, jetzt aber „laufen wir in Lübeck Gefahr, viertklassig zu werden“. Man sei schon jetzt so runtergespart, dass „wir anspruchsvolle Opern wie zum Beispiel ’Lohengrin’ kaum noch auf die Bühne bringen können“. Dazu seien besonders gute Sänger nötig, die aber mit den vorhandenen Mitteln nicht mehr bezahlbar seien.

Kultursenatorin Kathrin Weiher: Großes Bedauern

Die Lübecker Kultursenatorin Kathrin Weiher bedauert Schwandts Kündigung: „Ich habe Herrn Schwandt stets sehr geschätzt und tue dies auch weiterhin.“ Man habe ihm in den vergangenen Jahren insbesondere im betriebswirtschaftlichen Bereich eine „außerordentlich engagierte Führung unseres Theaters zu verdanken“. Er habe sich aber auch stets damit hervorgetan, dass das Theater in der Lübecker Kulturszene als „der große, vernetzende Player wahrgenommen wird, von dem viele kleine Theater und andere kulturelle Events profitieren“. Sie schätze ihn als einen sehr klaren Menschen und verstehe von daher, dass er auch jetzt mit sehr klarer Begründung seine Kündigung ausgesprochen habe.

Auch die Lübecker CDU stellt sich gegen Prien

Selbst die Lübecker CDU will Prien nicht verteidigen. Im Gegenteil. Ihr Kulturpolitiker Lars Rottloff fordert SPD-Bürgermeister Jan Lindenau auf, sich bei der Landesregierung für mehr finanzielle Mittel stark zu machen. „Lübeck wird faktisch allein gelassen und muss zum größten Teil die Ausgaben für Kunst und Kultur alleine stemmen, während andere Städte weit großzügigere Unterstützung erhalten, als es in Lübeck der Fall ist“, sagt Rottloff. Auch viele freie Theater würden darunter leiden. Schwandts Entscheidung sei ein „Weckruf an die Politik, sich stärker für die Lübecker Kultur im Lande einzusetzen“. Die Theaterlandschaft sei „am Existenzminimum“. Dabei seien blühende und gute Theater wichtig für eine Großstadt wie Lübeck. „Sie übernehmen einen Kultur- und Bildungsauftrag, der für die positive Weiterentwicklung einer Stadt unabdingbar ist.“

Auch am Theater selber sind viele erschüttert. „Es ist schade, aber ich kann ihn verstehen. Er hat mich gebeten, ihn nicht umzustimmen“, sagt etwa Peter Petereit, Vorsitzender des Aufsichtsrates des Theaters. Die Zusammenarbeit sei „ausgezeichnet“ gewesen. „Er hat es verstanden, die wirtschaftlichen und die künstlerischen Interessen gleichermaßen zu vertreten. Es ist etwas Besonderes, das er in Lübeck geschaffen hat.“ Petereit ist sehr froh, dass Schwandt noch ein Jahr lang im Amt bleibt und somit einen geordneten Übergang ermöglicht. Der Aufsichtsrat müsse zeitnah per Ausschreibung oder auf anderem Wege nach einem neuen Theaterchef suchen.

„Wahnsinnig viele Überstunden“

Betriebsratschef und Posaunist Thomas Bender spricht von „Fassungslosigkeit“, als Schwandt am Montag beim Monatsgespräch seine Entscheidung verkündete. Aber die Gründe seien nachvollziehbar. In den letzten Jahren habe man Investitionen ins Haus immer durch Kürzungen beim Personal erwirtschaften müssen. Das könne es nicht sein. Das Personal gehe jedes Jahr mit „wahnsinnig vielen Überstunden“ aus der Saison, viele Verträge müssten alle zwei Jahre verlängert werden, einige Kollegen entlasse man in der Sommerpause für sechs Wochen in die Arbeitslosigkeit. Es mache sich Angst um den Arbeitsplatz breit. Und das bei Einstiegsgehältern – nach einem Studium – von etwa 2000 Euro. In der Kultur dürfe man keine Kosten-Nutzen-Rechnung führen, sagte Bender. Aber das sei in der Politik nicht wirklich angekommen. „Ein Theater dieser Größe gehört in eine Stadt dieser Größe. Darüber kann es keine Diskussionen geben.“ Und es könne nicht sein, dass die Politik grundlegende Aufgaben auf Stiftungen und andere private Initiativen verlagere.

Andreas Hutzel: „Ich finde diesen Schritt persönlich nachvollziehbar“

Auch langjährige Ensemblemitglieder waren am Montag entsetzt. Schwandts Kündigung komme „zu einer Zeit, in der wir ihn gerade brauchen“, sagt Andreas Hutzel. Das sei dramatisch und brandgefährlich fürs Theater, fürs Schauspiel im Speziellen. Schwandt habe die Situation des Theaters bis hierher gesichert. „Ohne ihn stünden wir besonders im Sprechtheater nicht so da, wie wir es jetzt tun.“ Die Leitung des Hauses habe es immer wieder geschafft, mit relativ geringen finanziellen Mitteln einen hohen Standard zu schaffen, sagt auch Schauspieler Peter Grünig. Ein Ensemble zu halten und zu motivieren, so konzentriert und mit hohem künstlerischen Anspruch zu spielen, sei nicht einfach und für ein Stadttheater nicht selbstverständlich. „Musiktheater und Schauspiel agieren hier auf einem überdurchschnittlichen Niveau und finden über die Stadtgrenzen Lübecks hinaus Beachtung. Herr Schwandt kämpfte buchstäblich wie ein Löwe um genau diese Qualität.“ Er bedaure es, diesen kämpferischen Mann für Lübeck verloren zu sehen.

Landesbühnen-Intendant: Emotionale Entscheidung

Auch Peter Grisebach, Intendant der Landesbühne Schleswig-Holstein, war „völlig überrascht“ und erstaunt vom Schritt seines Lübecker Kollegen. Er hält die Rahmenbedingungen der künftigen Theaterfinanzierung noch gar nicht für ausgemacht. Er hoffe daher, dass die Kündigung Schwandts eine „emotionale Entscheidung“ gewesen und das letzte Wort noch nicht gesprochen sei – zumal man auch fragen müsse, wer sich nach dem Weggang Schwandts im kommenden Jahr für seine Nachfolge interessieren und bewerben sollte.

Ähnlich äußerte sich der Kieler Intendant Daniel Karasek. Vom Ministerpräsidenten und Ministerin Prien habe es bei Gesprächen Aussagen gegeben, wonach sie hinter den Ansprüchen der Theater stünden: „Sie haben uns nicht im Stich gelassen.“ Es sei jedoch klar gewesen, dass vor dem Sommer keine Entscheidung über mehr Geld fallen werde. Er hoffe daher wie Grisebach, dass sich Schwandt noch einmal besinne. Sein Kollege habe in Lübeck über die Jahre allerdings auch mehr auszuhalten und schmerzlichere Entscheidungen treffen müssen als er in Kiel, wo die Stadt die Tariferhöhungen aufgefangen habe. Da könne man irgendwann sagen: „So, jetzt reicht’s.“

Deutscher Bühnenverein: „Ein Warnsignal“

Der Deutsche Bühnenverein setze sich seit Langem dafür ein, „dass Tariferhöhungen im öffentlichen Dienst durch entsprechende Steigerungen der Zuschüsse aufgefangen werden und die entstehenden Defizite nicht durch die Häuser ausgeglichen werden müssen, wie es in Lübeck offenbar schon seit Jahren der Fall ist“, erklärte dessen Geschäftsführender Direktor Marc Grandmontagne.

„Bei aller Komplexität des Themas und finanzieller Zwänge erinnere ich daran, dass wir in den letzten Jahren sehr intensiv an der Verbesserung der Arbeits- und Vergütungsbedingungen für Künstler und Mitarbeiter der Theater gearbeitet haben und substanzielle Verbesserungen erzielen konnten. Viele Bundesländer und Kommunen haben daraufhin eine Erhöhung der Zuschüsse ermöglicht. Wenn nun ein erfolgreicher Theaterleiter aufgibt und dabei eine effektive Unterfinanzierung anprangert, dann können wir das nur als ein Warnsignal verstehen.
Hier sollten dringend gemeinsame Lösungen gefunden werden. Wir als Bühnenverein bieten dabei gerne unsere Hilfe an, wenn sie gewünscht ist.“

Studierter Volkswirt und Japanologe

Christian Schwandt ist seit 2007 geschäftsführender Theaterdirektor. Der Aufsichtsrat hatte sich mit großer Mehrheit für ihn ausgesprochen. Er kam auf Umwegen zum Theater, hatte in Hamburg und Tokio Volkswirtschaft, Japanologie und Literaturwissenschaft studiert, war lange Geschäftsführer einer Hamburger Steuerberater- und Wirtschaftsprüfungsgesellschaft und in dieser Funktion viel in Ostdeutschland unterwegs. 1999 bis 2001 hat er das Kammertheater Neubrandenburg saniert. Als kaufmännischer Direktor des Landestheaters Mecklenburgische Seenplatte hat Schwandt später trotz leerer Kassen erfolgreich gewirtschaftet.

„Es gibt kein Theater ohne Alltagsärger“, hat Christian Schwandt einmal gesagt. „Wenn man diesen Ärger unter zwei Stunden pro Tag halten kann, dann ist man ein glücklicher Mensch.“ Der Ärger war am Ende wohl zu groß geworden.

 Petra Haase, Wolfram Hammer, Peter Intelmann

Quelle:
https://www.ln-online.de/Nachrichten/Kultur/Kultur-im-Norden/Luebecks-Theaterchef-kuendigt

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Bühnengenossenschaft:
Herr Schwandt, Sie haben angekündigt, im Juli 2020 das Theater Lübeck zu verlassen.
Warum?

Christian Schwandt:
Ich habe eigentlich einen unbefristeten Geschäftsführer-Vertrag und wenn es bei den üblichen Problemen geblieben wäre, dann hätte ich das bis zu meiner Rente gemacht. Wir haben in Lübeck ein etwas besonderes Modell - ich bin Geschäftsführer, konzentriere mich auf den wirtschaftlichen Teil, kann aber im künstlerischen Bereich jede Entscheidung treffen, wenn es darauf ankommt. Dann gibt es einen Generalmusikdirektor, eine Operndirektorin und einen Schauspieldirektor - jeder von denen hat einen Etat, den er relativ detailliert mit mir durchspricht. Ich mache Vorschläge, die sich manchmal auch durchsetzen: Beispielsweise sind wir im Hamburger Schatten und seinen Kulturinstitutionen, insbesondere der Elbphilharmonie.
Wir glauben, dass die Elbphilharmonie zwar eine sehr gute Publicity hat, aber von der Akustik her eigentlich gar kein besserer Konzertsaal ist als die Musik- und Kongresshalle in Lübeck. Also haben wir einen Konzertsaal-Vergleich gemacht:

Wir konnten die Elbphilharmonie mieten und haben in Hamburg und in Lübeck mit den gleichen Solisten das gleiche Programm gespielt. In Hamburg haben nur diejenigen Karten bekommen, die sich das Konzert vorher auch in Lübeck angehört hatten. Danach durften die Besucher abstimmen, welches ist der bessere Konzertsaal. Die Musik- und Kongresshalle hat knapp gewonnen.

Das kostet alles auch Geld.

Diese Dinge waren in Lübeck möglich etwa bis 2017, das war eigentlich die letzte Saison mit einem vernünftigen Etat. 2018 hatten wir zwar ein kleines Plus, das aber sehr schwierig hinzubekommen und auch nur mit einer Nachfinanzierung der Hansestadt Lübeck möglich war, die auch in diesem Jahr wieder nachfinanzieren wird - davon gehe ich zu 90 Prozent aus. Die Lübecker Politik hat sich immer hinter ihr Theater gestellt.

Demnach richtet sich Ihre Kritik nicht an die Lübecker Politik?

Die drei Theater in Schleswig-Holstein haben zwei Finanzierungsquellen, in Lübeck und Kiel finanzieren die jeweilige Stadt und das Land hälftig. Wobei das Land eine komplexe Finanzierungsmethode hat, es ist ein sogenannter Vorwegabzug im kommunalen Finanzausgleich. Die sogenannten Landesgelder sind eigentlich kommunale Steuern, die vom Land verteilt werden - ein sehr kompliziertes Modell. Um in diesem Modell etwas zu ändern, brauchen sie die Zustimmung der Städte, der Kreise und der Gemeinden. Die ist nur sehr schwer zu bekommen. Das ist der Hintergrund für meine Kündigung.

Könnte die Landesregierung eine Erhöhung des Theaterzuschusses von 1,5 Prozent auf - sagen wir - 3 Prozent im Alleingang beschließen?

Ich glaube, eine Landesmehrheit könnte das beschließen - sie machen es aber nicht gegen die Kommunen, weil das natürlich ein rotes Tuch ist. Ich glaube, dass diese Finanzierung über den kommunalen Finanzausgleich an ihre Grenzen gekommen ist und zwar durch die Lohn- und Gehaltssteigerungen der letzten Jahre. Wir haben hier mehrere Elemente: Da ist einmal ein landeseigener Mindestlohn, der etwas höher ist als der Bundesmindestlohn. Alle Kulturinstitutionen in Schleswig-Holstein, die Zuschüsse vom Land erhalten, müssen diesen Mindestlohn einhalten. Das führt im Theater Lübeck dazu, dass wir 2017 eine Basiserhöhung von über 4 Prozent hatten. Sie haben ja bei den NV Bühne-Beschäftigten keine feste Arbeitszeit. Und sie haben etwa ein Drittel der Leute, die Selbstausbeuter sind, mit dem Theater leben und sterben und auch in ihrer Freizeit ständig um dieses Theater kreisen. Zwar glaube ich, dass wir die Arbeitszeiten zu 97 oder 98 Prozent erfassen, aber wo sie da die Grenze ziehen, ist ausgesprochen schwierig, gerade auch bei jüngeren Schauspielern. Es ist aber so, dass das Theater Lübeck über die Regelungen des Deutschen Bühnenvereins hinaus für fast alle NV Bühne-Beschäftigten eine Mindestgage von 2300 Euro zahlt, um den Landesmindestlohn einzuhalten Dann sind da die relativ hohen Tarifabschlüsse in 2018 und 2019, die mit allen Elementen auf 4 Prozent kommen. Das sind ja nicht nur die tariflichen Lohnerhöhungen, sondern auch neue Dienstaltersstufen. Gerade im TVÖD haben Sie eine Neudefinition der Lohngruppen gehabt.

Lange Rede, kurzer Sinn: Die Personalkosten im Theater Lübeck sind seit Januar 2017 jedes Jahr um 4 Prozent gestiegen und gleichzeitig durch das Land immer nur mit 1,5 Prozent aufgefangen worden. Und meine Aufgabe war es nun, dieses Defizit auszugleichen. Das habe ich bis heute geschafft - wenn ich jetzt die Nachfinanzierung hinbekomme. Hinzu kommt: Wir haben erhebliche Ersatzinvestitionen. Beispielsweise haben wir im Sommer alle Stühle im Großen Haus neu aufgepolstert. Die notwendigen Investitionen erfordern insgesamt einen Betrag von rund 10 Millionen Euro. Beim Arbeitsschutz, wo es einen erheblichen Mitbestimmungsanteil gibt, kommen zusätzliche Gelder auf uns zu. Wir arbeiten seit zweieinhalb Jahren daran, ich kann im Moment noch gar nicht genau sagen, was das kostet. Und zwar deshalb nicht, weil das ja mitbestimmungspflichtig ist. Dieses Ganze - bei einer Steigerung von 1,5 Prozent - habe ich der Politik lange intensiv erläutert. Ich bekomme es so leider nicht hin.

Die Politik ist in dem Fall Karin Prien?

Ich meine die Kultusministerin Prien, auch Ministerpräsident Daniel Günther, auch den Staatssekretär, auch alle möglichen kulturpolitischen Sprecher der Fraktionen. Ich habe im Jahr 50 politische Gespräche, auch mit der Kommunalpolitik.
Die Landesregierung hat bis zu meinem Rücktritt ziemlich auf stur geschaltet. Inzwischen gibt es Bewegung. Es gibt das ernsthafte Bemühen, an die Probleme heranzugehen. Meine Aufgabe ist jetzt, das Haus zum 31. Juli 2020 in vernünftigem Zustand an die Nachfolgerin oder den Nachfolger zu übergeben. Wir haben die nächste Lohnerhöhung am 1. September 2020 vor uns - und die große Wahrscheinlichkeit, dass diese Verhandlungen in einen Bundestagswahlkampf fallen. Die Wahrscheinlichkeit einer erheblichen Lohnerhöhung ist dann groß.

Den kann das Theater nur verkraften, wenn die 1,5 Prozent aufgestockt werden.

Selbst Mecklenburg-Vorpommern gibt jetzt 2,5 Prozent aus. Wir sind inzwischen beim durchschnittlichen Verdienst pro Mitarbeiter in allen drei schleswig-holsteinischen Häusern hinter Schwerin, Halle und Chemnitz zurückgefallen. Irgendeiner muss mal hinter den Osten zurückfallen, aber es ist schon bitter, dass gerade wir das sind. Wir sind bisher ein gutes Zweite-Liga-Haus, wir haben im Wagner-Jahr den Echo-Klassik für den Ring bekommen. Wir haben super Zuschauerzahlen. Wir haben immer drei, vier, fünf Nominierungen für Opern- oder Schauspielproduktionen des Jahres. Das alles funktionierte noch bis 2017. Ich werde aber unter den beschriebenen Herausforderungen so nicht weitermachen. Wir hatten freie Mittel für GMD, Operndirektor und Schauspieldirektor von knapp 3 Millionen Euro, die hatten wir 2019 schon nicht mehr. Dabei geht es um Mittel, die künstlerisch ausgegeben werden können und die jetzt im Feuer stehen. Auf diese Weise wird das Theater Lübeck runtergespart, wie es anderen Häusern anderswo schon ergangen ist.

Wäre das nicht die Situation, gemeinsam mit den anderen schleswig-holsteinischen Theatern in Kiel vorstellig zu werden?

Wir sind ja vorstellig geworden. Der Punkt ist: Ich bin pessimistischer als die Intendanten aus Kiel und des Landestheaters. Dafür gibt es verschiedene Gründe. Vielleicht sind meine Investitionen drängender. Wenn Sie Einzelgespräche mit Politikerinnen und Politikern führen, wird manches auch sehr deutlich gesagt, zum Beispiel, wo die Prioritäten liegen. Und die Priorität lag bisher eindeutig nicht bei Kulturpolitik, sondern die lag auf Entschuldung der HSH-Nordbank, Neuinvestitionen oder Universitätskrankenhaus Schleswig-Holstein.

Ich dachte, Lübeck sei eine reiche Stadt.

Seit Napoleon nicht mehr. Seit dem ist Lübeck fast immer pleite.

Interview: Jörg Rowohlt
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Quelle: Fachblatt der Genossenschaft Deutscher Bühnen-Angehöriger / 8-9/19

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Großes Musiktheater in Minden
‘Der Ring‘ von Richard Wagner im Stadttheater Minden

Begeisterungsstürme rief der Ring-Zyklus von Richard Wagner im Stadttheater Minden hervor. Zu Recht, denn ein großes Ereignis spielte sich in dem kleinen Theater in der kleinen Stadt ab. Vielleicht nicht nur, weil Sänger, Orchester und Dirigent außerordentliche Spitzenleistungen hervorgebracht haben, sondern auch, weil das Wagner liebende Publikum aufatmen konnte. Es erlebte eine würdige Umsetzung der gewaltigen Ring-Tetralogie. Das ist nicht mehr selbstverständlich, wenn man erlebt, wie Land auf, Land ab in ganz Deutschland versucht wird, Wagner absichtlich zu zerstören, um dann aus den Trümmern sein eigenes Süppchen zu kochen, d.h. das Werk zu benutzen, um seine eigenen, häufig abstrusen, Fantasien und Befindlichkeiten auf die Bühne zu bringen. Dabei machen völlig unmusikalische Regisseure auch nicht vor Verdrehungen des Inhaltes und Perversionen halt.
Insofern ist die Messlatte, die hier angelegt werden muss, nicht ungewöhnlich hoch, jedenfalls was die Gesamtinszenierung betrifft, wenn man dabei von dem hohen musikalischen Niveau absieht. Angesichts der zur Zeit gängigen Praxis fast aller Spielstätten, einschließlich der in Bayreuth, erscheint das Ereignis in Minden wie ein Wunder. Hat man jedoch noch Inszenierungen von Günter Roth in Hannover erlebt, die auch nicht altmodisch oder hausbacken waren, dann darf man doch noch manche Fragen haben. In den Roth-Inszenierungen der siebziger Jahre gab es noch einen Wotan, der in gewaltigem farbigem Gewand mit hoher Kopfbedeckung etwas Übermenschliches verkörperte.

So darf man sich bei der Versammlung der Götter im Mindener „Rheingold“ wohl fragen, ob die Absicht überhaupt bestand, Götter auf der Bühne darzustellen. Wagner hat jedenfalls Götter gemeint – da kann es doch keinen Zweifel geben, mögen es nun die germanischen Götter sein oder die, wenn man in die neuere Zeit gehen will, der christlichen Terminologie entsprechenden übersinnlichen Wesen wie Engel und Erzengel. Statt eines Einheitslooks von labberigen beige-grauen Jäckchen und Westen könnte man sich wohl ein würdigeres Erscheinungsbild mindestens der Gestalt Wotans wünschen. Und wenigstens das luziferische Wesen Loge hätte vielleicht etwas Rot gebrauchen können.
In der „Walküre“ dann entbehrte das kleine Pferdeschwänzchen Wotans nicht der Lächerlichkeit. Im gesamten Zyklus war dann aber doch in der Ausstattung eine Steigerung wahrzunehmen.

Bei den Gebärden bestimmte deutlich der Zeigefinger das Geschehen. Irgendwann hörte der Verfasser dieses Textes mit dem Zählen auf.

Im „Siegfried“ erschien als sehr glücklicher Regiegriff Wotan im Hintergrund als Projektion. Sehr treffend wurde hier die Verbindung von irdischer Welt und dem Einfluss der geistigen Sphäre dargestellt. Schade nur, dass Siegfried die Impulse aus der Höhe nicht mit Hammerschlägen begleitete, sondern sein noch nicht fertiges Schwert lange in die Höhe hielt – während im Orchester die Schläge erklangen. Da kann man wohl an Wagners Wort denken: “Die Musik ertönt, und was sie tönt, das sollt ihr auf der Bühne dort erschauen.“ Bei Vor- und Zwischenspielen allerdings könnte gut auf zu viel Sichtbares verzichtet werden. Hier war es zwar nicht wie in Bayreuth, wo man sich während des Vorspiels ansehen durfte, wie Tannhäuser in einem alten Citroen als Clown durch die Landschaft fuhr – aber warum überhaupt ist dies Mode geworden? Hat Wagner nicht gewollt, dass das Publikum bei Vor- und Zwischenspielen einfach hören sollte?
Geht gar nichts mehr ohne äußere Unterhaltung und Bespaßung, die übrigens meistens nicht einer Sichtbarmachung der Musik entspricht, sondern eher eine Ablenkung von jeder Möglichkeit inneren Erlebens ist?

In der „Götterdämmerung“ wirkte die dramatische Umsetzung seitens der Regie auf großartige Weise, auch wenn man den lächerlichen Kühlkübel für den Sekt als kleine Entgleisung empfinden konnte, auch gerade neben dem Trinken der Bruderschaft aus einem Horn.

Alles in allem: ein großes Ereignis! Man mag keine Gesangsleistung besonders herausheben, weil die Leistungen insgesamt auf höchstem Niveau waren.
Mögen uns die Initiatoren in Zusammenarbeit mit dem Wagner-Verband Minden weitere so großartige Erlebnisse mit Musikdramen Richard Wagners bescheren.

Heinz Schimmel, Hannover
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Richard-Wagner-Verband Ortsverband Chemnitz e. V.

Vorsitzender Matthias Ries-Wolff,
Bauernweg 90,
09117 Chemnitz, den 01.10.2019

Liebe Mitglieder des Chemnitzer RWV,

heute erreichte uns die traurige Nachricht, dass Jessye Norman gestern im Alter von 74 Jahren gestorben ist. Welch ein Verlust! Es ist nicht übertrieben, wenn in diesem Zusammenhang der Begriff "Ausnahmekünstlerin" verwendet wird. Ihre kraftvolle, ausdrucksstarke Stimme überlebt auf CD und wird sicher auch von den nachfolgenden Generationen geschätzt werden. Aus der Fülle ihrer Aufnahmen empfehle ich Ihnen für heute Abend 'Vier letzte Lieder' von Richard Strauss mit dem Gewandhausorchester Leipzig unter Kurt Masur. Und für den nächsten Urlaub ihre wunderbare Autobiographie, die sich nicht nur von Erfolg zu Erfolg hangelt (wie bei anderen Sängerbiographien), sondern lesenswerte Themenschwerpunkte setzt.

An der Oper Chemnitz fand am vergangenen Samstag die umjubelte Premiere von 'Mefistofele' statt. Diese große Oper von Arrigo Boito wird eher selten und wenn, dann in den ganz großen Häusern aufgeführt. GMD Guillermo Garcia Calvo und Regisseur Csaba Antal haben gezeigt, dass auch Chemnitz durchaus in der ersten Liga mithalten kann (wenn man davon absieht, dass in den vergangenen Jahren massiv der Rotstift an der Robert-Schumann-Philharmonie angesetzt wurde).

'Mefistofele' ist keine leichte Kost. Das liegt vor allem an den musikdramaturgischen Schwächen des Stücks. Anders als Gounod, der die Beziehung von Faust zu Margarethe in den Vordergrund stellt, kam es Boito darauf an, das Beste aus Faust I und II zu einer Oper zu verbinden. Herauskam eine Oper mit einer Vielzahl von kurzen Szenen, die anders als bei Gounod oder Richard Wagner, den Boito sehr verehrte, nicht geeignet sind, einen Spannungsbogen aufzubauen. Sein Verleger Ricordi hatte ihm deshalb auch schon bei Annahme dieser ersten (und einzigen, die vollendet wurde) Oper prophezeite, dass er kein großer Opernkomponist werden würde.

Diesen Mängeln von Partitur und Musikdramaturgie zum Trotz gelang es dem Regisseur Csaba Antal, eine beeindruckende Show auf die Beine zu stellen. Auf der Bühne passiert so viel, dass der Zuschauer oft gar nicht in der Lage ist, alles zu erfassen. Im Hexensabbat sind zwei Bühnenebenen übereinander und am linken Bühnenrand zusätzlich eine riesige Konstruktion mit wenigstens drei weiteren Ebenen, auf denen getanzt und gesungen wird. Im nächsten Moment erleben wir eine anrührende Szene der zum Tode verurteilten Margherita mit Faust und 'Mefistofele'. Durch Überzeichnung ist es Csaba Antal gelungen, diese Kontraste zwischen intimer Szenerie und Massenspektakel spannungsreich umzusetzen.

Chor (einschließlich Extrachor und Kinderchor) zeigten sich zur Premiere bestens disponiert und wurden von GMD Calvo sicher durch die Tücken der Partitur geführt. Im Programm wird nur allgemein die Mitwirkung des Balletts erwähnt, aber manche Solisten hatten anspruchsvolle Einsätze, dass sie es verdient hätten, einzeln genannt zu werden.

Die drei Hauptpartien waren mit Magnus Piontek in der Titelpartie (vor allem mit dämonischer Tiefe; Klasse!), Cosmin Ifrim als Faust (tonsicher auch in der Höhe und mit echtem italienischen Schmelz in der Stimme) und Katerina Hebelkova als Margherita (berührend bis hochdramatisch) optimal besetzt; das Publikum dankte es ihnen mit Ovationen. Der warme Mezzo von Sophia Maeno und der lyrische Tenor von Siyabonga Maqungo verhalfen auch den beiden Nebenrollen zu Glanz.

Wie immer empfehle ich Ihnen, sich ein eigenes Bild zu machen:

20.12.2019 Freitag 19:00 Uhr

Opernhaus - Saal

19.01.2020 Sonntag 17:00 Uhr

Opernhaus - Saal

29.02.2020 Samstag 19:00 Uhr

Opernhaus - Saal

22.03.2020 Sonntag 17:00 Uhr

Opernhaus - Saal

19.04.2020 Sonntag 17:00 Uhr

Opernhaus - Saal
[...]
Im Namen des Vorstandes grüßt Sie herzlich
Matthias Ries-Wolff
Vorstandsvorsitzender
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„IL TROVATORE”
Mannheim: Die berüchtigte und oft bespöttelte Unerzählbarkeit von Giuseppe Verdis „Troubadour" relativiert sich, wenn ein Regisseur sich unverkrampft aufmacht, es eben doch zu versuchen. Mit Vernunft und Gefühl. Zuerst aber ist die Inszenierung am Nationaltheater Mannheim ein musikalisches Ereignis von Rang und auf allen Ebenen.
Das Dirigat von Roberto Rizzi Brignoli verscheucht mit Alertheit und Elastizität die Möglichkeiten, bei dieser Schlagerperlenkette plump und rumsig vorzugehen. Orchester und trefflicher Chor (Dani Juris) sind gleichermaßen kultiviert und auf dem Quivive, und wenn sie bei geradezu rasanten Passagen zwischenzeitlich verschiedene Wege gehen - sehr verschiedene Wege -‚ ist es den Hochgeschwindigkeitsversuch doch wert und wird sich gewiss noch finden. Das zentrale Solistenquartett ist - aus dem Ensemble - so hochkarätig und ebenbürtig besetzt, wie man es selbst an den ganz großen Häusern nicht immer erlebt... Musikalisch wird nicht weniger geboten als in einer sehr guten konzertanten Aufführung. Ein naheliegender Gedanke, da die Inszenierung Rücksicht nahm und durchaus Gelegenheit zum Rampensingen gibt. Dies vor allem gegen Ende und zu einem Zeitpunkt, als es Roger Vontobel längst gelungen ist, eine plausible, ja starke, düstere Grundatmosphäre zu schaffen.

JUDITH VON STERNBURG FR, 16.07.2019
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„LUCIA DI LAMMERMOOR” Regensburg: „Lucia, entsage dieser Unglücksliebe!" Wohlgemeinte Warnungen gibt es von Anfang an, und ebenso ist von Anfang an klar, dass Lucia nicht auf sie hören und nimmer von Edgardo lassen wird, obwohl der ein Ravenswood ist, mithin Tod- und Erzfeind der Familie... Doch es hilft nichts, Edgardo muss es sein: „An seiner Seite öffnet sich mir der Himmel!" Bereits am Ende dieser zweiten Szene brandet stürmischer Jubel auf, denn Diana Tugui öffnet als Lucia auch stimmlich den Himmel...

Wunderbarerweise aber können sämtliche Solisten mit dem Niveau von Diana Tugui mühelos mithalten... Beeindruckend Daniel Capkovic als um seine Existenz kämpfender Enrico: Der Bariton aus Bratislava ist für die tragische Titelheldin ebenso ein Gegenüber auf Augenhöhe wie Cesar Delgado als Edgardo. Der warme, geschmeidige Tenor des gebürtigen Mexikaners umschmeichelt nicht nur seine unglückliche Geliebte... Herausragend auch Jongmin Yoon als Raimondo... Das Philharmonische Orchester Regensburg präsentiert unter der lässig-konzentrierten Leitung von Tom Woods ein verlässlich exaktes Gespür für Donizettis ständige Wechsel von Tempo und Lautstärke.

FLORIAN SENDTNER - MITTELBAYERISCHE ZEITUNG, 02.07.2019
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„SCHWANDA, DER DUDELSACKPFEIFER”
Gelsenkirchen: Kunstvoll verschlungen kreuzen sich die Motive im ungewöhnlich ausgedehnten Vorspiel zu „Schwanda, der Dudelsackpfeifer". Gewitzt lässt Kapellmeister Giuliano Betta mit der vortrefflich eingestimmten, groß besetzten Neuen Philharmonie Westfalen hinter der Fassade des eingängig Schlichten das Vielschichtige der volkstümlichen Oper von Jaromir Weinberger aufblitzen. Musikalisch ist die letzte große Opernpremiere der Saison im Großen Haus des Musiktheaters im Revier ( ... ) eine Wucht. Szenisch glückt dem niederländischen Regisseur Michiel Dijkema kongenial ein bildmächtiges Spektakel. So schlüssig durchdringen sich in seiner Inszenierung Märchenzauber und böhmische Sagenwelt, dass der Jubel eines begeisterten Premierenpublikums kaum enden mochte... Mit Szenenbeifall reagiert das Premierenpublikum auf die glutrote Teufelspyramide mit einem prächtig auftrumpfenden Chor...
Ilia Papandreou singt eine kesse, höhensichere Dorota voller Leuchtkraft und kristallklarer Kontur. Piotr Procheras wendiger Bariton läuft als Schwanda zur Hochform auf. Uwe Stickerts lyrischer Spieltenor als Babinsky ist eine Idealbesetzung. Petra Schmidts brillant auftrumpfende Eiskönigin, Michael Heines diabolischer Magier und Joachim G. Maaß als hinreißend komödiantischer Satan geben der neuerdings häufiger gespielten Opern-Wiederentdeckung markante Konturen.

BERND AULICH RECKLINGHÄUSER ZEITUNG. 17.06.2019
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„LA TRAVIATA”
Lübeck: ... Lorenzo Fioronis Inszenierung von Giuseppe Verdis „La Traviata" wurde am Ende stürmisch bejubelt - vor allem wegen der großartigen Leistung des Ensembles, des Dirigenten und des Orchesters. In den Applaus für das Regieteam mischten sich aber auch wütende Buh-Rufe - warum auch immer. Denn Lorenzo Fioronis Inszenierung besticht durch ihre Stringenz und ihre eindringlichen Bilder. Sie ist zudem sehr dicht an Verdis Musik und in ihrer Dramaturgie ebenso dicht am Libretto... Das Leben als Krankheit zum Tode ist für Fioroni eines der Hauptmotive seiner Inszenierung...
Musikalisch ist diese Produktion auch über alle Zweifel erhaben. Manfred Hermann Lehner dirigierte die Lübecker Philharmoniker mit Eleganz, er begleitete die Sänger ausgezeichnet und schaffte immer wieder klangliche Finessen, die man so lange nicht gehört hat. Das Orchester wirkte wie befreit und spielte mit Lockerheit und Souveränität - auch das eine herausragende Leistung. Der von Jan-Michael Krüger einstudierte Chor sang und spielte so freudig, wie man es von ihm kennt. Überragend im Ensemble war die junge Sopranistin Maria Fernanda Castillo in der Rolle der Violetta...

JÜRGEN FELDHOFF - LÜBECKER NACHRICHTEN, 15.06.2019
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„KATJA KABANOVA'
Heidelberg: ... Regisseurin Andrea Schwalbach und Bühnengestalterin Anne Neuser vermeiden dunkle Ecken, in denen Unheil gärt. Sie legen mit psychologischem Skalpell von Anfang an alles offen. Darin sind sie sich einig mit dem Komponisten Leoš Janáček, dem die realistische Darstellung seelischer Vorgänge auf der Bühne über alles ging. Was die äußerst dicht gewebte Musik unter GMD Elias Grandys Dirigat an Dynamik im Orchestergraben entfacht, setzen auch die Sängerinnen und Sänger auf der nach vorn kippenden Schräge fabelhaft um. Einen grandiosen Abschied von der Bühne feierte dabei Kammersängerin Carolyn Frank... Eine Charakterdarstellerin von höchstem Format, die nun in den verdienten Ruhestand geht...

Die Leistungen des gesamten Ensembles sowie des Chores (Einstudierung Ines Kaun) und des Philharmonischen Orchesters sind auf höchstem Niveau angesiedelt, und auch die Inszenierung verdient absoluten Respekt...

Dirigent Grandy und die Musiker des Philharmonischen Orchesters verschaffen diesem Abend eine extrem ausdrucksstarke Grundlage, auf der die Solisten sicher balancieren. Das ist hörens- und sehenswert!

MATTHIAS ROTH RHEIN-NECKAR-ZEITUNG, 27.05.2019
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„LES HUGUENOTS”
Dresden, Semperoper: Es ist fast 20 Jahre her, da wurde Peter Konwitschny
( ... ) mit Buhrufen aus der silvesterlichen Semperoper gejagt...

Nach zwei Jahrzehnten hat es Peter Theiler als neuer Intendant der Semperoper wieder mit Konwitschny versucht - und der provoziert noch immer, diesmal aber in entgegengesetzte Richtung: Seine nicht mal vierstündige Fassung der „Hugenotten" von Giacomo Meyerbeer ( ... ) zeigt die Geschichte des Glaubenskrieges zwischen Protestanten und Katholiken im Paris des 16. Jahrhunderts zunächst so konventionell, dass man sich die Augen reibt...

Das Angenehme und Überraschende an Konwitschnys Inszenierung ist zugleich, dass er vollständig der Wirkung des Werkes vertraut... Dabei wird auch klar, dass es - religiös motiviert oder nicht - nur die Abgrenzung zum Andersartigen, Fremden braucht, und schon hat man Vorwand genug, seinesgleichen auf grausamste Art und Weise niederzumetzeln...

Am eindrucksvollsten gerät die Personenführung des riesigen Staatsopernchores, der gerade in Gestalt der praktisch pausenlos geforderten Männer als komplexe Masse voller Individualisten erscheint, die sich dann zusammenrottet, wenn sie einen gemeinsamen Feind erkannt hat... Die Wirkung der Chorszenen ist berückend erdrückend...

CHRISTIAN SCHMIDT TAGESSPIEGEL, 02.07.2019
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Karan Armstrong
... am 14. Dezember 1942 geboren
        / Foto Langen Müller

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Sie zählt zu den profiliertesten Sänger-Darstellerinnen des Musiktheaters als Salome (Debüt an der Deutschen Oper Berlin am 15.12.1977), Melisande, Katja Kabanowa, Marie / WOZZECK, Lulu, Frau in Schönbergs ERWARTUNG, Elsa / LOHENGRIN (mit Videoaufnahme bei den Bayreuther Festspielen), Färberin / DIE FRAU OHNE SCHATTEN, Sieglinde / DIE WALKÜRE, Marschallin / DER ROSENKAVALIER, Alice / FALSTAFF (Film unter Sir Georg Solti). Sie wirkte bei zahlreichen Uraufführungen mit, darunter LOU SALOMÉ von Giuseppe Sinopoli in München und UN RE IN ASCOLTO von Luciano Berio in Salzburg.

Inzwischen hat sie ihr Repertoire um die Partien der Herodias, Kabanicha, Klytämnestra und Kostelnicka (an der Komischen Oper Berlin) ergänzt, die sie an internationalen Opernhäusern präsentiert. Daneben widmet sie sich intensiv ihrer pädagogischen Tätigkeit.
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Quelle: Deutsche Oper Berlin  -  https://www.deutscheoperberlin.de/de_DE/ensemble/17114

Rita Streich
... am 18. Dezember 1920 geboren  
/ Foto Sony

Edita Gruberowa  
... am 18. Dezember 1946 geboren  
                                  / Foto BR Klassik

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Kammersängerin Edita Gruberova im Gespräch (2015)

Das Repertoire des italienischen Belcantos lag Edita Gruberová stets besonders am Herzen. Und eine ihrer Paraderollen ist die der Elisabetta in Gaetano Donizettis Oper "Roberto Devereux"; 1990 verkörperte sie die englische Königin Elisabeth I. am Teatro Liceu Barcelona zum ersten Mal. Mit dieser Partie wird sie am 27. März – nach über 50 Jahren – an der Bayerischen Staatsoper ihren Abschied von der Münchner Opernbühne geben. Die Inszenierung liegt in den Händen von Christof Loy. Man darf wohl vom Ende einer Ära sprechen.

Edita Gruberovás Karriere im Überblick:

1961-1968: Studium am Konservatorium in Bratislava
1968-1969: Erstes Engagement am Opernhaus im
                  slowakischen Banská Bystrica
ab 1969: Engagement an der Wiener Staatsoper
1969: Debüt in Mozarts "Zauberflöte" als Königin der Nacht
1976: Internationaler Durchbruch als Zerbinetta in "Ariadne
         auf Naxos" von Richard Strauss
1988: Lucia in "Lucia di Lammermoor" von Donizetti an der
         Metropolitan Opera in New York
1997: Titelrolle in Donizettis "Linda di Chamounix" an der
         Wiener Staatsoper
1998: Elvira in "I Puritani" von Bellini in Zürich / Elisabeth I.
         in "Roberto Devereux" von Donizetti an der Wiener
         Staatsoper
2001: "Beatrice di Tenda" von Bellini in Zürich
2006:  Rollendebüt als Norma in Bellinis "Norma" an der
          Staatsoper in München
2008: Feier des 40. Bühnenjubiläum am Teatre del Liceu in
          Barcelona
2009:  Rollendebüt als Lucrezia in "Lucrezia Borgia" von
          Donizetti an Münchner Staatsoper
2013: Rollendebüt als Alaide in "La Straniera" von Bellini

Im Laufe ihrer Karriere wurde die Sopranistin mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Internationale Music Award, der Herbert-von-Karajan-Musikpreis und der Preis der Kulturstiftung Dortmund für ihr Lebenswerk. Außerdem wurde sie zur Österreichischen und Bayerischen Kammersängerin ernannt.

Edita Gruberovás Abschiedsabend an der Bayerischen Staatsoper:
Gaetano Donizetti: "Roberto Devereux" - Tragedia lirica in drei Akten

München, Nationaltheater - Mittwoch, 27. März 2019, 19:00 Uhr
Bayerisches Staatsorchester
Chor der Bayerischen Staatsoper
Leitung: Friedrich Haider
Inszenierung: Christof Loy

Sendung: "Allegro" am 21. März 2019 ab 06:05 Uhr auf BR-KLASSIK
Zitatende

Quelle: BR Klassik
https://www.br-klassik.de/aktuell/news-kritik/edita-gruberova-koloratursopranistin-abschied-von-der-opernbuehne-100.html

Sherrill Milnes  
... am 10. Januar 1935 geboren  
                                                               
                               / Foto: Decca

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Am  Sa 18. Jänner 1992
19:30 Brahms-Saal, Musikverein gab Sherill MILNES ein Konzert mit folgendem Programm
Giovanni Battista Bononcini L’esperto nocchiero; Bearbeitung von Pietro Floridia („Der erfahrene Seemann“)
Alessandro Stradella Col mio sangue comprerei („Könnt’ ich mit meinem Blut wohl kaufen“); Bearbeitung von Pietro Floridia
Wolfgang Amadeus Mozart „Un bacio di mano”. Ariette, KV 541 („Ein Handkuss”)
Georg Friedrich Händel „Un ombra di pace” („Ein Schein des Friedens”)
Robert Schumann Widmung, op. 25/1 Der Nussbaum, op. 25/3 Schlusslied des Narren, op. 127/5
Erich J. Wolff „Einsamkeit”, op. 22/2 „Andacht”, op. 11/1
Joseph Marx „Hat dich die Liebe berührt“.
Giuseppe Verdi „Per me giunto“ Arie des Rodrigo aus der Oper „Don Carlos” „Io morrò”. Arie des Rodrigo aus der Oper „Don Carlos”
— Pause —
Francesco Santoliquido „Tombe doucement” („Falle sanft”) „Quand je suis sorti” („Als ich gegangen bin”) „Sur les fleurs du prunier” („Auf die Blüten des Pflaumenbaums”) „Je sais le source” („Ich kenne die Quelle”) „Malinconia” („Melancholie”) „Riflessi” („Widerschein”) Josephine McGill „Duna”
Vittorio Giannini „If I had known” („Hätt´ ich verstanden”) „Tell Me, Oh Blue, Blue Sky” („Sag´ mir, du blauer, blauer Himmel”)
Virgil Thomson „Tiger! Tiger!” „The Divine Image” („Das göttliche Bild”)
Albert Hay Malotte „David and Goliath”
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Siegmund Nimsgern  
... am 14. Januar 1940 geboren  
                                                               
Screenshot:
https://www.youtube.com/
watch?v=PKYMluEONxo

Zitat
Als er [René Kollo] in Bayreuth zum ersten Mal den Lohengrin verkörperte, wurde noch sein »tamino-haft schlankes Singen« gerühmt. 1976 sang er die Partie bei den Salzburger Osterfestspielen unter Herbert von Karajan - und stieg nach der Premiere aus, weil der Regisseur Karajan die Szene im Brautgemach zur Begegnung eines sich fremden Paares gemacht hatte, während sein Protagonist der Ansicht war, diese Szene müsse »sinnlich« gespielt werden.

Die gleichwohl nach vielen Querelen und Besetzungsschwierigkeiten entstandene Aufnahme - montiert aus Takes, die im Dezember 1975, im März 1976 und im Mai 1981 gemacht wurden - ist orchestral unerträglich aufgedonnert, und nur Anna Tomowa-Sintow, Siegmund Nimsgern und Karl Ridderbusch werden ihren Rollen gerecht.
Kollo ist kein »Ritter in Blau«. Er klingt angestrengt im ersten wie im zweiten Akt, klanglich bleich in der Brautgemach-Szene, hoch liegende lyrische Phrasen mit gepreßtem und künstlich aufgehelltem Ton skandierend. Den Abschied singt er so sentimental, als befände er sich in einer »Achtung Klassik«-Sendung des Fernsehens auf der Rückreise ins Land des Lächelns.
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Quelle: Jürgen Kesting - Die großen Sänger - Seite 2208

Marilyn Horne
... am 16. Januar 1934 geboren
/ Foto: His Masters Voice

Katia Ricciarelli  
... am 16. Januar 1946 geboren  
                                                                 Foto: DGG

Pilar Lorengar  
... 16. Januar 1928 geboren  
                                    / Foto: Arthouse

Jochen Kowalski
                                          
... am 30. Januar 1954 geboren /
                                                                                  
                                                      Foto: Cappriccio

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Es liegt nicht zuletzt am bürokratischen System dass Musikhochschulen keine Elite, sondern meist nur Durchschnitt ausbilden. Die Deputate der Lehrer müssen gefüllt sein, der Unterrichtsanspruch jedes Studenten ist unabhängig von seiner Begabung natürlich gleich, und bei Prüfungen wird im allgemeinen sehr milde geurteilt, sozusagen 'im Zweifel für den Angeklagten'.

Besonders bei Sängern scheint immer wieder Panik aufzukommen, dass man eine außergewöhnliche Begabung nicht gleich erkennen würde, denn die stimmliche Entwicklung braucht eben unterschiedlich viel Zeit.
So werden junge Menschen auf viele Jahre lang mitgeschleppt, bis endlich auch wirklich jedem klar ist, dass alle Hoffnungen vergeblich waren.
Und man hat ihnen damit ein großes Stück ihrer Jugend gestohlen.
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Quelle: Helmut Deutsch - Gesang auf Händen tragen - Mein Leben als Liedbegleiter - Henschel Verlag
ISBN 978 - 3 - 89 487 - 803 - 0 - Seite 115

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SITUATION DER GESANGSSTUDIERENDEN
 

„Hoffnungslos, aber unter Kontrolle"

Mit den Karriereaussichten für Sängerinnen und Sänger beschäftigt sich eine Studie, die gerade von der Bertelsmann Stiftung herausgegeben wurde. Ergebnis: Der Traum von einem festen Engagement erfüllt sich nur für fünf bis zehn Prozent von ihnen.

Autoren der Studie sind Achim Müller und Klaus Siebenhaar vom Institut für Kultur- und Medienwirtschaft in Berlin. Im Auftrag der Stiftung gab es Gespräche mit Akteuren aus sämtlichen Bereichen des Musiktheatermarkts, um die Arbeitsmarktchancen von den an deutschen Musikhochschulen ausgebildeten Sängerinnen und Sängern zu eruieren. Niederschmetterndes Ergebnis: Es gibt, so die Autoren, zu viele junge Menschen, die sich „berufen fühlen' - und auch zu viele mit den falschen Stimmlagen. Die Opernbühne biete gerade Männern deutlich mehr Rollen als Frauen. Das liegt an der historischen Entwicklung der Oper und der Stück-Historie. Die Schere zwischen Ausbildung und Beruf ist zudem in den letzten Jahren auseinander gegangen: Während die Zahl festangestellter Solisten zwischen 2001 und 2016 um fast ein Fünftel geschrumpft ist, wuchs die Zahl der Gesangsstudenten im gleichen Zeitraum um 63 Prozent.

Vor allem seien es junge Frauen mit hohem oder leichterem Stimmfach, die ein Gesangsstudium abschlössen und eine Solistenkarriere anstrebten. Der Bedarf liege aber eher bei Sängern mit tiefen Stimmlagen, heißt es in der Untersuchung. Die Autoren fassen zusammen: „Die Situation ist hoffnungslos, aber unter Kontrolle." Entsprechend schwierig ist die Situation vor allem für junge Sängerinnen. Die meisten müssen sich der Studie zufolge freiberuflich breit aufstellen. Das verlangt nicht nur viel Flexibilität: Die hohe Belastung wird zudem auch noch gering vergütet. Flexibel wollen auch die Opernhäuser sein, weshalb sie weniger feste Engagements vergeben und häufiger mit Gästen arbeiten - was die Lage noch verschärft. Hinzu komme, dass die Bühnen mehr und mehr auf Aussehen achteten und auf die Bereitschaft, sich szenisch zu produzieren. Eine hervorragende Stimme allein zähle schon lange nicht mehr.
 

Musikhochschulen unter anderem in Leipzig, Hannover, Berlin oder Hamburg haben auf diese Situation in den letzten 15 Jahren bereits reagiert, indem sie immer mehr fachübergreifende Kompetenzen vermitteln und Beschäftigungsalternativen schon im Studium aufzeigen. Neben den 24 staatlich geförderten Ausbildungseinrichtungen gibt es noch zahlreiche - mehr oder weniger seriöse - private Gesangsschulen, die zum Überangebot beitragen. Dazu gehört allerdings auch, so die Studie, dass die komplette staatliche Förderung nur fließt, wenn die Ausbildungseinrichtungen voll ausgelastet sind. Also werden alle Studienplätze belegt, auch mit weniger talentierten Anwärtern. Darüber hinaus ist das größte Manko, das die Studie benennt, eine als mangelhaft beschriebene Feedbackkultur an den Hochschulen. Die jungen Menschen erhielten keine offene und ehrliche Meinung zu ihrer Stimme.
 

Die Studienautoren wünschen sich zur Problemlösung nach eigenen Worten „Steuerungselemente und Strategien, um die einseitige Fixierung auf Solistenkarrieren rechtzeitig in Richtung Chorgesang zu kanalisieren" oder frühzeitig nur mittelmäßige Begabungen innerhalb des Lehrplans Alternativen anzubieten.
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Quelle: Genossenschaft Deutscher Bühnenangehöriger Heft 6/7 2019 – Seite 12 – 13

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00:23 05.10.2014

Kultur
 

Staatsoper Hannover Puccinis „Tosca“ feiert Premiere
 

Bei der Premiere der „Tosca“ zum Saisonauftakt in der Staatsoper Hannover wird gleich in der ersten Szene deutlich: das junge ungarische Regieteam Alexandra Szemerédy und Magdolna Parditka hat Ungewöhnliches mit dem Opernstoff vor.
 

Von Jutta Rinas
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Quelle:
https://www.haz.de/
Nachrichten/Kultur/Uebersicht/Giacomo-Puccinis-Tosca-hat-an-der-Staatsoper-Hannover-Premiere
 

Zitat
Mail an Kulturjournal.de

Im Foyer wurden wir gestern Abend coram publico vor der Tosca-Vorstellung ausgerufen:

Ist hier ein Herr Hansing?

Ja, hier!

Sie sind der Einzige der Karten für den dritten Rang gekauft hat. Der dritte Rang bleibt geschlossen. Hier sind ihre Ersatzkarten für den zweiten Rang.
Es wurden nur 600 Karten verkauft, bei 1202 Plätzen.
Ob alle, die Karten kaufen, auch kommen, steht nicht fest.
So viel zum Thema Auslastung der Nds. Staatsoper Hannover.

Nun zur Sache:
Ein Stück, das einmal 'Tosca' hieß
Und wiederum ist es der Staatsoper Hannover gelungen, ein Meisterwerk so zu vermurksen, dass aber auch gar nichts zueinander passt.
Victorien Sardou schreibt schon auf der ersten Seite von ’La Tosca’:
’La scène à Rome, le 14. Juin 1800’.

Die Nds. Staatsoper Hannover gab damals auf ihrer Internetseite an:

Zitat
»Tosca« ist Puccinis dramatischstes und erbarmungslosestes Werk. In der vor dem Hintergrund des napoleonischen Krieges in Italien
spielenden Geschichte um eine Sängerin, die aus Liebe ungewollt zur Widerstandskämpferin wird und sich dem politischen Machtapparat entgegenstellt, bricht die Realität brutal in die Kunstwelt ein, bricht deren Harmonie auf und erschüttert den Traum von Schönheit.“
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Der Hintergrund der Story ist die Schlacht bei Marengo am 14. Juni 1800 und die Nds. Staatsoper Hannover ist so naiv, dies auch im Netz zu verbreiten, damit also die Basis zu legen, ihr arglistige Täuschung vorzuwerfen, da auf der Bühne nichts mit dem, was vorgegeben ist und was im Textheft, in der Partitur und auf den Übertiteln steht und was gesungen wird, übereinstimmt.

Der erste Akt spielt in Hannover nicht in einer Kirche, sondern vor einer grauen Rückwand von Grablegen, statt einer Madonna ein Putzeimer, Cavaradossi malt nicht, sondern kratzt an der Wand mit den Gräbern und schmiert auf Papier, das am Boden liegt.

Der Chor der Messdiener sind ’junge Pioniere’ der NVA, Scarpia und seine Leute sind in den gezeigten Uniformen Mitglieder der ruhmreichen Nationalen Volksarmee und singen als DDR-Atheisten mit einem Chor von DDR-Bürgern und Freunden aus den sozialistischen Bruderstaaten das ’Te deum laudamus’.

Im zweiten Akt statt des prunkvollen Palazzo Farnese ein mickriger, sozialistischer Holzverschlag – möglicherweise irgendwo bei Bautzen, oder Hoyerswerda – im ersten Stock das Büro des NVA Genossen Oberst Scarpia, der sich beim Aufgehen des Vorhangs die Hose zumacht und ein soeben oral vergewaltigtes DDR-Mädchen entlässt.

Ebenerdig sind Folterräume, wo auch Cavaradossi gequält wird. Tosca in kurzem Kleidchen, keine Spur von Diva, wenigstens gönnt man ihr einen Weißfuchskragen.
Gruß aus der Sowjetunion!
Tosca schneidet dann Scarpia mit dessen Rasiermesser die Kehle durch.

In dritten Akt statt ’Castel St. Angelo’ die Holzkiste aus dem zweiten Akt. Politische Gefangene werden von NVA-Soldaten vor ihrer Hinrichtung in Zellen gesperrt, der Tenor singt ’E lucevan le stelle’, der NVA-Wachsoldat bietet ihm die Hilfe eines Priesters an (in der DDR als atheistischem Staatsgefängnis kaum möglich), Toscalein erscheint im Reisemantel, Cavaradossi und die Gefangenen werden erschossen, sie rennt die Treppe im Inneren der Holzkiste rauf und wird oben an der Brüstung erschossen.

Regisseurin und Bühnen/Kostümbildnerin haben angeblich ihre Erfahrungen mit dem Sozialismus abgearbeitet. Das hätten sie besser mit einem selbstverfassten Stück und mit einer Band hingekriegt.
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Quelle: E-Mail an kulturjournal.de
 

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Den Kriegsplan, eine Zangenbewegung wie gehabt, hatte Napoleon, im Kopf: Ein französisches Heer unter General Moreau sollte in Süddeutschland vorstoßen, das andere, unter seinem Oberkommando, die Österreicher in Oberitalien aufrollen.

Inzwischen hatte der Feind Genua eingeschlossen und war an der Riviera bis Nizza vorgedrungen, traf Anstalten, über den Var zu gehen und in der Provence einzumarschieren. Bonaparte beabsichtigte, den Österreichern in den Rücken zu fallen. Das bedeutete einen Übergang über die Alpen, mit Kanonen, die schwer zu transportieren waren, und dies im Mai, in dem die Witterungsverhältnisse sehr unbeständig sind.

Das Glück zog mit ihm im Frühjahr 1800 über den Großen Sankt Bernhard. Das Wetter ließ sich gut an, erleichterte die Strapazen des Passüberganges. Der Oberbefehlshaber saß auf einem Maultier, das ein Bergbauer führte. Die Kanonen wurden in ausgehöhlten Baumstämmen über Stock und Stein gezogen. Österreicher, die den Feind nicht auf diesem Wege erwarteten, waren kaum zu sehen. Erst im Aostatal stießen die Franzosen auf Widerstand, das kleine, tapfer verteidigte Fort Bard, das sie auf Gebirgspfaden umgingen.

Dann lag die Poebene wieder einmal vor dem gallischen Eroberer. In den Kriegsberichten wurde die Bezwingung der Berge im Stil einer Saga geschildert und eine Parallele zu Hannibals Alpenüberquerung im Jahre 218 vor Christus gezogen.

Das zweite Cannae erfolgte bereits wenige Wochen später, am 14. Juni 1800 bei Marengo im Piemont. Die Österreicher waren den Franzosen in Eilmärschen entgegengezogen, mit ihrem Söldnerheer, das in die Schlacht mit dem Befehl geschickt wurde, in geschlossener Formation mit fliegenden Fahnen und klingendem Spiel vorzurücken.

Die Gefechtstaktik des Ancien Regime schien noch einmal mit Erfolg angewendet worden zu sein: Im ersten Anlauf wurden die Franzosen zurückgeworfen. »Die Affäre ist zu Ende«, erklärte der kaiserliche General Melas, aber sie begann ein paar Stunden später von neuem und erst richtig. Bonaparte, der Verstärkung erhalten hatte, fiel über die siegestrunkenen Österreicher her und schlug sie in die Flucht.

Der Sieg wies Schönheitsfehler auf. Bei Marengo war Bonaparte nicht auf der Höhe gewesen. Er hatte seine Truppen zu sehr verzettelt, seine Hauptmacht geschwächt, die Schlacht in ungünstigem Moment angenommen. Er hätte sie endgültig verloren, wenn ihm nicht General Desaix mit einer unverbrauchten Division gerade noch rechtzeitig zu Hilfe gekommen wäre.

Desaix fiel, und Bonaparte beanspruchte den Schlachtenruhm für sich. Sein Bulletin behauptete, der anfängliche Rückzug sei lediglich eine taktische Finte gewesen, der Oberbefehlshaber hätte die Dinge stets im Griff gehabt, seine Gegenwart habe den Truppen Mut gemacht: »Kinder, denkt daran, dass ich gewohnt bin, auf dem Schlachtfeld zu übernachten.«

Er verstand es, sich in günstiges Licht zu rücken, auch einen nicht so glänzenden Sieg geschickt für innenpolitische Zwecke und meisterhaft für außenpolitische Ziele auszunützen. Immer mehr Franzosen blickten zu dem Schlachtenlenker auf, der sich als Friedensbringer erwies. Denn die Österreicher, die in Italien von Bonaparte geschlagen worden waren und bald von Moreau in Bayern besiegt wurden, mussten die Bedingungen des Premierkonsuls annehmen. Am 9. Februar 1801 wurde der Frieden von Luneville unterzeichnet, der dem Konsulat günstig war.

Die italienischen Staaten, die neuen wie die alten, wurden zu Satelliten Frankreichs. Der Premierkonsul gebot direkt über Piemont und Parma, als Präsident über die zur »Republica Italia« erweiterte Cisalpinische Republik, indirekt über Ligurien und die Toskana, aus der die Habsburger entfernt worden waren. Der verbliebene Kirchenstaat wie das Königreich Neapel vermochten sich dem französischen Sog nicht zu entziehen. Es war nur eine Frage der Zeit, bis das österreichisch gebliebene Venedig dem revolutionären wie imperialistischen Doppeldruck Frankreichs erliegen würde.
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Quelle: Franz Herre - Napoleon - Verlag Friedrich Pustet - Regensburg - 2003 - Seite 81-82
 

Nds. Staatsoper Hannover

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Tosca
20. Oktober 2019
Opernhaus
In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Giacomo Puccini (1858 – 1924)
Melodramma in drei Akten
Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
nach dem gleichnamigen Drama von Victorien Sardou

Musikalische Leitung Kevin John Edusei, Eduardo Strausser Inszenierung Vasily Barkhatov Bühne Zinovy Margolin Kostüme Olga Shaishmelashvili Licht Alexander Sivaev Chor Lorenzo Da Rio Kinderchor Heide Müller Dramaturgie Regine Palmai Musiktheatervermittlung Eva-Maria Kösters

Floria Tosca Liene Kinca, Mario Cavaradossi Rodrigo Porras Garulo, Baron Scarpia Seth Carico, Cesare Angelotti Yannick Spanier, Richard Walshe, Ein Mesner Daniel Eggert, Frank Schneiders, Il Sagrestano Daniel Eggert, Frank Schneiders, Spoletta Uwe Gottswinter, Pawel Brozek, Sciarrone Gagik Vardanyan

Chor der Staatsoper Hannover, Extrachor der Staatsoper Hannover, Kinderchor der Staatsoper Hannover, Niedersächsisches Staatsorchester Hannover

Folter und Tod, Glocken und Kanonen sind der Stoff, aus dem Puccinis fünfte Oper gemacht ist. Er komponiert ein naturalistisch schockierendes Drama über die packenden letzten 24 Stunden im Leben der Sängerin Tosca – zerrissen zwischen ihrem Geliebten, dem Künstler Cavaradossi, und dem skrupellosen Machtmenschen Scarpia. Klangkontraste im Opernthriller sind das Läuten von Kirchenglocken, der Gesang eines kleinen Jungen, Toscas verzweifelt-inniges Gebet und Cavaradossis glühende Lyrismen in bekannter Puccini-Süße. Der Komponist, ein Vorreiter der Filmmusik des 20. Jahrhunderts, sicherte Tosca durch musikalische Dichte und Emotionalität einen Platz in der ersten Reihe der italienischen Opern.

Dass Puccini eine Sex-and-Crime-Story auf die Bühne bringen wollte, nimmt Vasily Barkhatov ernst. Für den russischen Regisseur, der an Häusern wie der Oper Basel, der Deutschen Oper Berlin, dem Theater an der Wien und der Oper Frankfurt gefragt ist, ist die Neuinszenierung weniger politisches Historiendrama als der Kampf zweier Alphamänner um eine starke Frau. In einer Welt, in der Kunst und Macht sich glamourös in der Öffentlichkeit begegnen, geht es in den Hinterzimmern um persönliche Begehrlichkeiten. Bühnenbildner Zinovy Margolin wird für das moderne psychologische Beziehungsgefüge, in dem alle Täter auch Opfer sind, eine bildgewaltige Szenerie auf mehreren räumlichen Ebenen schaffen. Die Musikalische Leitung übernimmt Kevin John Edusei, einer der herausragenden Dirigenten der jungen Generation, Chefdirigent der Münchner Symphoniker und des Konzert Theater Bern. Er dirigierte an der Hamburgischen Staatsoper, der Semperoper Dresden, am Concertgebouw Amsterdam und war zuletzt zu Gast in Paris und an der Komischen Oper Berlin.

Mit freundlicher Unterstützung:
Gesellschaft der Freunde des Opernhauses Hannover e.V.
Zitatende

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Musikalische Leitung Stephan Zilias Inszenierung Ingo Kerkhof Bühne Anne Neuser Kostüme Inge Medert Licht Elana Siberski Choreografie Mathias Brühlmann Dramaturgie Klaus Angermann Musiktheatervermittlung Eva-Maria Kösters

Herodes Robert Künzli Herodias Monika Walerowicz Salome Rachel Nicholls Jochanaan Kostas Smoriginas Narraboth Rupert Charlesworth Ein Page der Herodias Nina van Essen Erster Jude Philipp Kapeller Zweiter Jude Pawel Brozek Dritter Jude Uwe Gottswinter Vierter Jude Long Long, Aljoscha Lennert Fünfter Jude Pavel Chervinsky Erster Nazarener Daniel Eggert Zweiter Nazarener Darwin Prakash Erster Soldat Richard Walshe Zweiter Soldat Yannick Spanier Cappadocier Mohsen Rashidkhan Eine Sklavin Weronika Rabek

Niedersächsisches Staatsorchester Hannover
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Quelle: https://staatstheater-hannover.de/de_DE/programm-staatsoper/salome.1224758

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„Salome” ist zurück an der Staatsoper

Wiederaufnahmen von bewährten Produktionen gehören zum Alltag an einem Opernhaus. Beim Wechsel einer Intendanz können sie allerdings mit Schwierigkeiten verbunden sein: Ingo Kerkhof, bei Hannovers vormaligem Intendanten Michael Klügl eine Art Hausregisseur, war zunächst wenig begeistert, als er von dem Plan der jetzigen Hausherrin Laura Berman hörte, seine „Salome"-Inszenierung weiterhin in Hannover zu zeigen. Doch die Wiederaufnahme am Wochenende zeigte, dass Kerkhofs anfängliche Bedenken grundlos waren: Seine reduzierte, aber spannungsvolle Inszenierung funktioniert auch mit neuen Sängern sehr gut.

In der Reihe "Das besondere Debüt", in der renommierte Sänger in Hannover eine Partie neu einstudieren, ist jetzt die britische Sopranistin Rachel Nicholls zu Gast. Sie ist in großen Wagner-Rollen international gefragt. Als Salome wird sie diese Erfolgsgeschichte wohl fortschreiben, auch wenn ihre sehr ausgeglichene Stimme nicht unbedingt typisch für diese Partie ist.

Nicholls ist kraftvolle Primadonna einer Aufführung, die musikalisch auch sonst kernig ist. Dirigent Stephan Zilias kostet vielleicht nicht die ganze Raffinesse der Partitur aus, sorgt aber für viel Schub. Robert Künzli ist wieder ein fantastischer Herodes, Kostas Smoriginas ein recht profunder Jochanaan. Die kleineren Rollen sind mit neuen Ensemblemitgliedern wie Rupert Charlesworth bestens besetzt. Ein Wiederhören lohnt sich: Die nächsten Vorstellungen sind am 8., 20. und 28. November.
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Quelle: Hannoversche Allgemeine Zeitung – 5. November 2019 – Seite 26

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Das Festspielhaus Baden-Baden ist ein Opern- und Konzerthaus in der baden-württembergischen Stadt Baden-Baden.
Mit 2500 Zuschauerplätzen gilt es als Deutschlands größtes derartiges Haus. Das 1998 eröffnete Festspielhaus verfügt über kein eigenes Ensemble. Der Spielbetrieb mit Opern-, Konzert- und Ballettaufführungen international renommierter Künstler und Ensembles wird durch eine private Stiftung finanziert. Neben jährlich vier Festspielphasen und zusätzlichen Einzelveranstaltungen aus Klassik, gehobenem Entertainment und Jazz finden hier auch Konzerte des New Pop Fe
stivals statt.

Der Neubau wurde unter architektonischer Integration des ehemaligen Baden-Badener Stadtbahnhofes (heute: Kassenhalle, Festspielhaus-Restaurant Aida, Kinder-Musik-Welt „Toccarion“ der Sigmund Kiener Stiftung) am 18. April 1998 eröffnet. Architekt des Neubaus war der Wiener Wilhelm Holzbauer. Von Anfang an als privat finanzierter Kulturbetrieb geplant, gelang nach einer öffentlichen Anschubfinanzierung die Umstellung zum ersten privat finanzierten europäischen Opern- und Konzertbetrieb. Die private Kulturstiftung Festspielhaus Baden-Baden ist seit März 2000 Trägerin der Betreiber-GmbH. Von Juli 1998 bis 2019 leitete Andreas Mölich-Zebhauser als Intendant das Haus. Seit der Saison 2019/20 ist Benedikt Stampa Intendant des Festspielhauses Baden-Baden.

Es wird seit 2000 als das einzige deutsche Opernhaus bezeichnet, das ohne Subventionen auskommt. Miete und Instandhaltung des Hauses werden jedoch je zur Hälfte von Stadt und Land getragen. Rund 3,5 Millionen Euro jährlich fließen an einen Immobilienfonds, über den der Bau des Hauses seinerzeit finanziert wurde. Eine weitere halbe Million Euro öffentlicher Mittel fällt jährlich für Instandhaltung, Steuern und Versicherung an. Bis zum Ende der Fondslaufzeit im Jahr 2020 rechnen Kritiker mit Subventionen in Höhe von 200 Millionen Euro.

Eine Gemeinschaft von rund 2000 Privatförderern, darunter ein 1500 Mitglieder zählender Freundeskreis e.V., unterstützt das Programm des Festspielhauses jährlich mit rund acht Millionen Euro.

Das Budget von 20 Millionen Euro wird zu ca. zwei Dritteln aus dem Kartenverkauf, gastronomischen Erlösen und Rechteeinnahmen sowie zu rund einem Drittel aus privater Förderung und Sponsoring finanziert. Das Festspielhaus Baden-Baden betreibt zudem ein eigenes Reisebüro und organisiert Kulturreisen nach Baden-Baden.

Die durchschnittliche Auslastung der Vorstellungen wurde 2012 mit 85 Prozent angegeben.

Studien der Universität St. Gallen ermittelten einen Kaufkraftzufluss durch das Festspielhaus für Stadt und Region Baden-Baden von rund 46 Millionen Euro für 2008 und 52 Millionen Euro für 2013.

Medienpartner des Festspielhauses Baden-Baden sind der Südwestrundfunk (SWR) sowie der Fernsehsender Arte. Die Kulturstiftung Festspielhaus Baden-Baden verlieh von 2003 bis 2016 jährlich den Herbert-von-Karajan-Musikpreis in Baden-Baden.

Die Saison des Festspielhauses Baden-Baden beginnt im September und dauert ca. bis Ende Juli des Folgejahres. Festspielphasen werden durch Premieren von neu inszenierten Opern eröffnet. Derzeit geschieht dies zu den Osterfestspielen mit den Berliner Philharmonikern (die von 1967 bis 2012 in Salzburg stattfanden), zu den Pfingst- und Sommerfestspielen.

Die Herbstfestspiele bieten u.a. konzertante Opernaufführungen und Solistenkonzerte in prominenter Besetzung. Zwischen den Festspielphasen gastieren u.a. namhafte Ballett-Compagnien wie das Hamburg Ballett John Neumeier (Herbst) und das Mariinski-Ballett St. Petersburg (Weihnachtsresidenz) sowie moderne Tanz-Compagnien aus aller Welt. Zahlreiche Konzerte renommierter Künstler mit klassischer Musik sowie Jazz-Abende, Entertainment-Shows und Musicals runden das Programm ab.

Seit 2008 betreibt das Festspielhaus Baden-Baden ein umfangreiches privat gefördertes Kinder- und Jugendprogramm mit interaktiven Kinder-Musik-Festen, Kinderopern, Künstlertreffen (Meisterklassenzimmer) und Workshops. Allein rund 3000 Schülerinnen und Schüler sind pro Saison im Rahmen des Schulprojekts „Kolumbus Klassik entdecken!“ (finanziert durch die Grenke AG) bei Veranstaltungen zu Gast und bereiten diese Besuche vorher im Unterricht vor. Die entsprechende Zusammenarbeit mit dem Regierungspräsidium Karlsruhe (seit 2010) ist bundesweit einmalig. Die Kinder-Musik-Welt Toccarion der Sigmund Kiener Stiftung (seit 2013) ist ebenfalls im Festspielhaus Baden-Baden beheimatet und ganzjährig geöffnet.

Baden-Badener Opern-Produktionen entstehen teilweise als Koproduktionen u.a. mit Bühnen wie der Metropolitan Opera New York, (Jolanthe (2015), Manon Lescaut (2016), Tristan und Isolde (2017) oder der Opéra Bastille (Paris / Die Zauberflöte 2014/2015).

Zahlreiche Produktionen des Festspielhauses Baden-Baden sind auf DVD und BluRay erschienen. Darunter befinden sich die Opern Lohengrin, Tannhäuser, Parsifal, Der Rosenkavalier, Ariadne auf Naxos, Der Liebestrank sowie Ballette wie Tod in Venedig (John Neumeier), Matthäuspassion (John Neumeier) oder Sacre (Aterballetto). Auf CD sind unter anderem Aufnahmen mit Edita Gruberova, (Norma) und Rolando Villazón (Mozart-Opernzyklus bei DG) erschienen.

Baugeschichte

Bereits in den 1990er-Jahren begannen die Vorbereitungen für den Bau des Festspielhauses: Im Jahr 1995 sicherten sich 2700 Interessenten aus der Region ein Anrecht auf Eintrittskarten des zukünftigen Festspielhauses und zahlten dafür rund 700.000 D-Mark in eine Stiftung ein. Kurz darauf bewilligte das Land Baden-Württemberg nach längeren politischen Auseinandersetzungen einen jährlichen Landeszuschuss in Höhe von fünf Millionen D-Mark. Damals waren Baukosten von 125 Millionen D-Mark und eine Fertigstellung für 1998 erwartet worden. Im gleichen Jahr formierte sich ein Freundeskreis zur Unterstützung des Baus, dessen Vorsitz der ehemalige Ministerpräsident Lothar Späth übernahm. Ein Fonds der Südwestdeutschen Landesbank sollte die Finanzierung und ein Betreibervertrag mit der Veranstaltungstochter der Dekra den dauerhaften Betrieb sichern.
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Quelle: Wikipedia - https://de.wikipedia.org/wiki/Festspielhaus_Baden-Baden
 

»… dv ge jn kor vnd sing«

 

Emanuel Schikaneder, der Librettist von Mozarts »Zauberflöte«, Journalist Franz Josef Wagner, Komponist und Regisseur Franz Wittenbrink – die Liste ehemaliger Domspatzen, die Karriere machten, ist lang. Aus der Kaderschmiede kommt eine neue Generation von Sängern wie Thomas E. Bauer, Wilhelm Schwinghammer, Maximilian Mayer und Maximilian Schmitt. Zu nennen sind außerdem Dirigent Lothar Zagrosek, Schauspieler Alexander Held und viele, die in nicht künstlerischen Berufen erfolgreich sind.
 

Wie lange es den Chor der Regensburger Domspatzen bereits gibt, lässt sich nicht mit Gewissheit sagen. Allgemein gelten die Singknaben der Kathedrale von Solothurn mit Gründungsjahr 742 als der älteste Knabenchor der Welt. Gefolgt von der Aachener Cappella Carolina, die nachweislich seit 796 existiert. Fakt ist: Bischof Wolfgang ordnete 975 im Bistum Regensburg eine Neustrukturierung an, die auch die Domschule betraf, die zentrale Bildungsstätte und Mittelpunkt aller gelehrten Studien. Dass bereits vor diesem Datum »scolari« die musikalische Umrahmung von Gottesdiensten versahen, davon ist auszugehen. Denn im Oktober 776 hatte Tassilo III. das erste Schulgesetz Bayerns erlassen, das jeden Bischof einer Kathedralkirche verpflichtete, eine Schule zu unterhalten. Infrage kommende Dokumente – und leider auch ein unersetzlicher Schatz an Notenmaterial – wurden bei der Erstürmung Regensburgs durch napoleonische Truppen am 23. April 1809 ein Raub der Flammen. Die Dompräbende, das Anwesen mit Unterrichtsräumen, Internat, Verwaltung und Kapellmeisterwohnung südöstlich des Doms, brannte bis auf die Grundmauern nieder.

Dass der Knabenchor des Regensburger Doms durch alle Epochen hindurch eine herausragende Stellung genoss, belegt unter anderem die Inschrift einer sorgsam ausgeführten Konsolfigur in gotischen Minuskeln im Winterchor des Doms, die wie ein Insiderjoke anmutet:
Schuler dv hast nit czv schike / dv ge jn kor vnd sing.

Ins Neuhochdeutsche übertragen heißt das so viel wie:
Schüler, du hast hier nichts zu schaffen, du geh in den Chor und sing!

 

Sollten die Domspatzen schon nicht der nachweislich älteste Knabenchor der Welt sein, so sind sie doch der mit der längsten ungebrochenen Tradition. Auch wenn Reformation und 30-jähriger Krieg den Chor vor große Herausforderungen stellten – 1646 war die Zahl der Chorscholaren auf zwei Knaben geschrumpft –, auch wenn die Institution in den Inflationsjahren 1922/23 akut von der Schließung bedroht war, weil Schüler in Scharen das Haus wegen der immensen Pensionskosten verließen und die staatlichen Fördermittel hinten und vorne nicht mehr ausreichten, die Domspatzen blieben eine Regensburger Institution.

Der ins Leben gerufene Förderverein »Freunde der Regensburger Domspatzen«, dem ehemalige Domchorsänger und zahlreiche Persönlichkeiten aus Gesellschaft, Politik und Wirtschaft angehören, ist bis heute maßgebliche Stütze.

 

Niveau und Stimmkultur des Chors dürften zu jeder Zeit hoch gewesen sein, der Domchor genoss stets auch überregional Renommee, Auslandsreisen mit begeisternden Rezensionen sind für das 19. Jahrhundert dokumentiert. Ein Marketing-Coup sondergleichen ist die Erfindung des Label »Domspatzen«. War bislang lapidar von Domchor oder Domcapelle die Rede, so sind die »Cathedral Sparrows« seit einer Chorreise nach Prag 1910 weltweit ein Begriff.

 

Fruchtbar und furchtbar zugleich: Unter Domkapellmeister Theobald Schrems, der von 1924 bis zu seinem Tod 1963 dem Chor vorstand, reift die Klangkultur der Domspatzen zu einer bis dahin unerreichten Blüte. 1933 hört Adolf Hitler ein Konzert der Domspatzen und ist hingerissen. Fortan wird dem Knabenchor ein besonderer »Führer-Zuschuss« gewährt. Dafür gibt man im Braunhemd auf dem Obersalzberg Privatkonzerte, absolviert 1937 mit NS-Funktionären eine Südamerika-Tournee und wirkt mit in Veit Harlans Propagandafilm »Das unsterbliche Herz«. Hitler revanchiert sich mit dem Professorentitel für Schrems.

 

Auch das andere dunkle Kapitel der 1.000-jährigen Geschichte des Domchors, den Missbrauchsskandal, lässt der Förderverein – nach anfänglicher Blockade von kirchlicher Seite – aufarbeiten.

Das Fazit zweier Studien: Dem Erfolg des Knabenchors wurde alles untergeordnet, auch das Wohl der Kinder. Ein Klima des Vertuschens, des Verharmlosens und Verschweigens begünstigte ein jahrzehntelanges System der Gewalt. Den Opfern wurden laut Bischof Rudolf Voderholzer bisher Anerkennungszahlungen in Höhe von 3,785 Millionen Euro zuerkannt. Die Einzelsummen bewegen sich zwischen 2.500 und 25.000 Euro. Prävention und permanente Reflexion bleiben Dauerauftrag für die Institution.
Es ist und bleibt aber auch die perfekte Stimmkultur, die den Sound der Domspatzen so faszinierend macht: Sicherheit in der Intonation, harmonisches Zusammenspiel der Einzelstimmen und technische Reife im Ausdruck. War der Chorklang unter Georg Ratzinger, von 1964 bis 1994 im Amt des Domkapellmeisters, zart, ätherisch, ja fast lieblich, so wurde unter Roland Büchner (Domkapellmeister bis August 2019) der Ton markanter, vielschichtiger und expressiver.
Nun ist Christian Heiß Chef des weltberühmten Knabenchors. Er selbst besuchte von 1977 bis 1986 Musikgymnasium und Internat der Domspatzen, er ist nach Büchner der zweite Familienvater an der Spitze des Chors.

 

Nach einer Herbsttournee stehen aktuell die Weihnachtskonzerte an, in denen die Domspatzen ihre Vielseitigkeit und alle Facetten des Schöngesangs demonstrieren. Der liturgische Dienst im Dom jeden Sonntag aber ist nach wie vor ihre vornehmste Aufgabe.

 

Die Domspatzen bleiben ein Knaben- und Männerchor! Wie auch die Leipziger Thomaner, der Dresdner Kreuzchor, die Wiener Sängerknaben, Tölzer und Windsbacher Knabenchor, gegen die man regelmäßig in Fußballtournieren antritt. Den charakteristischen Knabenchor-Klang würden Mädchenstimmen verändern. Außerdem spielt die »historische Aufführungspraxis« eine immer stärke Rolle, für Knabenchor geschriebene Werke klingen von Mädchen oder gemischtem Kinderchor gesungen einfach nicht authentisch. Seit April 2019 gibt es in Regensburg ein Pendant zu den Domspatzen: die Mädchenkantorei, die bereits mit vielversprechenden Konzerten aufhorchen ließ. 

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Bundesweit gibt es laut BKA immer wieder Verfahren gegen Heranwachsende - oft aber außerhalb der öffentlichen Wahrnehmung. Einen größeren Fall machten die Behörden am vorigen Freitag bekannt: Wegen des Verdachts der Weiterleitung von Bildern und Videos, die teilweise schwere sexuelle Gewalt gegen Kinder zeigen, hatten die Ermittler in elf Bundesländern Wohnungen durchsucht. 21 Verdächtige im Alter zwischen 14 und 26 Jahren sollen solche Videos über soziale Netzwerke verbreitet haben.
[…]
Im Fall der 21 Tatverdächtigen werten die Ermittler nun Smartphones, Tablets und Computer aus. Jedem neuen Hinweis auf weitere Tatverdächtige gingen die Behörden nach, erklärte Christian Hartwig ‚von der Generalstaatsanwaltschaft Frankfurt, bei der die Zentralstelle zur Bekämpfung der Internetkriminalität (ZIT) angesiedelt ist.
 

„Wir haben hier kein Kavaliersdelikt", bekräftigte auch die leitende Staatsanwältin Andrea Güde. Für einige der Beschuldigten gelte das Jugendstrafrecht. Ihre Verfahren könnten unter Auflagen eingestellt werden. Bei einer Verurteilung nach Erwachsenenstrafrecht drohen zwischen drei Monaten und bis zu fünf Jahren Haft.

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Quelle: Hannoversche Allgemeine Zeitung - 29.10.2019 – Seite 23

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Vor dem Landgericht Detmold sind jene Taten angeklagt, die sich hinter der Bretterbude abgespielt haben sollen. Und der „Addi“, wie ihn alle in „Eichwald“ nennen, tritt nicht mehr als der nette Onkel auf, sondern als der Angeklagte Andreas V., 56 Jahre alt, Hartz-IV-Empfänger.
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Quelle: https://www.tagesspiegel.de/gesellschaft/panorama/prozess-um-missbrauch-von-luegde-das-grauen-auf-dem-campingplatz/24498216.html

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Trainer gesteht Missbrauch von Jungen

Er soll als Fußballtrainer Schutzbefohlene im Alter von 13 und 17 Jahren missbraucht haben, soll in 42 Fällen Kinder und Jugendliche zu sexuellen Handlungen gezwungen oder sie dafür bezahlt haben.
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Quelle: Hannoversche Allgemeine – 29. November 2019 – Seite 17

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#MeToo ist ein Hashtag, das ab Mitte Oktober 2017 im Zuge des Weinstein-Skandals Verbreitung in den sozialen Netzwerken erfuhr. Die Phrase „Me too“ geht auf die Aktivistin Tarana Burke zurück und wurde als Hashtag durch die Schauspielerin Alyssa Milano populär, die betroffene Frauen ermutigte, mit Tweets auf das Ausmaß sexueller Belästigung und sexueller Übergriffe aufmerksam zu machen.
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Quelle: https://de.wikipedia.org/wiki/MeToo

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Der Anteil von Frauen, die psychischen und physischen Missbrauch erfahren haben, liegt bei 59 Prozent, was ein enorm hoher Anteil ist. Frauen müssen nackt proben oder müssen sich in besondere sexuelle Posen begeben. Ich möchte das jetzt nicht so detailliert ausführen.
[...]
Auf der fiktionalen Ebene ist es ja so, dass, wenn ein Regisseur das mit seinen Spielerinnen abspricht, dass bestimmte Dinge in einem Kontext geprobt werden müssen, ist das völlig okay.
Dann sagt die Schauspielerin: Ich mache das. Oder: Ich mache das nicht.
Aber hinter der Bühne – im Intendantenzimmer oder auf dem Flur oder auf Premierenfeiern –, wenn da der Übergriff stattfindet, dann ist der Kontext nicht mehr gegeben. Und dann ist so ein Übergriff der Macht außerhalb der Regularien, die ethisch eigentlich vorgegeben sein müssten.
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Quelle:
https://www.deutschlandfunk.de/macht-und-missbrauch-am-theater-frauen-sind-definitiv.691.de.html?dram:article_id=460010

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Anders als in anderen Branchen arbeiten im Film- und Fernsehbereich überwiegend Kreative, die als kurz befristet Beschäftigte oder selbstständige Mitarbeiter ständig zwischen Filmbetrieben ohne feste Belegschaft oder Betriebsrat hin und her wechseln und dadurch auch permanent auf Arbeitsuche sind. „Darum sind Beschwerdestellen auf betrieblicher Ebene schwer einzurichten und wenig sinnvoll“, sagt Cornelia Haß, ver.di-Bereichsleiterin Medien. Nur eine überbetriebliche Beschwerdestelle könne ihre vom Gesetzgeber gewünschte Wirkung voll entfalten, daher sei es überfällig, eine entsprechende Einrichtung zu schaffen, so Haß.

Die Vertrauensstelle richtet sich an Betroffene sexueller Belästigung und Gewalt und ist zunächst auf den Film-, Fernseh-, Theater- und Orchesterbereich beschränkt, kann aber durch Beteiligung weiterer Unterstützer/innen und entsprechender Branchenvertreter/innen auf die gesamte Medienbranche, den Musikbereich und andere Kulturzweige ausgeweitet werden. Neben der Entgegennahme und Prüfung von Beschwerden und der Unterstützung Betroffener stehen die Aufarbeitung und Prävention sexueller Belästigung und Gewalt im Mittelpunkt.
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Quelle: https://www.verdi.de/themen/gleichstellung/++co++c189e1a4-65b6-11e8-8231-525400940f89

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Wenn die Bewegung hinter dem Schlagwort Me Too ein Ziel hat, dann ist es dieses: Frauen sollen sich sicher fühlen, Me-Too-Vorfälle zu melden. Wenn sie Opfer eines sexuellen Missbrauchs, einer Belästigung oder einer Mikroaggression werden, sollen nicht sie die Schande tragen, sondern die Täter. Doch auch zwei Jahre, nachdem die ersten Me-Too-Fälle an die Öffentlichkeit gelangten und Täter wie der Filmproduzent Harvey Weinstein Ruf und Reichtum verloren, trauen sich noch immer sehr viele Frauen nicht, sexuelle Belästigung am Arbeitsplatz zu thematisieren.
Knapp 40 Prozent der Frauen, die der Veranstalter der Women & Work, Europas Leitmesse für Frauen, in einer Umfrage befragt hat, berichteten nur einer Person ihres Vertrauens darüber. 27 Prozent zeigten die Person bei den jeweiligen Vorgesetzten an und 25 Prozent nutzten unternehmenseigene Anlaufstellen wie Betriebsrat oder Personalabteilung, um den Vorfall zu melden. Allerdings entschieden sich auch fast 30 Prozent dafür, die Vorfälle gar nicht zu melden. Keine einzige der befragten Frauen suchte anwaltlichen Beistand. Mehr als ein Drittel der befragten Frauen gab an, bereits Erfahrung mit sexueller Belästigung am Arbeitsplatz gemacht zu haben.
[…]
Zwar gebe es seit Me Too mehr Öffentlichkeit für dieses Tabuthema, doch eine Lösung fehle. Während viele Männer klagen, dass der Umgang mit Frauen seit Me Too für sie so schwierig geworden sei, empfinden Frauen es oftmals anders: Als habe sich nichts geändert.
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Quelle: Süddeutsche Zeitung – 1. Oktober 2019 – Seite 26

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In jedem Jahr folgen Sänger und Kulturschaffende dem Ruf, der aus Ölbronn in die Welt gesendet wird. Hier war der schwärzeste Bass beheimatet und hier liegt er auch begraben. Zu seinem Gedenken wurde 1995 die Gottlob-Frick-Gesellschaft gegründet. Wer nun denkt, hier fände – wie anderenorts allzu oft – ein langweiliger Festakt mit endlosen Reden statt, der irrt gewaltig. Eher vergleichbar einem Klassentreffen kommen hier Weggefährten von Gottlob Frick und auch viele jüngere Künstler zusammen, um sich der guten alten Zeit zu erinnern, angereichert mit allerlei Anekdoten. Auch am 12.10.2019 waren viele und zum Teil sehr bekannte Sänger in das "Operndörfle" Ölbronn gekommen.

Natürlich ist die Gottlob-Frick-Gesellschaft auch dem Erinnern an den berühmten Bass verpflichtet, aber sie ist vor allem auch der Zukunft zugewandt, indem sie den künstlerischen Nachwuchs fördert. So erhalten beim alljährlichen Festakt immer Nachwuchssänger die Möglichkeit, sich hier einem breiten Publikum zu präsentieren. Den Auftakt machte in diesem Jahr Alexander Edelmann, Enkelsohn des großen Otto Edelmann. Mit 19 Jahren gerade an der Musikhochschule Wien eingeschrieben, brachte er mit dem Heilbronner Sinfonieorchester unter Leitung von Alois Seidlmeier die Arie des Papageno zu Gehör und erwies damit zugleich seinem Vater Peter Edelmann und seinem Onkel Paul-Armin Edelmann eine Referenz, da beide am Beginn ihrer Karriere jeweils auch mit dieser Rolle große Erfolge feiern konnten. (Peter Edelmann räumte später ein, dass er bei diesem ersten großen Auftritt seines Sohnes so stolz und aufgeregt gewesen sei, dass er zwar das Handy zur Aufnahme hochgehalten, aber erst hinterher gemerkt habe, dass er gar nicht den entscheidenden Knopf gedrückt habe.) Diesem Vortrag folgte mit sonorem Bass Florian Kontschak mit der Auftrittsarie des Van Bett aus ‘Zar und Zimmermann‘.

Im Mittelpunkt des Festaktes stand die Verleihung der Gottlob-Frick-Medaille an die Edelmann-Society Wien. In seiner Laudatio wies Ehrenpräsident Hans Hey auf die oft prekäre Situation des musikalischen Nachwuchses hin. Laut einer Auskunft der Künstlersozialkasse betrug das durchschnittliche Jahreseinkommen der freischaffenden Sänger in Deutschland weniger als 10.000,00 €. Zu dieser beschämenden Situation haben insbesondere die Opernintendanten beigetragen, die nahezu vollständig die Ensembles abgeschafft und auf das Stagione-Prinzip umgestellt haben. Die Edelmann-Society Wien organisiert einmal im Jahr einen Musikwettbewerb für Hochschulabsolventen, der sich von anderen Wettbewerben vor allem dadurch unterscheidet, dass in der Jury nicht Hochschulprofessoren sondern überwiegend solche Leute vertreten sind, die auch tatsächlich Verwendung für den musikalischen Nachwuchs haben. Für dieses Engagement, das ohne öffentliche Förderung auskommt, erhielt die Edelmann-Society Wien diese Auszeichnung.

Unter dem Titel "Opernsterne" schloss sich ein Promenadenkonzert an, bei dem sich vor allem Peter und Paul-Armin Edelmann die Bälle zuwarfen: Als Figaro, Don Giovanni, Tannhäuser, Wolfram, Germont und Escarmillo schmetterten sie ein Bravourstück nach dem anderen. Etwas Besonderes war die selten zu hörende, von Paul-Armin Edelmann sehr einfühlsam vorgetragene Arie des Pierrot aus "Die tote Stadt". Nicht unerwähnt bleiben darf auch die Mitwirkung der jungen Sopranistin Josipa Bainac, die insbesondere mit der Arie der Marie aus "Die verkaufte Braut" nicht nur die Herzen des Publikums, sondern auch die der anwesenden OpernsängerInnen eroberte. Beachtlich war die musikalische Unterstützung durch das Heilbronner Sinfonieorchester, denn es handelt sich hier um ein Laienorchester. Mit Alois Seidlmeier stand ein Profi am Pult und er hat wahrlich seine Musiker zu Höchstleistungen anspornen können. Insbesondere für die Sinfonia zu "La Forza del Destino" gab es zu recht stürmischen Applaus. Leider gibt es in jedem Konzert einen im wahrsten Sinne des Wortes Quatschsack (Reihe 5, Platz 100), der zu oft das Bedürfnis hatte, sich seiner Frau mitteilen zu müssen. Da es sich ausgerechnet um einen bekannten Kunstkritiker handelt, ist hier ein Bonmot von Oscar Wilde angebracht: 'Kunstkritiker sind wie Eunuchen: Sie wissen wie es geht, aber sie können es nicht!‘

Seinen Abschluss fand das Künstlertreffen mit einer Matinee am 13.10.2019, in deren Mittelpunkt Kammersängerin Brigitte Fassbaender stand. Angesprochen auf ihr Alter (sie wurde in diesem Jahr 80 Jahre alt) erwiderte sie, man sei heute in diesem Alter 20 Jahre jünger. Dies habe ihr auch ihre Ärztin versichert und der glaube sie in diesem Punkt bedingungslos.

Moderator Thomas Voigt verstand es, mit feinfühligen Fragen viele Details, manchmal auch außergewöhnliche Statements heraus zu kitzeln. Ihre Lieblingsdirigenten waren Rafael Kubelik, Carlo Maria Giulini und der feinfühlige Carlos Kleiber. An ihnen schätzte sie, dass sie als Menschen integer waren und manchmal musikalisch wie aus einer anderen Welt stammten und zugleich in der Lage waren, die Opernsänger mit in diese andere Welt zu führen. Leider seien nicht alle Dirigenten von diesem Schlag. Angesprochen auf ihre tiefen Töne verwies sie selbstbewusst auf ihr Brustregister und sah darin nichts Verwerfliches: "Was man hat, das hat man und kann man auch zeigen!" Für sie sei es auch selbstverständlich gewesen, die "Winterreise" ihrer großen Liebe Schubert aufzunehmen. Auf der Bühne habe sie so oft die Hosenrollen verkörpert und dies sei eben die Hosenrolle im Lied gewesen.

Dass auch eine so erfolgreiche Sängerin wie Brigitte Fassbaender, deren Stimme auf mehr als 250 Schallplatten und CDs verewigt ist, von großem Lampenfieber gepeinigt wurde, außer wenn sie die Winterreise bei einem Liederabend vortrug, war für die meisten Zuhörer eine neue Erkenntnis. Im Künstlerberuf gebe es eben keine Routine und manchmal sei es, dass ein inniger, perfekter Augenblick während der Probenphase, aber danach nie wieder so vollendet erreicht werde. Hin und hergerissen zwischen der vom Übervater - Vorbild und Gesangslehrer zugleich - ererbten preußischen Disziplin und den eigenen Selbstzweifeln hat sie eine Kundry und eine Ortrud abgelehnt, weil sie sich das nicht zutraute. Eigentlich seien alle Opernpartien, insbesondere Amneris und Eboli nur Versuche für sie gewesen. Auch die Azucena habe sie nie auf der Bühne verkörpert und nur auf Bitten des von ihr verehrten Carlo Maria Giulini eingespielt. Nach einem Ausschnitt des Duetts aus dem letzten Akt des Troubadour mit Placido Domingo rutschte Brigitte Fassbaender ein "der arme Domingo" heraus. Während der Moderator Thomas Voigt dies im Hinblick auf die aktuelle Me-Too-Debatte verstand, legte sie nach: "Wie konnte es nur passieren, dass aus einem erstklassigen Tenor ein drittklassiger Bariton wurde?". Leider gibt es nur wenige, die dies so offen aussprechen, denn auch viele der so genannten Kunstkritiker schreiben immer noch Lobeshymnen über seinen Nabucco oder Macbeth und verwechseln die Lebensleistung eines Sängers mit seiner aktuellen Gesangsleistung.

Aufgrund der zahlreichen CDs ist es aus dem Bewusstsein verschwunden, dass der Bühnenabschied von Brigitte Fassbaender schon sagenhafte 25 Jahren zurückliegt. Anstelle eines beschaulichen Rentnerdaseins (man kann sich bei Brigitte Fassbaender vieles vorstellen, aber das nicht!) hat sie eine zweite Karriere gestartet und kann nun schon eine beachtliche Anzahl von Regiearbeiten vorweisen. Da sie sich erst wie 60 fühlt, hat sie auch noch viele Pläne, von denen sie nur den RING in Erl verriet. Ein Traum wäre es für sie, einmal den Trittico inszenieren zu dürfen. Vielleicht liest dies ja ein Intendant, der diese Chance nutzt...

Die Matinee klang aus mit einer erst kürzlich wieder entdeckten Aufnahme, die Brigitte Faßbender als "Jugendsünde" abtat: Aus tiefer Verehrung zu Maria Callas hat sie auch die Arie aus La Gioconda aufgenommen. "Ohne Rücksicht auf Verluste, hab ich ihr das einfach nachgemacht". Zu Recht wurde sie vom Publikum für diese Jugendsünde gefeiert.

Mit dem Versprechen und vor allem mit der Vorfreude darauf, sich im nächsten Jahr wieder zu sehen, wenn die Gottlob-Frick-Gesellschaft ihr 25-jähriges Jubiläum feiert, ging das diesjährige Künstlertreffen zu Ende.
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Was die Sängerriege betraf, im ersten Akt gab es bei fast allen kleine stimmliche Probleme. Aber dann liefen sie zu großer Form auf. Zoran Todorovich als Elazar war in der Gebetsszene so intensiv, gerade auch mit den Pianis, daß es unter die Haut ging. Mercedes Arcuri war so überdreht witzig ohne den Gesang zu vernachlässigen, Mathew Newlin als Leopold hatte die schwierige Tenorpartie ohne größere Probleme bewältigt, genau wie Hailey Clark als Rachel.

In dieser Oper sind alle Partien sehr anspruchsvoll für die Stimmen komponiert. Darstellerisch haben sich sowieso alle übertroffen. Der letzte Akt wurde von Todorovich, Clark und auch Shavleg Armasi als Kardinal so überzeugend intensiv gespielt, dass ich am Ende richtig mit den Tränen kämpfte. Der lange Schlussapplaus mit vielen Bravos schloss auch Chor und Orchester unter Constantin Trinks mit ein. Alle gingen erfüllt von diesem Abend nach Hause und wir drei bereuten keine Sekunde die Fahrt von München nach Hannover.

Ich wünsche dem Haus, dass es auch die anschließende neue Spielzeit mit so viel guten Sängern und Produktionen gestalten kann.

Ruth Tipton, München, 27. September 2019
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Theater für Niedersachsen GmbH

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Tristan und Isolde
Handlung in drei Aufzügen von Richard Wagner
Libretto von Richard Wagner
Nach dem Versroman „Tristan“ von Gottfried von Straßburg

Zur festlichen Wiedereröffnung nach dem Umbau wird das Hildesheimer Theater erstmals in seiner Geschichte Richard Wagners Ausnahmeoper TRISTAN UND ISOLDE auf die Bühne bringen.

Inhalt
Der Kriegsheld Tristan soll Isolde, die Braut seines Königs Marke, zur Hochzeit nach Cornwall bringen. Doch Isolde liebt Tristan und bittet auf der Überfahrt ihre Vertraute Brangäne, zutiefst gedemütigt, ihnen einen Todestrank zu geben, aber diese reicht stattdessen heimlich einen Liebestrank. Vermeintlich an der Schwelle des Todes, sehen sich Tristan und Isolde in den Taumel einer Liebe versetzt, die keine Grenzen und Konventionen kennt und für deren Unbedingtheit letztlich im Diesseits kein Platz sein kann.

Das monumentale Werk ist einer der bedeutendsten Meilensteine der Operngeschichte und begeistert und überwältigt bis heute durch die musikalisch rauschhafte Darstellung einer obsessiven, alles überwindenden, todessehnsüchtigen Liebe: „In allen Künsten vergebens [...] suche ich nach einem Werke von gleich gefährlicher Faszination, von einer gleich schauerlichen und süßen Unendlichkeit wie der ‚Tristan‘ ist“ (Nietzsche), „eine der sublimsten Schöpfungen des Geistes, die jemals geschaffen wurde [...] wunderbar, wunderbar, unsagbar wunderbar“ (Verdi), „Kind! Dieser Tristan wird was Furchtbares!“ (Wagner).

Musikalische Leitung Florian Ziemen
Inszenierung Tobias Heyder
Ausstattung Pascal Seibicke
Chor Achim Falkenhausen
Dramaturgie Susanne von Tobien
Mit Hugo Mallet (Tristan), Julia Borchert (Isolde), Uwe Tobias Hieronimi (König Marke), Neele Kramer (Brangäne), Levente György (Kurwenal), Peter Kubik (Melot), Julian Rohde (Hirte), Jesper Mikkelsen (Steuermann), Chung Ding/ Julian Rohde (Stimme eines jungen Seemanns), Herrenchor des TfN, Orchester des TfN
Premiere am Samstag, 16. November 2019, 17:00 Uhr, Großes Haus
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Lohengrin
Richard Wagner
Romantische Oper / Dichtung vom Komponisten

Premiere: 2.11.2019 / Felsenreitschule

Inhalt
Die Legende um den Heiligen Gral, um etwas geheimnisumwoben Hoheitsvolles, hatte es Richard Wagner angetan. Im Wagnerschen Mythen-Universum, das zwar von Legenden und historischen Begebenheiten inspiriert ist, und dennoch ein eigenständiges „Raum-Zeit-Gefüge“ entwirft, ist Lohengrin der Sohn des Gralskönigs Parsifal, der in der fernen Burg Montsalvat residiert. Lohengrin erscheint als „strahlender Schwanenritter“ im Herzogtum Brabant, um einer bedrängten, jungen Frau und Reichserbin – Elsa – aus der Patsche zu helfen. Sie ist des Brudermordes angeklagt, aber unschuldig.
Allerdings darf niemand von Lohengrins Herkunft wissen. Nicht einmal nach ihrem Namen darf die edle Gestalt gefragt werden. Wenn es doch jemand wagt, muss der Gralsritter, so will es die Vorsehung, die unwürdige Gesellschaft wieder sich selbst überlassen.
Dass sich daraus Konflikte ergeben, liegt nahe. Die einen sind entzückt von Lohengrins überirdischer Erscheinung, die sie ohne weiteres an einen Gottgesandten glauben lässt. Die anderen vermuten einen bösen Zauber hinter der Lichtgestalt. Und Elsa – zwischen Glauben und Zweifel hin- und hergerissen – steht dazwischen. Letztlich führt ihre Neugier in die Katastrophe: Noch im Brautgemach stellt Elsa die verbotene Frage…
[…]
In deutscher Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln
Dauer: 4 h 30 min/ 2 Pausen (1. Akt 60 min / 2. Akt 90 min / 3. Akt 70 min)
Werkeinführung: 30 min vor Beginn

Besetzung
Musikalische Leitung Leslie Suganandarajah
Inszenierung Roland Schwab
Bühne Piero Vinciguerra
Kostüme Gabriele Rupprecht
Musikalische Einstudierung Wolfgang Götz
Musikalische Assistenz Gabriel Venzago
Musikal. Einstudierung Chor Ines Kaun, Walter Zeh
Korrepetition Eunjung Lee, Iwan Davies
Dramaturgie Sherin Sorour

Lohengrin Benjamin Bruns
Heinrich der Vogler Pavel Kudinov
Elsa von Brabant Jacquelyn Wagner
Friedrich von Telramund Alexander Krasnov
Ortrud Miina-Liisa Värelä
Khatuna Mikaberidze
Der Heerrufer des Königs Raimundas Juzuitis
Gottfried N. N.
Vier Brabantische Edle Chong Sun, Franz Supper, Min-Yong Kang, Alexander Hüttner, Yevheniy Kapitula
Samuel Pantcheff, Manuel Millonigg, Emmanouil Marinakis
Vier Edelknaben Hazel McBain, Tamara Ivaniš, Anne-Fleur Werner, Zsófia Mózer, Mona Akinola

Chor und Extrachor des Landestheaters und Philharmonia Chor Wien
Orchester Mozarteumorchester Salzburg
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Quelle: https://www.salzburger-landestheater.at/ 
Besuchte Vorstellung: 24. November 2019

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Quelle: HAZ – 26. November 2019 – Seite 263