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15.11.2021, 23:43 Uhr

Nürnberger Oper feuert Regisseur wegen "unangemessener" Äußerung

Regie-Altmeister Peter Konwitschny (76) sollte Verdis "Troubadour" inszenieren, doch bei den Proben fielen offenbar diskriminierende Worte, die für eine sofortige Trennung sorgten. "Die einzig mögliche Konsequenz", behauptet die Theaterleitung.

Von Peter Jungblut

Es muss ordentlich "gekracht" haben bei den Proben zu Verdis "Troubadour" in Nürnberg. Der als impulsiv bekannte Peter Konwitschny, einer der prominentesten deutschen Opernregisseure, soll sich gegenüber Mitwirkenden mächtig im Ton vergriffen haben. Jedenfalls musste er das Haus auf Druck der Intendanz verlassen und die Endproben in die Hände seiner Assistentin Marie-Christine Lüling legen. Er selbst äußerte sich dazu exklusiv gegenüber dem BR und verriet bei der Gelegenheit auch, um welche Äußerung es aus seiner Sicht genau geht.

In einer schriftlichen Stellungnahme des Staatstheaters gegenüber dem BR heißt es: "Hintergrund hierfür ist ein Konflikt zum Verhalten des Regisseurs im Umgang mit Künstlerinnen und Künstlern des Hauses. In einer Probensituation hat sich Herr Konwitschny in einer Art geäußert, die von Beteiligten als 'unangemessen und diskriminierend' wahrgenommen wurde. Die Theaterleitung kam nach Gesprächen mit mehreren beteiligten Personen zu derselben Einschätzung und hat unmissverständlich klargestellt, dass es am Staatstheater Nürnberg für Diskriminierung keinen Platz gibt."

Konwitschny habe seine Arbeit an der Produktion daraufhin niedergelegt: "Auch die Theaterleitung sah diesen Schritt als einzige mögliche Konsequenz." Über dieses Statement hinaus wolle sich die Intendanz zu dem Fall nicht weiter äußern. Zuerst hatte Nordbayern.de über die Angelegenheit berichtet.

"Das müssen die Sänger verstanden haben"

Vom Theater gab es keinerlei offizielle Auskunft, welche Worte zum Eklat führten. Nach Informationen des BR fiel die Äußerung im Rahmen einer Chorprobe und richtete sich an eine schwarze Sängerin. Schon im Vorfeld der Premiere, die am vergangenen Samstag stattfand, hatte sich abgezeichnet, dass Konwitschny an den Proben nicht mehr persönlich beteiligt war. Er werde bei der Premiere nicht anwesend sein, hieß es von der Theaterleitung gegenüber dem BR, und auch nicht für Interviews zur Verfügung stehen. Der Grund wurde damals nicht genannt.

Zu seiner Personenregie sagte Konwitschny im Januar 2020 in einem Interview: "Das Entscheidende ist die politische Grundlage, die gesellschaftliche Situation, in der sich Menschen befinden, weshalb sich eben meistens ihre Liebessehnsüchte nicht erfüllen. Das ist erstmal das Wichtigste. Das müssen die Sänger verstanden haben. Dann wird die Sache schon ganz automatisch." Der als recht emotional geltende Regisseur ist seit mehreren Jahrzehnten für seine teils sehr polarisierenden Inszenierungen bekannt, um die es auch immer wieder Aufregung gab. Den größten Wirbel gab es nach der Operette "Die Csárdásfürstin" 1999 an der Semperoper, als der damalige Intendant zwei besonders provokante Szenen nach der Premiere strich, wogegen Konwitschny eine einstweilige Verfügung erwirkte und durch zwei Instanzen klagte.

Konwitschny inszenierte zuletzt Anfang Oktober an der Dresdener Semperoper Vincenzo Bellinis "Norma", am 15. Januar soll er mit seiner Interpretation von Modest Mussorgskys "Boris Godunow" an der Wiener Volksoper debütieren. Im Mai 2022 steht eine "Walküre" an der Dortmunder Oper an.
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Quelle: https://www.br.de/nachrichten/kultur/nuernberger-oper-feuert-regisseur-wegen-unangemessener-aeusserung,SosCO0i

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Theatermacher erneut im Visier

Die Staatsanwaltschaft München I hat zwei weitere Ermittlungsverfahren gegen den früheren Theaterintendanten Thomas Pekny eingeleitet. Auslöser seien dafür zwei Anzeigen aus dem Juli des vergangenen Jahres, sagte eine Sprecherin der Behörde. Sie seien während des Prozesses gegen den Chef der Komödie im Bayerischen Hof in München eingegangen. Peknys Anwalt Florian Zenger nannte die neuen Vorwürfe gegen seinen Mandanten “haltlos“.
Die Staatsanwaltschaft wirft Pekny vor, betrunkene Frauen auf dem Oktoberfest angesprochen und mit in die Proberäume des Theaters genommen zu haben. Dort soll er sich nach Darstellung der Anklagebehörde an den schlafenden Frauen vergangen und davon Videos und Fotos gemacht haben. Das Landgericht München I sprach ihn Ende Juni aus Mangel an Beweisen vom Vorwurf des schweren sexuellen Missbrauchs frei. Das Urteil ist aber noch nicht rechtskräftig, weil die Staatsanwaltschaft Revision eingelegt hat. Noch während des Prozesses meldeten sich dann weitere mutmaßlich Betroffene.
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Theater Stuttgart:
Stuttgarter Ballett trennt sich von Musikdirektor Agrest

17. Januar 2022, 18:43 Uhr

Direkt aus dem dpa-Newskanal

Stuttgart (dpa) - Nach nicht einmal eineinhalb Jahren hat sich das Stuttgarter Ballett von Musikdirektor Mikhail Agrest getrennt. Das teilte Ballettintendant Tamas Dietrich am Montagabend in Stuttgart schriftlich mit. Gekriselt hatte es schon länger. Dietrich erklärte nun, der gebürtige Russe Agrest sei zwar "ohne Frage ein hervorragender Dirigent". Er selbst sehe sich aber gezwungen, sich vor seine Tänzerinnen und Tänzer zu stellen, weil Agrest nicht deren Interessen im Auge habe. "Wenn die musikalische Vision des Dirigenten weder die Intention des/der ChoreographIn berücksichtigt noch die bestmöglichen Voraussetzungen für die tänzerische Umsetzung der Musik schafft, dann ist der Zeitpunkt gekommen, sich zu trennen." Statt zwischen Ballett und Orchester zu vermitteln, habe der Musikdirektor polarisiert. "Ich bin zutiefst enttäuscht", erklärte Detrich.

© dpa-infocom, dpa:220117-99-744544/2
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Quelle: https://www.sueddeutsche.de/kultur/theater-stuttgart-stuttgarter-ballett-trennt-sich-von-musikdirektor-agrest-dpa.urn-newsml-dpa-com-20090101-220117-99-744544

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Machtmissbrauch im Kulturbetrieb - Oberenders Abgang

Thomas Oberender, dem scheidenden Intendanten der Berliner Festspiele, wird Mobbing vorgeworfen

Rüdiger Schaper



Thomas Oberender, Festspiele-Chef seit 2012 - Foto: Christoph Neumann

Das Klima ändert sich. Vielleicht ist das auch einmal eine gute Nachricht. Lange Verborgenes dringt an die Oberfläche des Kulturbetriebs. Es war das Jahr des Personaltheaters in der Hauptstadt. Klaus Dörr, Intendant der Volksbühne, trat im März nach MeToo-Vorwürfen von Mitarbeiterinnen sehr schnell zurück. Allerdings wäre sein Vertrag in diesem Sommer ohnehin ausgelaufen.

Im April einigten sich die Tänzerin Chloé Lopes Gomes und das Staatsballett Berlin vor dem Bezirks-Bühnenschiedsgericht auf einen Vergleich: der Vertrag der Tänzerin wurde um ein Jahr verlängert und sie erhielt eine Abfindung. Lopes Gomes hatte Rassismusvorwürfe gegen eine Trainingsleiterin erhoben und gegen die Nichtverlängerung ihres Vertrags geklagt. Zur gleichen Zeit kamen Mobbing-Vorwürfe gegen Shermin Langhoff, die Intendantin des postmigrantischen Maxim Gorki Theaters, an die Öffentlichkeit. Sie blieb im Amt. Die Dinge wurden intern geregelt.

Und bald darauf überraschte die Nachricht, dass Thomas Oberender, Intendant der Berliner Festspiele, seinen erst im Herbst 2020 verlängerten Vertrag zum Jahresende 2021 auflöst. Die damalige Kulturstaatsministerin Monika Grütters agierte umgehend, um das Nachfolge-Problem aus der Welt zu schaffen. Bereits im September, noch vor der Bundestagswahl, ernannte sie nach Beratungen mit einer Fachjury Matthias Pees zum neuen Festspiele-Chef.

Viele Berliner Häuser sind betroffen

Damit waren und sind vier bedeutende Berliner Kulturinstitutionen betroffen. Das gab es noch nie. Früher gerieten Theaterleiter über ihre Finanzgebaren ins Abseits, wenn überhaupt. Ein Wort wie Mobbing existierte noch nicht, wohl aber das Fehlverhalten, das es beschreibt. Krakeelende, betrunkene Regisseure waren noch in den Achtzigerjahren und darüber hinaus nichts besonders Auffälliges. Es kam auf die Qualität ihrer Kunst an. Und auf die politisch-moralische Einstellung. Diese musste nach außen stimmen, coram publico. Wie es hinter den Kulissen zuging, spielte keine Rolle.

So unterschiedlich die aktuellen Fälle gelagert sind, so deutlich wird auch: Sexistische Übergriffigkeit, rassistisches Verhalten, Drohgebärden, Gebrüll und anderes offenbar klassisches Führungsverhalten werden inzwischen sanktioniert. Nicht immer, aber immer häufiger.
Ein Kulturwechsel findet statt. Dass es dabei auch zu zweifelhaften, unklaren oder ungerechten Bewertungen kommen kann, lässt sich bei einem Umschwung dieser Größenordnung kaum vermeiden. Denn es geht nicht nur um eine veränderte Kultur der Arbeit, zumal in künstlerischen Berufen. Es geht auch um einen Generationenwechsel, um Karrieren.

Über die Umstände des plötzlichen Abgangs von Thomas Oberender haben beide Seiten, der Bund und der Kulturmanager, Stillschweigen vereinbart. Viele fragten sich, intern und extern, was dahintersteckte. Es blieb erst einmal ruhig, und auf Gerüchte, die es in diesem Klima natürlich gab, sollte man sich angesichts der Ernsthaftigkeit des Themas und der Konsequenzen nicht verlassen.

Was steckt hinter dem Stillschweigen?

Es hieß, der scheidende Festspielchef wolle sich neuen Aufgaben widmen. Eine Abfindung bekommt er nicht. Das klang einigermaßen glaubwürdig, denn bereits seit einigen Jahren sieht sich Oberender mehr als Kurator denn als Verwalter – beim gescheiterten „Dau“-Projekt, bei der Reihe „Immersion“, die nun ausläuft, und bei der Bespielung jüngst des ICC, „The Sun Machine Is Coming Down“. Er wollte künstlerisch wirken, die Berliner Festspiele mit ihren vielen Festivals wurden ihm zu eng. Er hatte eine Mission.

Ende November wurde Thomas Oberender in das Präsidium des Goethe-Instituts berufen, ein honoriger Posten. Und nun doch: Nach Recherchen des RBB und des ARD-Politikmagazins „Kontraste“ musste der Festspiele-Chef wegen massiven Fehlverhaltens gehen. Mitarbeiterinnen sprechen von Mobbing, psychischem Druck, litten unter Burnout, Krankheit sei nicht akzeptiert worden. Die Personalfluktuation bei den Festspielen war in der Oberender-Zeit, also ab 2012, außergewöhnlich hoch.

Männer dominieren die Branche

In diesen Jahren kamen und gingen zwölf Mitarbeitende, die mit Oberender zu tun hatten. Als „machiavellistisch“ bezeichnet Matthias Osterwold, langjähriger Chef der bei den Festspielen angesiedelten „März Musik“-Reihe, den Führungsstil von Oberender. Zuletzt sollen sich der Betriebsrat und die Geschäftsführung der KBB, der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin, eingeschaltet haben. Daraufhin sah die Kulturstaatsministerin Handlungsbedarf.

Das Schweigen setzt sich fort. Weder Grütters noch Oberender äußerten sich zu den jüngsten Berichten. Das Geheimnistuerische schadet der Politik, die möglichweise erst gehandelt hat, als es nicht mehr anders ging. Und es schadet den Kultureinrichtungen. Das sind schmerzhafte Prozesse. Vor allem die großen Bühnen geraten unter Generalverdacht. Dort herrsche immer noch ein tyrannisches System – zu viel Machtfülle in den männlich dominierten Intendanzen. Das heißt nicht, dass nicht auch Frauen, die sich in diesem System durchkämpfen, herrische Verhaltensweisen entwickeln.

Zu viel Macht für Intendanten

Im Jahr 2019 wurde die erste Studie über Machtstrukturen an deutschen Theatern veröffentlicht. Der Autor Thomas Schmidt stellte fest, dass über die Hälfte der 2000 Befragten missbräuchliches und übergriffiges Verhalten kannten, überwiegend durch Intendanten. Wenn das so zutrifft, handelt es sich um einen Flächenbrand.

Bei der Vertragsverlängerung im Oktober 2020 sagte Kulturstaatsministerin Monika Grütters: „Thomas Oberender sind Kulturereignisse zu verdanken, die aufrütteln und gewohnte Perspektiven sprengen. Manch wichtige gesellschaftliche Diskussion hat er auf diese Weise angestoßen.“ Von Oberenders Problemen wusste sie damals wohl nichts.

Doch könnte sie auf andere Weise recht behalten. Intendanten, die ihre Machtmöglichkeiten missbrauchen, stoßen in der Tat wichtige gesellschaftliche Diskussionen an. Ja, es rüttelt auf, sprengt die gewohnten Perspektiven. Richtige Worte am falschen Platz.

Ist der Intendanzposten in der traditionellen Form obsolet? Oder lässt sich ein code of conduct finden? Braucht es eine Quote oder auch eine Begrenzung der Amtszeiten, wie die Ampel in ihrem Koalitionsvertrag schreibt? Und was macht das alles mit der Kunst?

Die Verantwortung der Chefs

Es ist keineswegs so, dass der Kulturbetrieb eine Sonderrolle einnimmt. Die Julian-Reichelt-Schlagzeilen über die „Bild-Zeitung“ haben es gezeigt. Über MeToo und Missbrauch in den großen Industrieunternehmen ist nicht viel bekannt. Das heißt nicht, dass dort alles in Ordnung wäre.

Es stimmt aber auch: In kreativen und künstlerischen Berufen, aber auch im Sport, müssen Menschen sich öffnen. Physische und psychische Grenzen werden an- und ausgetestet. Das führt leicht zu Missbrauch, zur Verwechslung von Privatbereich und Professionellem. Hinzu kommen in der Kultur prekäre Beschäftigungsverhältnisse, oft auch nur auf Zeit.
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Let’s talk about „Nein“

Endlich sprechen auch wir im Theater über Machtstrukturen. Das macht keinen Spaß, ist aber notwendig. Und es ist notwendig, sehr genau hin zu gucken um zu erkennen, unter welchen Deckmänteln sich die Macht ins Haus schleicht, denn – Spoiler! – es sind nicht nur „die da oben“, die sich ihre Positionen und Privilegien anschauen müssen.

Die Machtpyramide steht nicht nur in den Leitungsetagen, sondern auch auf den Probebühnen.
Die theatereigenen Strukturen schaffen von Beginn an ein Gefälle: In der Schauspielausbildung wird häufig vermittelt, dass Schauspielende immer „Ja!“ sagen sollen, während die Regie entscheidet, wo es lang geht.
Allein hierdurch wird deutlich: Wir Regisseur*innen sind per Definition in einer machtvollen Position. Auch wenn wir super nett sind kann es deswegen eine Hürde sein, uns gegenüber Bedenken zu äußern – auch wenn jemand einen Grund dazu hätte.

Ein Bereich, bei dem das problematisch werden kann, ist die Erarbeitung von Szenen mit intimem Inhalt – also bei der Frage, wessen Hände auf wessen Körperteilen landen, sowie bei Küssen, Nacktszenen, Masturbation oder der szenischen Simulation von Sex in allen Varianten, von zärtlich bis gewaltvoll.
Denn obwohl das Theater ein großes „so tun als ob“ ist, sind es doch die realen Körper der Schauspielenden, die sich da begegnen – und dadurch die ganz privaten Intimsphären, die involviert sind.
Was sich intim anfühlt, kann jede*r nur für sich selbst beantworten, je nach Situation und Gegenüber. Doch durch die Machtstrukturen der Probebühne kann es schwer sein, dies im Arbeitsprozess zu benennen, ein „Nein“ auszusprechen oder Grenzen zu setzen.
Damit alle unbeschadet proben können, brauchen wir gute Arbeitsstandards. Bei Kampfszenen oder Special Effects ist uns schon lange klar: Damit auf der Bühne Action und Magie entstehen, braucht es Verabredungen, Cues und Molton.

Selbes gilt für szenische Intimität, bloß steht die Machtpyramide häufig im Weg und das emotionale Verletzungsrisiko ist hoch.
Wir Regisseur*innen können durch unsere Position auf der Probebühne ganz konkret mit dafür Sorge tragen, dass aus Hausvereinbarungen und Verhaltenskodexen eine Probenpraxis entsteht, in der Platz für intimitätssensibles Arbeiten ist. Dabei ist das „Nein“ einer*s Schauspieler*in nicht blockierend, schwierig oder anmaßend, sondern ein hilfreicher Wegweiser auf der gemeinsamen Suche nach dem „Ja!“

Die Filmbranche ist dem Theater schon einen guten Schritt voraus: Seit 2019 wird auch in Deutschland über Intimitätskoordination gesprochen, mit deren Hilfe Filmszenen mit intimem Inhalt einvernehmlich und im Sinne der künstlerischen Vision erarbeitet werden. Die privaten Grenzen aller Beteiligten geben hierbei den Rahmen vor, innerhalb dessen eine genaue Choreographie aus Bewegungen und Berührungen festgelegt wird. Abkleber, Bedeckungen und Sichtwinkel unterstützen die Szene, so dass schließlich gut abgesicherte, einvernehmlich miteinander arbeitende Schauspielende sich ganz auf ihr Zusammenspiel konzentrieren können – ohne Sorge vor unangenehmen Überraschungen.

...bis das Theater aber soweit ist, dass Intimitätskoordinator*innen zu unseren Teams gehören, wird sicherlich noch viel Zeit und Geld vergehen.
Trotzdem können wir auch jetzt schon mit dafür die Verantwortung tragen, dass aus den aktuellen Diskursen eine konkrete, bessere Praxis wird.

Erste Schritte – To-Do-Liste für Regisseur*innen: „So, dann mal ran! Wir machen jetzt die Fick-Szene.“

- Gewöhne dir eine desexualisierte und erwachsene Sprache an, um Körperteile und Bewegungen wertfrei und biologisch korrekt zu benennen.

- Sei zudem super gut vorbereitet, um den Kontext der szenischen Intimität transparent zu machen: Wie werden dadurch Figuren und Handlung beeinflusst?
 
- Warum ist es für deine Setzung wichtig, sie sichtbar zu machen?

- Gib den Schauspielenden durch rechtzeitige Planung die Möglichkeit, gut vorbereitet zu arbeiten. Vielleicht steckt jemand eine Zahnbürste ein, geht vor der Probe zum Sport oder danach duschen. Jemand anderes nutzt vielleicht zusätzlich zum Tampon noch eine Binde oder packt sicherheitshalber eine Stilleinlage in den BH – was auch immer für die Spieler*innen funktioniert, um gut proben zu können, sollten sie machen können.

  „Nackt sein ist ja okay für dich, nicht wahr?“

- Entwickel Interesse daran, wie es den Schauspielenden mit der Szene geht. Stelle keine Suggestivfragen, sondern sei offen für Rückmeldungen. Hab‘ im Kopf, dass das bedeuten kann, etwas zu verändern.

  „Bietet mir für den Kuss einfach mal was an.“

- Sorry: Nein. Das ist dein Job. Das Entwickeln der Choreografie von szenischer Intimität braucht genaue Absprachen und Berührungserlaubnisse, bevor es zum Körperkontakt kommt. Hieraus entwickelt ihr zusammen eine einvernehmliche Idee für die szenische Handlung, die Schritt für Schritt erprobt werden kann.

- Besprich mit allen Abteilungen rechtzeitig, welche Hilfsmittel dafür benötigt werden (z.B.   Bademäntel, Probenunterwäsche, zusätzliche Wärmequellen, Abkleber in passenden  Hauttönen, Sichtschutz bei Proben, Anproben und Umzügen).
 
„Lass‘ uns mal nach der Probe beim Bier in der Kantine darüber reden.“

- Trenne ganz deutlich zwischen deiner Funktion als Regie und deinem Feierabend-Ich.

- Vielleicht möchte das Ensemble mit Letzterem gar nicht über intime Inhalte sprechen?

-   Respektiere außerdem die festgelegten Arbeitszeiten und den Schutzraum der Probebühne.
 
„Du kannst das (nicht) spielen, du bist (nicht) homosexuell.“

- Unterstelle niemandem, dass auf Grund des Privatlebens und -liebens etwas nicht oder besonders gut gespielt werden kann. Das Privatleben geht dich schlicht nichts an.
 
- Keep in mind: So lange jemand einen Bären oder „Die Elbe“ spielen kann, können auch alle anderen alles andere spielen.
 
„Yeah, das sah heiß aus! Da hätte ich gern mitgemacht.“

- Bedenke, dass du mit dafür Verantwortung trägst, ob sich ein bestimmter Standard auf  Proben etabliert. Frage dich selbst: Wie hätte das, was ich gesagt oder gemacht habe, gewirkt, wenn es meine unangenehmste Regiekolleg*in getan hätte?

- Und bitte: Einfach sitzen bleiben und beschreiben, niemals in die Szene springen und vorspielen. Auch und vor allem nicht mit der Assistenz.

Ja, all das bei einer Probe zu bedenken kann eine Umgewöhnung und vielleicht sogar Einschränkungen bedeuten.

Aber let‘s face it - wir inszenieren nie uneingeschränkt frei. Auch wenn‘s manchmal nervt beachten wir Begrenzungen bei Dispo, Raumvorgaben, Probenzeiten, Besetzung und wenn wir nice sind auch in Sachen Krankheit, Familienfreundlichkeit und Workload. Wir sind total trainiert darin, im Rahmen der Möglichkeiten zu inszenieren und auf Umstände zu reagieren.

Fazit: Wir können, wenn wir wollen, also auch so arbeiten, dass die Schauspieler*innen die Grenzen ihrer persönlichen Intimität wahren können.
Und nein, die haben nichts mit Befindlichkeiten zu tun.
Und ja: Das ist ein Thema für alle Geschlechter.
Wir können die Machtpyramiden zwar nicht von heute auf morgen sprengen.
Aber wir können heute anfangen, sie abzutragen.
 

Von Magz Barrawasser
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3. Juni 2016, 18:58 Uhr

Kommentar: Kündigen gehört zum Geschäft

 Christine Dössel – Zeichnung SZ –
ist Theaterkritikerin im Feuilleton.

Das Ensemble des Bayerischen Staatsballetts wird radikal ausgetauscht. Ein Skandal? Nein, der Wechsel ist Teil des Systems.

Von Christine Dössel

In der Münchner Tanzgemeinde gibt es einen Aufschrei, von einer "Massenentlassung" ist die Rede, manche nennen es einen Skandal: Mit dem Abschied von Ballettchef Ivan Liška zum Saisonende verlassen 29 von 63 Tänzern das Ensemble des Bayerischen Staatsballetts. Das ist viel, fast die Hälfte – einige gehen freiwillig, viele müssen gehen. Liškas Nachfolger, der Russe Igor Zelensky, wird, wenn er in München anfängt, neue Tänzer mitbringen, zum Beispiel aus seinem Moskauer Stanislawski-Ballett, dessen Leitung er beibehält.

Hart? Ja. Und für viele sicher bitter, auch für die Zuschauer, aber ein Skandal ist es nicht. Eher (trotz der hier hohen Zahl): normal. Intendantenwechsel gehören in den Bühnenkünsten dazu wie Wahlen in der Politik und haben oft ebenso einschneidende "Kabinettsumbildungen" zur Folge. Erst recht nach langen künstlerischen Intendanzen – Liška war in München 18 Jahre im Amt. Wenn ein Neuer oder eine Neue antritt, dann bringt er oder sie selbstverständlich auch neue Leute mit. Jeder Intendant, zumal wenn er selber auch noch Regisseur oder Choreograf ist, umgibt sich mit einem Team seines Vertrauens, braucht künstlerische Partner und Wegbegleiter, auf die er bauen kann, die sein Konzept, seinen Stil, seine Handschrift mitgeprägt haben und am neuen Ort weiter mitprägen sollen. Auch "Verjüngung" ist immer ein Thema – und eine Aufgabe.

Es gibt durchaus auch sanfte Übergänge, etwa als Johan Simons 2009 an den Münchner Kammerspielen auf Frank Baumbauer folgte und das Haus mit dem Gros des alten Ensembles auf demselben künstlerischen Weg weiterführte. Oft braucht es aber harte Schnitte, um ästhetisch einen Kurswechsel einzuläuten. Als Martin Kušej 2011 von Dieter Dorn das Münchner Residenztheater übernahm, hätte er wohl kaum mit dem alteingesessenen, fest aufeinander und aufs Publikum eingeschworenen Dorn-Ensemble ein eigenes Profil entwickeln können.

So grausam das für Menschen mit Beamtenstatus klingen mag: Der Wechsel im künstlerischen Personal ist im Theatergeschäft Teil des Systems, part of the business, jeder Künstler weiß, worauf er sich da einlässt. Schauspieler, Sänger und Tänzer erhalten immer nur befristete Arbeitsverträge, meistens für eine Spielzeit, manchmal sind es Drei- oder Vierjahresverträge.

Wird nicht explizit eine Nichtverlängerung ausgesprochen, verlängert sich das Arbeitsverhältnis automatisch. Ist jemand länger als 15 respektive 19 Jahre am Haus, kann der befristete Vertrag nicht mehr komplett beendet werden, da kommt man dann in die Unkündbarkeit hinein, die ein jedes Haus zu vermeiden trachtet.

Beim technischen Personal sieht es anders aus, Bühnentechniker sind Teil des öffentlichen Dienstes und haben Tarifverträge, auch Orchestermusiker sind mit unbefristeten Verträgen ausgestattet, sie bleiben, wenn die Orchesterleitung wechselt. Es sind die Schauspieler, Sänger und ganz besonders die Tänzer, die oftmals nur für die Dauer einer Intendanz und für einen ganz bestimmten ästhetischen Kurs an einem Haus sind.

Von solch "prekären" Arbeitsverhältnissen indes können die Kollegen in Frankreich, England oder Italien nur träumen. Denn in den anderen Ländern Europas bekommen die Bühnenkünstler überhaupt keine Arbeitsverträge über einen längeren Zeitraum, sie müssen sich jeweils von Produktion zu Produktion hangeln. Dagegen ist die Situation der Schauspieler und Tänzer im deutschsprachigen Ensemble- und Repertoiresystem geradezu komfortabel. Auch wenn es kein gemachtes Nest für alle Zeiten ist. Aber das wäre ohnehin der Tod der Kunst.

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Quelle: https://www.sueddeutsche.de/kultur/kommentar-kuendigen-gehoert-zum-geschaeft-1.3019030

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Neues Team am Theater Regensburg

Ein „leider völlig normales Vorgehen“

Von Redaktion in ‘Nachrichten‘

Der künftige Intendant am Theater Regensburg hat sein Leitungsteam vorgestellt. Außerdem äußert sich Sebastian Ritschel zur Kritik an den zahlreichen Nichtverlängerungen.

Foto: Pawel Sosnowski

Vergangenen November hat der Verwaltungsrat des Theaters Regensburg Sebastian Ritschel als neuen Intendanten bestellt. Nun hat er sein neues Team vorgestellt.

 

Von Michael Bothner und Stefan Aigner

„Der Übergang von insgesamt drei Intendanzen und einer Pandemie hat viele Abläufe des Kennenlernens und Miteinanders in den vergangenen Monaten nicht einfach gemacht.“ Es ist nur ein Satz, mit dem Sebastian Ritschel in einem Schreiben an die Beschäftigten des Theaters Regensburg auf die Debatte um die rund 40 Entlassungen („Nichtverlängerungen“) eingeht, in deren Verlauf der künftige Intendant harsch kritisiert wurde. Das Vorgehen möge „juristisch in Ordnung sein, menschlich und politisch aber unter keinen Umständen“, hieß es im Oktober von der Brücke-Fraktion, die Oberbürgermeisterin Gertrud Maltz-Schwarzfischer aufforderte, „diesem Treiben des Intendanten umgehend einen Riegel vorzuschieben und sich gegenüber dem Personal des Theaters klar solidarisch zu positionieren“.

Auch ein Großteil des künstlerischen Personals meldete sich wenig später in einem offenen Brief zu Wort. Von „Bestürzung“ und „Ohnmacht“ war darin die Rede. Das grundsätzliche Recht, eines neuen Intendanten, die Verträge mit Schauspielerinnen und Schauspielern nicht zu verlängern, entspreche „zwar leider der gängigen Praxis im Theaterbetrieb in den letzten Jahrzehnten, aber was war, muss nicht richtig sein.“ Zudem könne man „mit Arbeitnehmenden reden und sie nicht nur als Verfügungsmasse betrachten”.

„Kunst lebt nunmal vom Austausch und der Veränderung“.

Ritschel spricht gegenüber unserer Redaktion von einem „leider völlig normalen Vorgehen“, das an jedem Haus in der Form stattfinde. „Ich wurde im Oktober 2020 nach Regensburg berufen mit einer bestimmten Programmausrichtung“, sagt er. Die bringe immer auch eine „neue personelle Aufstellung mit sich“.

Kunst lebe nunmal „vom Austausch und der Veränderung“. Immer das Gleiche zu machen, werde irgendwann langweilig. Auf seiner Seite hat er dabei die Theaterfreunde Regensburg. Deren Vorsitzende Uschi Michalke bedauerte die Nichtverlängerungen zwar sehr, sagte aber gegenüber unserer Redaktion auch: „Das ist die Theaterwelt. Der härteste Job der Welt.“ Und so müsse man die scheidenden Künstler schweren Herzens ziehen lassen und die neuen mit offenem Herzen empfangen.

Auf intensive Kommunikation will Ritschel zumindest nun setzen. „In den kommenden Wochen und Monaten werden wir weiterhin mit Ihnen in Verbindung treten (telefonisch, per Mail, per Video-Konferenz und – wenn es die Pandemie erlaubt – am besten sogar live vor Ort), um uns persönlich vorzustellen und nach und nach über die Pläne der kommenden Saison zu sprechen“, verspricht er in dem Schreiben an die Beschäftigten.
„Eine detaillierte Präsentation der künstlerischen Ausrichtung und des Spielplans wird wie gewohnt im Frühjahr 2022 geschehen.“
 

Lebenspartner im Leitungsteam – nichts Ungewöhnliches

Neben dem gebürtigen Düsseldorfer werden vor allem drei Köpfe in Ritschels Leitungsteam das Theater Regensburg künftig prägen. Neue Schauspieldirektorin wird Antje Thoms. Die 45-Jährige war zuletzt sieben Jahre lang Hausregisseurin am Deutschen Theater Göttingen.

Leiter der Tanzcompany sowie neuer Chefchoreograf wird Wagner Moreira. Der gebürtige Brasilianer war, ebenso wie Ritschel, bislang an den Landesbühnen Sachsen tätig
Neuer Chefdramaturg und Musiktheaterdramaturg wird Ronny Scholz. Der 40-Jährige arbeitet seit der Spielzeit 2016/17 als leitender Musiktheaterdramaturg am Theater Münster und fungiert dort aktuell zusätzlich als Operndirektor.

Diese Personalie Scholz hatte zuletzt für allerlei Geraune gesorgt. Ritschel und Scholz arbeiten nicht nur seit 20 Jahren zusammen, sondern sind auch verpartnert. Ritschel auf dieser Ebene anzugreifen bezeichnet ein Insider gegenüber unserer Redaktion aber als „unter der Gürtellinie“. Auch in Tübingen hat zum Beispiel 2018 ein Ehepaar, Peer und Dieter Ripberger, das Zimmertheater gemeinsam übernommen. „Das ist nichts Ungewöhnliches, auch wenn es angesichts der zunehmenden Debatte über die Machtverteilung an Theatern nicht mehr ganz zeitgemäß sein mag, seinen Partner in leitender Funktion unterzubringen.“
 

Mehr Inklusion

Ritschel spricht gegenüber unserer Redaktion von einem „Theaterverständnis, das dem bisher gängigen in Regensburg in vielen Punkten entspricht“, welches ihn und sein neues Leitungsteam verbinde. Allerdings wolle man auch eigene Akzente setzen. Der Ausbau und die Intensivierung partizipativer und inklusiver Formate seien dabei ein Thema. Sprachliche Barrieren dürften beim Zugang zum Theater ebenso wenig eine Schranke darstellen wie gesundheitliche Beeinträchtigungen.

Ritschel bringt hier etwa Gebärdendolmetscher neben der Bühne ins Spiel. Mit solchen Vorschlägen würde der neue Intendant das Theater Regensburg zumindest auf einen halbwegs modernen Stand bringen – an Theatern wie Nürnberg oder Augsburg sind Gebärdendolmetscher bereits seit längerem Standard, ebenso eine Induktionsschleife für Hörgeräte.

Doch auch auf der Bühne will das neue Team mit einem inklusiveren Ansatz punkten. „Wir wollen in den Inszenierungen mehr Beeinträchtigte einbinden.“ Der künftige Chefchoreograf Moreira hat hier bereits Erfahrung und aktuell ein Stück mit Personen mit Down-Syndrom erarbeitet.

Neue Besuchergruppen

Generell will Ritschel neue Besuchergruppen für das Theater erschließen. „Womöglich mal einen Abend auf Arabisch“, wirft er in den Raum. Das Theater auf die Straßen zu bringen oder in die Tiefgarage. Ein Ansatz, den die neue Schauspieldirektorin Antje Thoms im vergangenen Jahr während des Lockdowns erprobt hat. Den Bismarckplatz verstärkt nutzen, um aus dem Theater „mehr als nur einen Musentempel“ zu machen.

Thoms wie das gesamte neue Team sei in der künstlerischen Arbeit „sehr innovativ, was das Thema Teilhabe angeht“, so Ritschel. Genau deshalb habe er sich diese Köpfe an seine Seite geholt. Dabei wolle er keineswegs alles über den Haufen werfen, betont der 41-Jährige. Andererseits wolle er aber schauen, was fehle und gegebenenfalls ausgebaut werden könne. Insbesondere das Junge Theater hat Ritschel dabei im Auge: kleine Musiktheater, Konzerte, einen Tanzabend oder Puppentheater.

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Kommentar

Inklusion, Teilhabe, raus in die Bezirke, Kindertheater. Bei allem Enthusiasmus, der aus Ritschels Worten spricht, wirkt dieses Konzept bislang nicht sonderlich innovativ, eher zurückhaltend, altbacken und wenig mutig. Das gab es an anderen Häuser schon vor über zehn Jahren. Tatsächlich beurteilen können wird man dies aber erst, wenn es an die konkrete Umsetzung geht. Abzuwarten bleibt auch, inwiefern er angesichts der Entfristungen, die in der Sache zwar ein üblicher Vorgang, in der Dimension aber doch außergewöhnlich waren, wieder Vertrauen zum Ensemble aufbauen kann. Doch dieses Problem gibt es angesichts der Tarif- und Beschäftigungssituation von Schauspielerinnen und Schauspielern an nahezu allen Häusern – das ist weder eine Lex Regensburg noch eine Lex Ritschel.

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Kommentare (8)

    musis faventibus

    24. November 2021 um 14:59 | #

    Bemerkenswert ist auch, dass zwar die Vorstellung der Leitung des jungen Theaters zu einem späteren Zeitpunkt angekündigt wird, andererseits aber die musikalische Leitung des Theaters, der/die GMD des Philharmonischen Orchesters, mit keinem Wort erwähnt wird.

    Wird der zum Ende dieser Spielzeit auslaufende Vertrag mit Chin Chao Lin verlängert?

    Oder wird es eine(n) Nachfolger(in) geben?

    Wie und wann soll eine Auswahl erfolgen? Oder gibt es bereits eine(n) Wunschkandidaten (-
    kandidatin)?

    Anscheinend werden das Orchester (die zahlenmäßig größte Künstlergruppe am Theater), der Chor und die Solistinnen und Solisten des Musiktheaters im Unklaren gelassen – sowohl was die Person angeht, als auch eine mögliche dramaturgische und programmatische Neuausrichtung, insbesondere der Konzerte, betreffend.

    Schließlich ist der Posten der/des GMD natürlich essentiell bei der Neuformung des Musiktheaterensembles – bei der Auswahl der zahlreichen neu zu engagierenden Sängerinnen und Sänger sollte die Expertise der/des musikalischen Leiterin/Leiters des Hauses eine gewichtige Rolle spielen.

    Man fragt sich, was das neue Leitungsteam mit dieser Art der ‘Nicht-Kommunikation’ kommunizieren möchte …

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    Herman Angst

    24. November 2021 um 15:33 | #

    “Der härteste Job der Welt.”? Again what learned.

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    Madame

    24. November 2021 um 18:33 | #

    Regensburg ist eine mittelgroße Stadt in Bayern. Aber das Theater hat schon viele gute Kräfte zu größeren Bühnen vermittelt. Bei der Stelle des Intendanten muss natürlich der Mensch passen. Das Publikum ist zum Teil noch sehr konservativ bis altmodisch. Neue Ideen sind schwer durchsetzbar. Obwohl ein frischer Wind nicht schadet. Dass der neue wieder seine eigenen Leute mitbringt, gehört wahrscheinlich zum Geschäft. Was passiert mit den langjährigen Mitarbeiterinnen? Wer abkömmlich ist, hat Glück woanders zu schauen.

    Der Chor und das Orchester vom Theater sind eigentlich gut.

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    Dugout

    24. November 2021 um 19:26 | #

    ” Und so müsse man die scheidenden Künstler schweren Herzens ziehen lassen ……..”

    Vielleicht mehr der scheinheiligste Job der Welt?

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    Hugo Hofmann

    24. November 2021 um 20:20 | #

    Theater auf Arabisch? Da wird die “Bude” aber voll sein! Haben schon einige Häuser probiert. Theater ist in der muslimischen Welt kein Thema, auch Migranten interessiert die westliche Theaterkultur nur sehr bedingt.

    Theater auf der Straße? Theater in der Tiefgarage? Klingt nach einem Ablenkungsmanöver, weil zu befürchten steht, dass die Zuschauerräume am Bismarckplatz und am Haidplatz nur unzureichend gefüllt sein werden.

    Teilhabe: Da wäre ein erster Ansatz, bei den teils horrenden Eintrittspreisen (in Regensburg weit über denen des Staatstheaters Nürnberg!) anzusetzen! Inklusive Theater-Produktionen sind teils schon völlig gescheitert, weil sie – gut gemeint ist das Gegenteil von gut gemacht – nichts anderes waren als das Ausstellen von Behinderten wie weiland die unsäglichen Freakshows der Jahrmärkte.

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    Andrea Mink

    24. November 2021 um 20:27 | #

    Ich muss Musis Faventibus einfach zustimmen, das, was jetzt geplant wird, ist in anderen Theatern schon lange selbstverständlich. Also, no rebel auf dem Posten.

    Schade, dass Frau Michalke als Theaterfreundin kein Mitgefühl für die hat, die gehen müssen. Aus den Augen, aus dem Sinn, knallhart diese Ansage von einer Nicht-Fachfrau.

    Natürlich ist das Vorgehen probat – leider, wie Ritschel selbst zugibt. Nur auf den Verein der Theaterfreunde zu bauen, finde ich etwas kurz gegriffen. Die Stadt ist doch relativ groß, da gibt es doch mehr Leute für einen modernen kreativen Support!

    Mich täte es freuen, wenn er die Arbeitsbedingungen gründlich unter die Lupe nehmen würde und das Thema Mobbing auf der Liste des Intendanten als Problem stehen würde. Viel Tabuisiertes schwelt in dem kommunalen Betrieb Theater Regensburg seit Jahren.

    Das System Regensburg hat nun mal mehr Dimensionen als viele wissen und das in vielen Gazetten bekannte, ist nur die Spitze des Eisbergs in dieser wunderschönen Weltstadt.

    Der Partner des Intendanten erhält auch einen Job. Big deal. Nun, ich hoffe, dass dies nicht zur größtmöglichen Dankbarkeit und Liebedienerei gegenüber der Stadtverwaltung verpflichtet.

    Frischer Wind fühlt sich gerade etwas anders an. Aber vielleicht bin ich zu beckmesserisch – das hoffe ich jedenfalls sehr.

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    Artregbg

    24. November 2021 um 20:52 | #

    Hat es eigentlich schon jemand ausgesprochen?

    Sebastian Ritschel ist ganz einfach die falsche Wahl

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    Lisa Neumann

    24. November 2021 um 21:24 | #

    Hat sich Herr R. bisher mit dem Theater und dessen Angeboten befasst???

    Nicht nur gab es bereits einen Abend auf Arabisch (dem natürlich weitere Folgen dürfen, nur hat er hier das Rad nicht neu erfunden), noch dazu hat das JT in der Vergangenheit bereits Musiktheater, Tanztheater und auch einen Gebärdendolmetscher (bereits vor Corona) angeboten.

    Mit Verlaub, es wirkt so, als hätte sich der designierte Intendant bisher nicht im Geringsten mit dem Theater Regensburg auseinandergesetzt, sondern einfach die Walze ausgepackt, um nun alles platt zu fahren…
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© MITTELBAYERISCHE

Regensburg Stadt | Regensburg | 10.11.2021 Seite 21

 

Theater-Streit: So geht es weiter

 

Kultur Knapp 40 Künstler gehen, der Aufschrei ist laut.
Vom Bühnenverein heißt es: „Theater ist mehr als soziale Absicherung.“  […]

Von Marianne Sperb

Regensburg – Am Theater Regensburg rumort es. Weil sich Sebastian Ritschel, ab 2022 neuer künstlerischer Leiter, von knapp 40 Künstlern trennt, hagelt es Kritik. Das Publikum wird ab September 2022 etliche Lieblinge vermissen. Zahlreiche renommierte und beliebte Künstler werden fehlen. Mitglieder des Ensembles, aber auch Politiker werfen dem künftigen Intendanten schlechten Stil vor. Sebastian Ritschel selbst will sich in einigen Tagen äußern: Mitte November präsentiert er nach Informationen der Mittelbayerischen sein Leitungsteam.

Inzwischen sickern immer mehr Namen von Künstlern durch, die nicht übernommen werden oder auch: nicht bleiben wollen. Kolportiert wird ein Wechsel an der Spitze von Jungem Theater, Tanz, Schauspiel und Musiktheater. Elena-Maria Hackbarth, die das Junge Theater seit 2015 erfolgreich führt, und Tanz-Chef Georg Reischl, der 2019 auf Yuki Mori folgte und aktuell für „Sand“ Beifall bekommt, sollen angeblich gehen.

Team wird im Frühjahr vorgestellt

Christina Schmidt, die sich nach dem Abschied von Jens Neundorff von Enzberg in ihre Aufgabe als Operndirektorin stürzte und mit „Le nozze di Figaro“ und „Werther“ zwei hochgelobte Produktionen verantwortet, räumt ihren Stuhl, bleibt aber am Haus, bestätigt sie. „Ich bin in einer Situation, die bei Dramaturg:innen so gut wie nie eintritt. Ich bin seit über einem Jahr in die Unkündbarkeit eingetreten.“ Und Klaus Kusenberg, Interimsintendant und Schauspiel-Chef, wird das Theater nach eigenen Angaben verlassen.

Das komplette Team wird erst im Frühjahr 2022 vorgestellt, informiert Theater-Sprecherin Silke Spitzenpfeil. „Aus Datenschutzgründen können wir leider keine Mitteilung darüber machen, welcher Vertrag ausläuft und welcher verlängert wird.“

Joachim Wolbergs fuhr im Oktober in einem Pressepapier der Brücke-Fraktion schweres Geschütz auf, andere Politiker zogen nach, das Ensemble meldete sich in einem Brandbrief zu Wort. Ritschel agiere in einer Art, die jeden Respekt vor den Künstlern vermissen lasse, schrieb Wolbergs. Er setze die Beziehung zwischen Publikum und Theater „grundlos aufs Spiel“ und: OB Gertrud Maltz-Schwarzfischer müsse „Ritschels Treiben umgehend einen Riegel vorschieben“.

Hintergrund: Der NV Bühne gestattet Intendanten bei ihrem Antritt, Künstlern den Stuhl vor die Tür zu stellen und ein Team nach eigenen Vorstellungen zu formen. Was sagt der Deutsche Bühnenverein, der als Bundesverband für die Träger der deutschen Theater und Orchester die Interessen seiner Mitglieder in politischer und arbeitsrechtlicher Hinsicht vertritt? Die Mittelbayerische fragte Marc Grandmontagne, den geschäftsführenden Direktor des Dachverbands.

„Bei Intendanten-Wechseln ist klar, dass es auch zu Nichtverlängerungen von Verträgen kommt. Das ist generell üblich. Diese Möglichkeit gehört zum Grundprinzip der Kunstfreiheit“, sagt Grandmontagne. Allerdings werde seit einiger Zeit auf Nichtverlängerungen mit erhöhter Sensibilität reagiert.

„In der Regel gibt es gute Gründe für das Verfahren“, so der Geschäftsführer. „Man möchte personellen Austausch und damit auch eine neue künstlerische Handschrift ermöglichen.“ Ein neuer Intendant tritt mit seinem Team an, sein Vorgänger zieht mit seinem Team weiter: Dieses Prinzip bedeute auch, dass es keine Stelle auf Lebenszeit geben soll. Bewegung und personeller Wechsel sollen möglich sein.

In sozialen Fragen werde aber zunehmend sensibler reagiert, beobachtet Grandmontagne. Die Ausgestaltung im NV Bühne stehe deshalb ganz oben bei Verhandlungen mit Gewerkschaften. „Wir verstehen: Es gibt den Wunsch nach Sicherheit, es gibt auch die Diskussion um Machtverhältnisse an Theatern“, sagt der Direktor. „Wir sind da sehr konstruktiv und sehr wachsam. Die Frage ist allerdings: Wenn Sie das Prinzip der Befristung ablehnen, was wäre die Alternative? Bisher liegt kein Vorschlag auf dem Tisch, auch nicht vonseiten der Gewerkschaft.“

Dr. Matthias Schloderer, Finanzchef des Theaters, meinte zur Kritik von Wolbergs, sie ziele weniger gegen Sebastian Ritschel als gegen das Vertragssystem NV Bühne. Klaus Kusenberg, noch bis Sommer 2022 Intendant, sieht das anders. „Auch von betroffenen Künstlern und Künstlerinnen hier gibt es wohl niemanden, der die Befristungen des NV Bühne ernsthaft in Frage stellt.
Aber: Man muss sich in gegenwärtigen Zeiten die Frage nach der Verhältnismäßigkeit stellen“, sagt Kusenberg. Es gehe um das Ausmaß der Nichtverlängerungen. „Es macht ja einen Unterschied, ob Sie mit 25 oder 26 ihr Köfferchen packen und in eine andere Stadt ziehen, oder ob Sie lange an einem Haus sind und Familie haben.“ Die Frage stelle sich erst recht nach zwei Jahren Pandemie, als Künstler kaum die Möglichkeit hatten, sich vorzustellen. In Regensburg, meint Kusenberg, „wurden Nichtverlängerungen in einer Zahl ausgesprochen, die darauf keine Rücksicht nimmt“.

„Mehr als soziale Absicherung“

Künstler streiten heute stärker für ihre Rechte. „Diese Fragen muss man eben neu ausverhandeln“, meint Marc Grandmontagne. Er mahnt aber: „Soziale Aspekte sind wichtig und richtig, aber Theater ist mehr als soziale Absicherung. Der NV Bühne ist auch ein Ermöglichungsinstrument.“ Ein System unbefristeter Verträge hätte nicht nur Auswirkungen auf den Arbeitsmarkt für Künstler und Folgen für die Berufschancen beim Berufseinstieg. So ein System würde eventuell auch zu einer Flucht in reine Gastverträge führen und stünde kulturpolitisch und ästhetisch für ein ganz anderes Theater. „Die Sache ist eben komplex; wenn man an der einen Stelle etwas verändert, knirscht es an anderer Stelle.“

Die Pandemie hat die Kulturbranche besonders getroffen. Generell seien Künstler aber durch ihren NV-Bühne-Vertrag im Vergleich zur freien Szene deutlich besser geschützt, sagt Grandmontagne. Er hält aber auch fest: „Die Pandemie hat uns gezeigt, wie fragil die Künste sind. Das sollten wir alle im Kopf haben, wenn wir nun wieder Theater und Oper machen.“

„Künstler streiten heute stärker für ihre Rechte.“
Marc Grandmontagne – Geschäftsführender Direktor des Deutschen Bühnenvereins

Er geht: Klaus Kusenberg, Intendant und Schauspiel-Direktor des Theaters Regensburg.

Sebastian Ritschel übernimmt 2022 als Intendant. Zahlreiche Verträge von Künstlern hat er nicht verlängert. Kritiker werfen ihm schlechten Stil vor.

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Kahlschlag in Regensburg

Es ist das alte, immer wieder gleiche Lied. Ein Intendantenwechsel steht an. Schauplatz ist aktuell das Theater Regensburg, dort wird ab der Spielzeit 2022/2023 Sebastian Ritschel alle Zügel in die Hand bekommen. Intendantenwechsel, das bedeutet wieder die altbekannte Angst „Wen wird es treffen?“

Und wieder die kleine Hoffnung „Vielleicht wird es DIESMAL anders sein“. Die Hoffnung sollte auch diesmal enttäuscht werden, getroffen hat es inzwischen gut zwei Drittel der Darsteller*innen (zuzüglich aller Spartenleitungen und der kompletten Dramaturgie außer einer unkündbaren Kollegin). Groß ist der Schock und leider fast genauso groß die Resignation:
Das System ist stärker als wir.

Die Versuchung, seine Macht direkt zu Beginn seiner Intendanz mit einer Entlastungswelle zu demonstrieren, ist offenbar zu verführerisch.
Es ist nicht der Erste, der so radikal vorgeht und er wird – vermutlich – nicht der Letzte sein.

Dass bei einem Intendantenwechsel keine künstlerischen Gründe für die Nichtverlängerung angegeben werden müssen, muss wieder einmal in Frage gestellt werden. Denn der neue Intendant macht durch seine Auswahl quasi nur die sehr allgemeine Ansage: „Mit meinem künstlerischen Vorhaben an diesem Theater bist du nicht kompatibel“.

Das Besondere an der aktuellen Situation in Regensburg ist, dass niemand bisher auch nur im Geringsten über dieses Vorhaben informiert war. Gespräche gab es abseits der „blauen Briefe“ und dem darauffolgenden Anhörungsgespräch keine. Über die Besetzung der neuen Spartenleitungen gibt es zwar ohrenbetäubenden Buschfunk, mehr oder weniger geheime Vorstellungsbesuche, jedoch bis heute keinerlei Stellungnahme, weder intern noch offiziell. Alle Mitarbeitenden des Hauses warten seit einem ganzen Jahr auf eine Ansage zur künstlerischen Zukunft des Hauses.

Durch Kontakt im Vorfeld wären beispielsweise Informationen über die weiteren Pläne der Künstler*innen möglich gewesen, die eine oder andere freie Position hätte sich so sicherlich von selbst ergeben. Aber diese Form der Antikommunikation ist irritierend, respektlos und absolut verwerflich. Von Künstler*innen werden wir zu austauschbaren Objekten degradiert, einer direkten Auseinandersetzung mit uns bedarf es scheinbar nicht. Bedeutungslos scheinen die Anstrengungen der letzten eineinhalb Jahre, in denen wir uns für die Berechtigung und den Erhalt der Kultur eingesetzt haben; und dass wir nach wie vor in einer Pandemiesituation sind, weit von einem Normalzustand entfernt, fällt inzwischen einfach unter den Tisch. Viel wichtiger ist die künstlerische Vision des designierten Intendanten, von der zwar niemand genau weiß, wie sie aussehen soll, die aber nicht umsetzbar scheint, ohne dass knapp 40 Künstler*innen das Haus verlassen müssen. Aber alles geschieht natürlich, wie gesagt, für die Sache der Kunst …. ‘Ironie aus‘.

Ja, wir sind Künstler*innen. Ja, wir brennen für unseren Beruf wie für nichts anderes. Und wir wissen auch, dass personelle Fluktuation zum Theater dazugehört. aber wir sind auch Menschen mit sozialen Umfeldern, die jetzt – wieder einmal – umgewälzt werden, Menschen mit Familien, Kindern Zukunftsängsten und finanzieller Ungewissheit. Der Mythos der weiterziehenden Künstler*innen, die ihr Köfferchen packen und ihr Glück in der nächsten Stadt versuchen, ist stark veraltet, er romantisiert einen existenzbedrohenden, im Kern recht simplen Vorgang: wir verlieren unsere Jobs. Unsere (künstlerische Heimat) wird uns entrissen.

Das Prinzip des Ein-Mann-Genies ist überholt. Dass ein Intendantenwechsel eine großflächige Entlassungsmaßnahme beansprucht, ist nicht mehr zeitgemäß.

Wir sind wütend, traurig und machtlos gegenüber einem System, das in seiner Brutalität vor nichts Halt macht.

Niemand zwingt einen designierten Intendanten dazu, so zu handeln. Das System drückt ihm zwar Pfeil und Bogen in die Hand, den Entschluss zu schießen, trifft er aber ganz alleine.

Dass die Nichtverlängerungen in den seltensten Fällen etwas mit mangelnder künstlerischer Qualifikation zu tun haben, ist allen bewusst und spielt dennoch einfach keine Rolle mehr.

Doch anders als bisher, sind wir nicht mehr ohnmächtig angesichts der Geschehnisse. Wir haben unsere Stärke im Kollektiv gefunden und uns ist bewusst, dass diese Vorfälle erneut die Diskussion über den Nichtverlängerungsgrund ‘Intendanzwechsel‘ anheizen sollen und müssen.

Auch die Diskussion darüber, ob man eine Kündigungswelle durch vernünftige Quoten begrenzen kann. Ja, und auch darüber, ob es nicht endlich möglich ist, Leitungsposten im Dialog mit den Mitarbeitenden zu besetzen. Die immer gleichen Diskussionen: Wie oft müssen sie dennoch geführt werden?
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Kommentar zu

’Der fliegende Holländer’ in Detmold, in Ulm und in Meiningen

Er hatte es nicht leicht, der ’Holländer’ als er am 2. Januar 1843 dem Publikum in dem 1817 als Königlich Sächsisches Hoftheater eröffneten Bühne in Dresden präsentiert wurde.

Wagners 'Rienzi' war gerade im Herbst 1842 zu einem sensationellen Erfolg für den aus Frankreich nach Dresden zurückgekehrten Richard Wagner geworden. Die sächsische Hofoper wollte auch den 'Holländer' für sich haben und ihn nicht Berlin überlassen – er kam nach Dresden – und fiel durch.

Nur vier Aufführungen gab es, dann verschwand das Werk zunächst einmal von der Bühne in Dresden.
Das Publikum war überfordert – hatte es sich beim 'Rienzi' der ganzen Opulenz einer quasi Meyerbeer-Oper mit realem Hintergrund der Story hingeben können, war nun alles reduziert auf ein paar Figuren, die nicht einmal 'greifbar' waren.

Heine hatte die Vorlage geliefert, die sturmumtoste Schiffsreise der Wagners aus Riga nach London tat das ihrige.

Es war eine der Schauergeschichten, die man sich damals so in der Gartenlaube erzählte – Richard Wagner machte daraus – im Stile der Zeit - eine romantische Oper.

War er beim 'Rienzi' noch dem Schema verhaftet, lyrischer Sopran plus Hosenrolle, so begann beim 'Holländer' das Weib der Zukunft zu wirken, die Frau, die zur Erlösung des Mannes auf die Welt gekommen war, die durch oder für die Leiden des Mannes starb und diese Aufgabe auch zu erfüllen hatte.
Der Senta, die hier den 'Holländer' zu erlösen hatte, folgten die 'Tannhäuser- Elisabeth, die Sieglinde, die Brünnhilde, die Isolde und die Kundry.

Die erste Senta sang die vom Meister so verehrte Wilhelmine Schröder-Devrient, die auch als Adriano im 'Rienzi' auf der Bühne stand, dem die Venus im 'Tannhäuser' folgte – zur Ortrud kam es nicht mehr, da der 'Lohengrin' in Dresden wegen der Beteiligung Richard Wagners an den revolutionären Aufständen von 1849 nicht mehr an der sächsischen Hofoper zur Uraufführung kam.

Produktionen vom 'Holländer' geraten in der heutigen Zeit mehr und mehr zu Persiflagen und reduzieren das Frühwerk zum Sandkastenspiel für Unreife zu Lasten der Steuerzahler - meist auch noch gefördert durch Zuspruch der RW-Vereine.

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Das ganze Unternehmen ’Der fliegende Holländer’ wurde auch 1843 schon in Dresden stiefmütterlich behandelt.

Dass bei vielen Produktionen ähnlich wie damals in Dresden gehandelt wurde, zeigen die nachfolgenden Bemerkungen zu immer derselben Inszenierung.

Kay Metzger, nunmehr Intendant in Ulm, zog über Land mit seiner Inszenierung des ’Holländer’, die er 2017 in Detmold herausbrachte.
Dann war die Produktion in Ulm, jetzt in Meiningen zu sehen.
Immer derselbe Schmarrn.
Senta verliebt sich in ein Filmplakat, das im Foyer eines Kinos aufgehängt ist.
Das Konterfei auf dem Aushang fasziniert sie.

Seeleute – verkleidet als Kellner – wuseln den ganzen Abend umeinander, putzen unablässig Gläser, der Steuermann ist der Wirt, der dem ewig besoffenen Daland immer wieder nachschenkt.

Die Damen des Chores haben für den 2. Akt ihr Handarbeitszeug mitgebracht, und da stricken und häkeln sie nun um die Wette und nach Richard Wagners Musik.

Bei der Wiedersehensfeier im 3. Akt nehmen die drei Protagonisten Senta, Daland und Holländer in der Mitte der Bühne auf einem flugs bereitgestellten Tisch mit Stühlen Platz und spielen mit lautem Getöse des Würfels ’Mensch ärgere dich nicht’.
Und das in Detmold, so auch in Ulm und natürlich auch jetzt in Meiningen.

Der neue Meininger Intendant, Herr von Enzberg, antwortete auf die Frage, warum er die Produktion in dieser Form nicht verhindert habe: Ihm seien die Hände gebunden, denn für diese Detmolder/Ulmer-Produktion sei der Vertrag bindend , den sein Vorgänger, Ansgar Haag, noch vor ihm abgeschlossen habe.
Jetzt sitzt das Staatstheater Meiningen da, mit diesem Detmolder / Ulmer ’Holländer’.

Natürlich ist es lobenswert, wenn Theater kooperieren und gemeinsam Produktionen herstellen und diese dann untereinander austauschen. Es genügt aber, Quatsch nur einmal zu zeigen und nicht auch noch damit über Land zu ziehen.

Zitat
Theater Detmold

Der fliegende Holländer

Romantische Oper in drei Aufzügen
Text und Musik von Richard Wagner

in deutscher Sprache (keine Übertitel)

Aufführungsdauer: ca. 2h 20' (keine Pause)

Premiere im Theater Detmold am 8. September 2017

Richtig harte Seemänner gibt's nur im Kino

Von Stefan Schmöe / Fotos von Landestheater/Schomburg

Im Kino 1 läuft "Fluch der Meere". Besonders erfolgreich scheint der Streifen nicht zu sein, jedenfalls ist außer der jungen Frau, die offenbar täglich hierhin kommt, anschließend im Foyer einen Kaffee trinkt und ein Papierschiffchen bastelt, selten jemand da. Einmal sieht man einen jungen Mann aus dem Kinosaal kommen, er heißt offenbar Erik. Dann kommt ein versoffener Typ mit Kapitänsmütze, ein gewisser Daland. Der Mann an der Bar erinnert an Humphrey Bogart (er wird später die Partie des Steuermanns singen). Es ist eines dieser Kinos, die den Charme der 1950er-Jahre bewahrt haben; die Kostüme (Ausstattung: Petra Mollérus) deuten ebenfalls vage diese Epoche an, ohne sich genau festzulegen. Man geht offenbar hierhin, um mit der Einsamkeit fertig zu werden. Das Kino als Traumort. Wie wäre es nur, wenn einer der verwegenen Leinwandhelden lebendig würde?

 Jeden Tag im selben Film: Senta
Foto von Landestheater/Schomburg

Woody Allen hat das in The Purple Rose of Cairo 1985 durchgespielt, und Kay Metzger hat das bei seiner beziehungsreichen Inszenierung sicher im Hinterkopf. Er erzählt quasi filmisch, blendet immer wieder ab (dann geht das Licht auf der Bühne aus und blaues Licht scheint in den Zuschauerraum) und "schneidet" auf diese Weise eine Folge von Szenen, die einen ganz anderen Rhythmus haben als Wagners Oper – zwar brechen sie nicht die gesungenen Passagen auf, definieren aber eine ganz eigene Zeitskala, weil zwischen zwei Szenen schon mal längere Zeiträume vergehen. Lebendig wird hier natürlich der Holländer (dafür zeigt das Filmplakat eine Leerstelle), der dann nicht am Strand, sondern an der Bar strandet. Noch so ein Einsamer auf der Suche nach ein bisschen Glück.

Dem Filmplakat entstiegen: Der Holländer - Foto von Landestheater/Schomburg

Vieles aus dem Libretto hat Metzger gestrichen. Kein Schiff, Seefahrerambiente, keine Spinnstube – Matrosen wie die Mädchen des Dorfes sind Kopien des Barmanns. Das Kinofoyer bleibt drei Akte lang der Rahmen. Ein sehr poetisches Bild hat Metzger für das Duett von Senta und Holländer gefunden, wenn er die beiden verloren im Raum miteinander tanzen lässt, ganz langsam.

Einen krassen Gegenpol setzt er in der Chorszene im dritten Akt, immerhin die vielleicht großartigste, dramatischste Chorszene der Operngeschichte: Da sieht man Daland, Senta und der Holländer (dem Senta zuvor ein ausgesprochen häuslich wirkendes Strickjäckchen übergestreift hat) am Tisch sitzen und eine Runde "Mensch ärgere Dich nicht" spielen, unbeeindruckt von der Musik, die die geisterhaften Barmänner da singen ("Steuermannn, lass die Wacht").

Metzger erzählt die Geschichte nicht neu, er erzählt sie im Grunde gar nicht. Der fliegende Holländer läuft als Tonspur und Kopfkino, und davor setzt die Regie eine andere Schicht, die kammerspielartig von Träumen und Illusionen, Realität und Einbildung berichtet und gleichzeitig mit ziemlich viel Ironie die romantische Oper von der Metaebene aus betrachtet.

Nicht zum ersten Mal wirft der Regisseur und Intendant einen Blick durch die deutsche Nachkriegsbrille auf Wagner – das hat er auch schon im Siegfried und zuletzt in den Meistersingern von Nürnberg getan, wo Evas Liebesglück sich zwischen allerlei modernen Haushaltsgeräten manifestierte.

Hier hat Senta die Vision vom Familienglück unter der Stehlampe – und in einer kurzen Schrecksekunde wird sichtbar, dass der Mann, der sich hinter der Zeitung versteckt, womöglich doch Erik ist und nicht der Holländer. Oder eben ein zum Erik domestizierter Holländer.

Daland und sein Steuermann - Foto von Landestheater/Schomburg

Metzger hält manche böse Pointe bereit. Senta träumt vor dem Plakat von "Fluch der Meere", der Holländer dagegen ganz ähnlich vor dem Plakat eines Films mit dem Titel "Ruf der Heimat" mit einem sehr deutschen Mädel.

Da ahnt man: Das kann nicht gut gehen, wenn sie zur Piratenbraut und er zum häuslichen Familienvater mutiert und man sich in vertauschten, gleichwohl unverändert weit voneinander entfernten Rollen begegnet. Am Ende muss man ein paar Minuten zittern, ob die Regie letztendlich nicht doch melodramatisch scheitert – aber sie geht überraschend gut auf. Metzger hat sich ein hübsches Ende ausgedacht, das durchaus berührt. Und auch, wenn er scheinbar nicht viel vom Holländer inszeniert, ist man doch ziemlich nahe dran an der Oper.

Mögen die Matrosen singen, so dramatisch sie wollen -
Senta spielt mit Daland und dem Holländer "Mensch ärgere Dich nicht".
Foto von Landestheater/Schomburg

Musikalisch macht das kleine Haus das Beste aus den begrenzten Mitteln. Der kleine Orchestergraben lässt nur eine deutlich reduzierte Orchesterbesetzung zu, und GMD Lutz Rademacher nimmt die Lautstärke mit Ausnahme der Chorszenen deutlich zurück und wahrt so die Klangbalance. Opern- und Extrachor (Einstudierung: Marbod Kaiser) singen wuchtig und präzise; dass Orchester und die an sich sehr sicheren Chöre einmal völlig auseinander laufen, ist halt Theaterwirklichkeit, so etwas passiert; schade allerdings, dass beim meist sehr ordentlich spielenden Orchester manche Piano-Einsätze "klappern".

Den Sängern kommt die reduzierte Lautstärke sehr entgegen, vor allem der Senta von Susanne Serfling, die weder eine allzu voluminöse Stimme noch die dramatische Attitüde hat, hier aber die Partie klangschön, durchaus mit der nötigen Attacke und genauer Phrasierung aussingen kann, ohne forcieren zu müssen. Derek Ballard, der zuletzt schon in den Detmolder Meistersingern den Sachs gesungen hatte, ist ein durch und durch solider Holländer mit Kraft und maßvoller Schwärze. Etwas uneinheitlich gerät der Daland von Christoph Stephinger, dessen Stimme, in manchen Phrasen souverän geführt, mitunter plötzlich an Klang verliert. Ewandro Stenzowski ist ein durchaus schön singender Erik; der weiche Ansatz der lyrisch geprägten Stimme gibt der Figur, die ja ohnehin oft die Last des obligaten Langweilers schleppen muss, allerdings auch musikalisch eben diese Ausrichtung – das stimmliche Potential ist da, darf aber noch geschärft werden (zudem neigt der Sänger dazu, die Tempi zu verschleppen). Stephen Chambers singt einen glasklaren, präsenten Steuermann, Lotte Kortenhaus eine prachtvolle, sehr präsente Mary.

FAZIT

Kay Metzgers spannende, oft ironisch gebrochene und bei allen Irritationen schlüssige Interpretation ist ein früher Höhepunkt der gerade anlaufenden Spielzeit. Musikalisch sehr ordentlich.
Zitatende
Quelle: http://www.omm.de/veranstaltungen/musiktheater20172018/DT-der-fliegende-hollaender.html

Zitat
Wagner-Oper in Ulm: Ein Holländer aus Hollywood

Eine Schnulze wird im Theater Ulm zum Horrorstreifen: Intendant Kay Metzger verlegt Wagners Seefahrer-Oper in ein Kinofoyer. Der Gruselfaktor geht dadurch zwar nicht über Bord, ein bisschen Dramatik allerdings schon.

Ein Held, direkt aus dem Plakat für „Fluch der Meere“: Der fliegende Holländer (Dae-Hee Shin) mit Senta (Susanne Serfling).
Foto: Kerstin Schomburg

Über den schädlichen Einfluss von Film und Fernsehen auf die Jugend ist schon viel geschrieben worden. So lässt sich etwa nachlesen, dass bei jungen Inuits in Kanada Liebesbeziehungen schockierend oft im Selbstmord enden – weil die Realität im einsamen Norden nicht mit der Romantik auf der Leinwand mithalten kann. Ob es an der oft nicht minder einsamen norwegischen Küste ähnliche Probleme gibt, ist nicht bekannt, Kay Metzgers Inszenierung von Richard Wagners „Der fliegende Holländer“ am Theater Ulm gibt jedoch Anlass zur Besorgnis: Die eben dort angesiedelte romantische Oper ist bei ihm vor allem die Geschichte eines Teenagers, der sich in die Liebe zu einer Kinofigur hineinsteigert. Ein durchaus origineller Zugriff, der dem Zuschauer allerdings viel Fantasie abverlangt.

Das fängt schon mit der Bühne an, die ganz ohne mächtige Schiffsrümpfe, Wasser und zerfetzte Takelage auskommt. Intendant Metzger und seine Ausstatterin Petra Mollérus, die diese Produktion schon 2017 für das Landestheater im westfälischen Detmold erarbeitet haben, verlegen die gesamte Handlung ins Trockene, in das Foyer eines Kinos aus der großen Zeit Hollywoods. Alles braun und beige, rechts eine gut bestückte Bar, links eine bequem gepolsterte Bank. Auf dieser sitzt schon bei der Ouvertüre Senta (Susanne Serfling), trinkt Kaffee, faltet Papierschiffchen und wartet immer wieder auf die nächste Vorstellung von „Fluch der Meere“. Auf dem Filmplakat, ihr Held: der fliegende Holländer, der arme Seefahrer, der durch einen Fluch dazu gezwungen ist, auf alle Zeiten über die Weltmeere zu schippern – wenn ihn nicht eine treue Frau erlöst. Und genau diese Erlöserin will Senta sein. Theoretisch also gut, dass ihr gieriger und versoffener Seemannsvater Daland (Erik Rousi) beim Rum-Trinken in der Kinobar ihre Hand eben diesem, dem Plakat entsprungenen Holländer (Dae-Hee Shin) versprochen hat. Er weiß da noch nichts vom grausamen Fluch und von der untoten Besatzung. Senta befindet sich quasi im falschen Film: Die Liebesschnulze entpuppt sich als Horrorthriller.

Das gesamte Ensemble agiert auf hohem Niveau

Musikalisch geht dieser Abend im fast ausverkauften Großen Haus auf, wobei das von Generalmusikdirektor Timo Handschuh dirigierte Philharmonische Orchester weniger aufbrausend agiert, als man es erwarten würde, sondern – ein bisschen Hollywood-like – eher eine edle Instrumentalspur für die Solisten produziert.
Diese machen etwas daraus: Gastsopran Susanne Serfling, schon in Detmold in derselben Partie zu hören, singt die Senta makellos mit klug dosierter Dramatik und gefällt auch schauspielerisch als schwärmerischer Teenie mit etwas irrem Blick. Und Dae-Hee Shin interpretiert seinen Holländer mit so viel Schmerz und Todessehnsucht, dass es einem warm und kalt gleichzeitig wird. Auch der Rest des Ensembles agiert auf hohem Niveau – ebenso Opern- und Extrachor. Die Männer hat man vielleicht noch nie so kraftvoll gehört.
Die zwischen Traum und Bühnenrealität wechselnde Inszenierung aber bremst diese Energie (auch durch die unnötige Pause) ein wenig aus, trotz amüsanter Gruseleinfälle wie den des grinsenden Barkeeper-Doppelgänger-Chores, der aus einer Stephen-King-Verfilmung stammen könnte. So erfreulich es ist, wenn das Wagnersche Pathos auf Zimmergröße geschrumpft wird: Der beste Platz im Kino ist eben nicht das Foyer. Als Zuschauer beschleicht einen das Gefühl, dass die packenderen Geschichten hinten im Kinosaal erzählt werden. Doch die Wand will einfach nicht verschwinden.

Am Schluss: großer Applaus und einige Bravo-Rufe für Orchester und Solisten, verhaltener Beifall und vereinzelte Buhs für die Regie.

Zitatende
Quelle: https://www.augsburger-allgemeine.de/kultur/Ulm-Wagner-Oper-in-Ulm-Ein-Hollaender-aus-Hollywood-id53856421.html

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Opern-Kritik: Meininger Staatstheater – Der fliegende Holländer

Senta im Kino-Fieber

(Meiningen, 16.10.2021) Es braucht gar kein Meeresrauschen, um Wagners psychische Bruchstellen zu verdeutlichen: GMD Philippe Bach und Regisseur Kay Metzger setzen die große Wagner-Tradition am einzigen Staatstheater Thüringens eindrucksvoll fort.

Von Roland H. Dippel, 18. Oktober 2021

Schöne Geste: Im explosiven Beifall des endlich wieder voll besetzbaren Zuschauerraums sprach Ansgar Haag, der im Sommer 2021 seine langjährig erfolgreiche Intendanz beendete, die Premierenworte. Denn sein Nachfolger Jens Neundorff von Enzberg war bei der gleichzeitig stattgefundenen Koproduktionspremiere von Johann Christian Bachs Premiere „La clemenza di Scipione“ in Eisenach. Ein riesiger Erfolg für das einzige Staatstheater Thüringens mit seiner seit dem legendären „Ring“ von Kirill Petrenko und Christine Mielitz international beobachteten Wagner-Linie.

Endlich wieder ein gefüllter Graben und Chormassen auf der Bühne! Die souveräne musikalische Leitung der Meininger Hofkapelle unter GMD Philippe Bach, der das Haus 2022 nach 11 Spielzeiten verlassen wird, war diesmal fürwahr besonders.

Während Opernhäuser sich immer häufiger für die blechgepanzerte Urfassung von Richard Wagners 1843 in Dresden uraufgeführter romantischer Oper entscheiden, spielte man in Meiningen die Ouvertüre mit dem sogenannten Erlösungsschluss und nahm vieles aus dem von Wagner für die Münchner Aufführung 1860 gelichteten Orchestersatz.

Echte Liebe?

Kay Metzgers Inszenierung hätte bereits vor 17 Monaten Premiere feiern sollen. Von Haag wurde sie aus dem Theater Ulm nach Meiningen geholt. Metzger ging es um das ganz große Kino, welches in Sentas schwärmerischem Kopf zu noch größeren Sturmes- und Liebeswellen anschwillt. Wagners letzte milde Takte bestätigen das, selbst wenn es in Meiningen keinen Liebestod mit Umarmung über den Wolken gibt:

Da geht die inzwischen stark gealterte Frau noch immer vom eindrucksvollen Kino-Café mit einem intensiven Blick auf das Leuchtplakat mit dem verführerischen Meer-Abenteurer in den Lichtspielsaal.

Davor trinkt sie immer eine einfache Tasse Kaffee und faltet Origami-Tauben. Angetan hat es ihr der Held aus „Fluch der Meere“ – auch als Mann.

Hier werden von der Schiffsbesatzung keine Unterdecks geleert, sondern multiples Gastro-Personal poliert Gläser. Beim Bundes-Chortreffen wäre Manuel Bethes Chorensemble preisverdächtig. Mary und Steuermann sind unter ihnen: Rafael Helbig-Kostka und Tamta Tarielashvili geben diese beiden Nebenpartien charakterstark und sängerisch hochklassig. Aber die im Kino ein bisschen Lebensintensität suchende Senta behandeln sie ziemlich gleichgültig. So wie Senta aussieht – Bluse, Rock, Jäckchen, kaum Schmuck – ist bei ihr zu Hause nicht viel los. Und deshalb visioniert Senta sich in stumpfe Partnerschaftsprobleme hinein, die andere lieber nicht haben möchten. Die Pause ist – äußerst ungewöhnlich – in der Mitte des zweiten Akts genau da, wenn es Wagner nach Sentas Auseinandersetzung mit dem sie liebenden Erik aus dem Orchester besonders sehnsuchtssüchtig singen lässt.

Auch Abenteurer sind langweilig

Anders als Woody Allen in „The Purple Rose of Cairo“ belässt Petra Mollérus im zweiten Teil alles in Farbe, allenfalls die Charaktere werden immer blasser. Der Meininger Maske ist an Shin Taniguchi in der Titelpartie ein Meisterstück gelungen. Äußerst attraktiv und verführerisch ist sein Blick. Und sein Kostüm mit Ledermantel und Coltgürtel bedient alle Fluch-der Karibik-Wachträume. Aber zugleich bleibt das Gesicht welk und matt. Ein schwebender Walzer im sogenannten Liebesduett des erlösungssüchtigen Wanderers über die Weltmeere mit der ihm ihre Treue schenkenden Senta mündet in eine Mensch-ärgere-dich-nicht-Partie mit dem Papa Daland.

Deutlich wird: Diese Mega-Gefühle – des Holländers Erlösungswunsch und Sentas Todesbereitschaft – sind von außerirdischer Überspanntheit. Senta, die Kinogängerin, lebt ihre Emotionen aus in dem, was von der Leinwand auf sie herabprasselt. Und nach dem angedeuteten Schuss, den sie in einer bewegten Umarmung auf ihre und des Holländers Schläfen richtet, folgt keine Erlösung im Liebesnirwana Wagners, sondern nur ein weiterer Kino-Besuch mit stiller Hoffnung auf frische Gefühlsexplosionen. Da bleibt es gleichgültig, ob der blasse Erik ein Gedankenspiegel von Sentas tristen Zuständen daheim ist oder er in Cordhose und Beamtenweste zum Figurenarsenal von Sentas Lieblingsfilm „Fluch der Meere“ gehört. Metzger nimmt in seiner bestens unterhaltenden Inszenierung das See- und Seelendrama ernst, gerade weil er Wagners schon pathologische Manie auf ihre strukturellen Bestandteile herunterschraubt. Wahre Liebe gibt’s in Meiningen nicht einmal im Kino.

Musikalisches Glück mit selten gewordener Genauigkeit des Singens

Deshalb macht auch die musikalische Lichtung Sinn, indem sie den Partitur-Treibstoff ressourcenschonend behandelt. Unter den Kantilenen modelliert Philippe Bach filigrane Rhythmen, die Bläserorkane brillieren mit Opulenz. Diese Klarheit beherzigt auch die gesamte Besetzung. Das musikalische Glück des Abends kommt aus einer in dieser Form seltenen Genauigkeit des Singens, nicht als Kraftdemonstration. Shin Taniguchi und Lena Kutzner agieren reflektiert, bestens aufeinander bezogen und halten bis zum Schluss daran fest, Wagners detaillierte Interpretationsangaben nicht sinnlosen Lautstärken zu opfern.

Sentas Ballade ist auch kein oppositionelles Drama gegen den als ihre 20 strickenden Doubles auftretenden Damenchor, sondern ein Hinterfragen von anrührender Sensibilität. Taniguchi ist ein wortorientierter, alle Töne intensiv gestaltender Holländer und der Grübler mit Kleinbürger-Visionen hinter dem pittoresken Outfit. Dazu passt, dass auch Tomasz Wija als wendiger Kapitän Daland mit Säufernase aus der Polterpartie ein Kabinettstück macht. Eng und verklemmt gibt Michael Siemon Sentas Verhinderer Erik und wirkt so blass, dass sich das auf die Stimme zu übertragen scheint. Am Ende weiß man demzufolge nicht, was schlimmer ist: Wagners krude Erlösungsphantasie oder lebenslanges Erlebnismanko. Insgesamt gelingt dem Staatstheater Meiningen ein beeindruckender „Holländer“ ohne Meeresrauschen, der Wagners psychische Bruchstellen bemerkenswert verdeutlicht.

Quelle: https://www.concerti.de/oper/meininger-staatstheater-der-fliegende-hollaender-16-10-2021/

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"Der fliegende Holländer" in Meiningen:

"Mensch ärgere dich nicht" am Abgrund

Kay Metzger verlegt die Wagner-Oper in ein Kino-Foyer und deutet sie als Balanceakt zwischen Mief und Magie. Musikalisch überzeugen die Sänger, vor allem Shin Taniguchi in der Titelrolle.

Von Mathias Wiedemann

Wenn man bei Richard Wagner die Sänger weglässt, bleibt Filmmusik übrig. Behaupten zumindest Wagner-Skeptiker. Natürlich ist es umgekehrt: Generationen von Filmkomponisten haben sich bei Wagner bedient – bei seiner Kunst, Menschen musikalisch zu charakterisieren, Emotionen hörbar zu machen, Spannung, Licht, Farbe.
Der Regisseur Kay Metzger, Intendant am Theater Ulm, ist kein Wagner-Skeptiker. Im Gegenteil: Er hat alle zehn Bayreuth-würdigen Bühnenwerke von "Holländer" bis "Parsifal" inszeniert.
 

Insofern darf man das Konzept seiner Neuinszenierung des "Fliegenden Holländers" für das Staatstheater Meiningen getrost als listigen Kreisschluss interpretieren: Metzger siedelt die Oper in einer leicht miefigen Kino-Foyer-Bar an (Bühne und Kostüme: Petra Mollérus), der Holländer, Star des Films "Fluch der Meere", tritt vom Plakat herab und trifft auf Senta, seinen glühendsten Fan. Das funktioniert erstaunlich gut, vor allem liefert es eine plausible Motivation für Sentas bedingungslose Hingabe an diesen ihr unbekannten Mann – was längst nicht jeder "Holländer"-Inszenierung gelingt.

Gefaltete Papierschiffchen sind die einzigen Schiffe in dieser Inszenierung

Gleichzeitig eröffnet das Kino-Setting Metzger unendliche Möglichkeiten der Effekte, Verfremdungen, Brechungen, sobald die Leinwand-Welt in die Bühnen-Welt schwappt. Da wird Senta mit unzähligen Kopien ihrer selbst konfrontiert (die Spinnmädchen), da vervielfältigt sich der Barmann zur Gläser polierenden Spötterkolonne (der Matrosenchor).

Wie immer verwebt Kay Metzger virtuos Detail und Struktur. Wenn der Holländer singt, "dann werde ich in Nichts vergehen", lässt er Asche aus dem Kino-Aschenbecher zu Boden rieseln. Wenn Senta, die sich den Film immer und immer wieder anschaut, in der Bar sitzt, faltet sie Papierschiffchen – die einzigen Schiffe in diesem "Holländer".

Wie sähe Sentas Leben ohne Holländer aus?

Und wie so oft stellt Metzger die Frage nach der Alternative zu Rausch, Hingabe, Selbstaufopferung. Wie sähe Sentas Leben ohne Holländer aus? Spießige Abende mit Erik im Knöpfpullunder unter quastenbeschirmter Stehlampe? Als Holländer, Daland und Senta plötzlich friedlich "Mensch ärgere dich nicht" spielen und man sich fragt, wie der Regisseur das hier zu Ende bringen will, wird es der Barmänner-Gang und dem düpierten Erik zu viel – die Lage eskaliert. Senta wird dem Holländer dennoch treu sein bis in den Tod – in dieser Inszenierung aber eben auf ganz andere Art.

Musikalisch besteht dieser "Holländer" aus Licht und Schatten. Während auf der Bühne alle mindestens überzeugen, ist davor, also im Graben, Luft nach oben. Technische Unschärfen werden sich bestimmt in späteren Vorstellungen geben. Schwerer wiegt, dass Generalmusikdirektor Philippe Bach nicht so recht an die Magie der Partitur zu glauben scheint. Er lässt klassizistisch musizieren, äußerer und innerer Aufruhr sind lediglich dargestellt, nicht ausgelebt. Denkt man an die Urgewalten, die Oksana Lyniv diesen Sommer in Bayreuth entfesselte, bleibt dieser "Holländer" hinter seinen Möglichkeiten zurück.

Shin Taniguchi ist ein wunderbar herrischer Holländer, sein Bariton mächtig und glasklar. Lena Kutzners Senta bildet den warmen, verbindlichen Gegenpol, hochdifferenziert setzt sie ihren ausgesprochen flexiblen Sopran ein. Tomasz Wijas Daland ist angemessen korrupt, Rafael Helbig-Kostkas Steuermann unterhaltsam wuselig. Und Michael Siemon gibt mit unheldischem, dennoch durchsetzungfähigem Tenor einen egozentrischen Erik am Rande des Nervenzusammenbruchs.

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Quelle: Mainpost - 18.10.2021 - aktualisiert: 18.10.2021 16:29 Uhr
 

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Oper

Otello

Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen! Nur vor mir selbst kann ich nicht fliehen!

Giuseppe Verdi (1813–1901)
Dramma lirico nach William Shakespeare

Programmheft

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Inhalt

Ein Mann, beruflich in angesehener gesellschaftlicher Position, privat beneideter Gatte einer schönen Frau, in der Abwärtsspirale. Im Irrglauben der Verteidigung zerstört er Schritt für Schritt sein persönliches Leben, seine berufliche Stellung und seine große Liebe. Am Ende wird Otello zum eifersüchtigen Mörder an seiner unschuldigen Ehefrau. Warum?

Der Krieg hinterlässt nicht nur tote Feinde, er traumatisiert auch den Sieger. Otellos Kriegserlebnisse lassen ihn nicht los. Das Vertrauen in andere Menschen, Voraussetzung für ein ziviles Zusammenleben, kehrt nicht zurück. Die Liebe seiner Frau Desdemona kann nicht verhindern, dass Otellos Soldatenperspektive auch in der Ehe zum persönlichen Selbstverteidigungswahn wird. Was ihm im Beruf Orden und Würdigung einbringt, macht ihn im zivilen Leben zum Mörder seiner Frau.

Otellos Tragik ist, Täter und Opfer gleichermaßen zu sein. Die Gesellschaft, deren Wohlstand er als Soldat sicherte, sieht teils gleichgültig, teils verurteilend seinem zerstörerischen Verhalten im Privaten zu – sie lässt den Menschen Otello zugrunde gehen. Giuseppe Verdis Oper formuliert den Vorwurf der Doppelmoral schonungslos.

Heftig tobt die Seeschlacht im Orchester, und glorios wird der Sieger in Heldenpose vom Chor begrüßt. Doch musikalisch beeindruckend sind vor allem die verzweifelten Szenen des um Trost und Liebe bittenden Privatmenschen. Die Musik der Liebesszene des Paares und Desdemonas letztes Gebet sind von atemberaubender Zartheit. Ein Musikdrama von ungeheuerlicher Ausdruckskraft, vom eröffnenden musikalischen Blitzschlag bis zum finalen Todeskuss.
William Shakespeare zog die Brisanz seines Othello, the Moor of Venice besonders aus der schwarzen Hautfarbe der Titelfigur. Doch sowohl das Drama wie auch Verdis Oper zielen auf Konflikte zwischen Individuum und Gesellschaft, die sich nicht auf die Metaphorik äußerer Erscheinungsbilder beschränken lassen. So wird die Inszenierung von Regisseur Immo Karaman Klischees der Aufführungsgeschichte ausklammern, um menschliche Tragik klarer und universeller zu zeigen.

Der deutsch-brasilianische Tenor Martin Muehle gibt sein Debüt in einer der stimmlich und darstellerisch gleichermaßen reichsten wie schwersten Rollen. Nach der Corona- Nach der Corona-Verschiebung freut sich Generalmusikdirektor Stephan Zilias mit den Chören und dem Staatsorchester auf endlich auch besetzungsmäßig wieder richtig große Oper in Hannover.

Musikalische Leitung Stephan Zilias

Inszenierung Immo Karaman

Bühne Etienne Pluss

Kostüme Gesine Völlm

Movement Director Fabian Posca

Licht Susanne Reinhardt

Video Philipp Contag-Lada

Chor Lorenzo Da Rio

Dramaturgie Regine Palmai

Xchange Nele Tippelmann

Otello Martin Muehle

Jago Pavel Yankovsky / Daniel Miroslaw

Cassio Marco Lee / Sunnyboy Dladla

Roderigo Peter O'Reilly / Pawel Brozek

Lodovico Markus Suihkonen / Pavel Chervinsky

Montano Yannick Spanier / Richard Walshe

Desdemona Barno Ismatullaeva / Kiandra Howarth

Emilia Ruzana Grigorian / Nina van Essen

Herold Gagik Vardanyan / Darwin Prakash
Chor der Staatsoper Hannover,

Statisterie der Staatsoper Hannover,

Niedersächsisches Staatsorchester Hannover
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Quelle: https://staatstheater-hannover.de/de_DE/programm-staatsoper/otello.1300489

 

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Das Leiden der anderen

Manche haben angesichts solcher Vorgänge Fragen:

● Folgt das Spiel jetzt anderen Regeln?
● Dürfen im Theater nur noch Schwarze Schwarze spielen?
● Und wie soll es dann weitergehen?
● Soll auch jeder Homosexuelle auf der Bühne durch einen Homosexuellen darge-
   stellt [Unbekannt5] werden?
● Wird Identität der Darsteller bald wichtiger als die Virtuosität ihres Spiels?
● Reicht es nicht mehr, auf der Bühne so zu tun, als ob man jemand sei?
● Müssen die Darsteller jetzt auch wirklich so sein?
● Sollen das Dargestellte und der oder die Darstellende jetzt deckungsgleich werden?
● Wäre das womöglich das Ende der darstellenden Kunst?
Zitatende
Quelle: Ronald Meyer-Arlt – Hannoversche Allgemeine Zeitung – 18. November 2021 – Seite 23

LODOVICO
(tenendo una pergamena avvoltata in mano)
con suo
Il Doge ed il Senato salutano
l’eroe trionfatore di Cipro.
Io reco nelle vostre mani
il messaggio dogale.

 

LODOVICO
(mit einer versiegelten Pergamentrolle in der Hand) mit seinem
Der Doge und der Rat der Zehn
grüßen den siegreichen Helden von Zypern.
Ich gebe in Eure Hand
die Botschaft des Dogen.

 

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Ist Jago das Böse?

Wer oder was ist Jago? Interessant ist das starke Gefühl, welches man schon mit Wissen gleichsetzen kann, dass Jago, selbst wenn er befördert worden wäre, wieder unzufrieden geworden wäre. Er hätte sich ein neues Ziel seiner Wünsche gesucht und bei Nichterfüllung dieses Wunsches genauso gekränkt und bösartig reagiert, wie es von Verdi (und Shakespeare) dargestellt wird. Selbst wenn alle Wünsche Jagos sich erfüllen würden und er am Ende der Herrscher der Welt wäre, würde er in einem finalen endzeitlichen Feuerwerk die ganze Welt aus Bosheit und Wut zerstören.

Jago erscheint damit nicht als Mensch. Viele Autoren (z.B. Bachmann), ja sogar Boito selbst haben zwar sein Mensch-Sein immer wieder betont, seine Darstellung in der Oper Verdis ist aber eher die eines Prinzips. Ähnlich wie Desdemona nicht als Mensch dargestellt wird, sondern als Prinzip des Guten, der Barmherzigkeit, der Liebe und Duldsamkeit. Jago ist das Prinzip des Bösen, des Zerstörerischen, des Immer-mehr-Wollens. Damit deutet die Figur des Jago in die Richtung Mephistos. Seine Taten wirken unmenschlich, denn kein normaler Mensch vermag so viel Böses in solchen Intrigen zu spinnen, nur weil er nicht befördert wurde. Er handelt „nicht schurkisch, sondern bestialisch, wenn das nicht ein zu gelinder Ausdruck wäre.“

Jago  w i l l  böse sein und weiß, dass er böse ist. Er steht damit im Kontrast zu vielen anderen tragischen Helden Shakespeares und anderer Bühnenautoren. Weder Shakespeares Macbeth noch Hamlet wollen böse sein. Die Situation, in denen sich beide befinden, führt aber zu Tragik und damit zum Bösen durch die Umstände und durch falsches, nicht angemessenes Handeln bzw. Nicht-Handeln der Helden. Als weiteres Beispiel kann der griechische Sagenheld Ödipus dienen, auch er will nicht böse handeln, kann aber im Rahmen seiner Möglichkeiten nicht anders und wird damit schuldlos schuldig. Selbst bei dem Antihelden Richard III. unterlässt es Shakespeare nicht, die Gründe für dessen Bösartigkeit in einem Monolog zu benennen. Jago aber ist anders. Ist er damit das Böse?
Zitatende - Quelle: https://www.grin.com/document/457723

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Liebe Marie-Louise -
danke für den Vorab-Otello. Das klingt ja gruselig, was Du da schreibst. Da
hätte ich keine Lust reinzugehen. Unser Otello in München hat mich
allerdings auch nicht begeistert. Ich musste sogar lächeln, als unser Otello
zum Schluss ein Messer in der Hand hielt und singt in Italienisch natürlich,
aber Deutsch heißt es "Jeder Knabe kann das Schwert mir entreißen".
Das stört aber niemand.

Zu Deinem Otello - 
die Kritik im OPERNGLAS Januar:
Zitat
Die Inszenierung ist schlicht ein Ereignis. Das Publikum spendete zum Schluss
viel Applaus für eine begeisternde Inszenierung. Es gab nur ein paar wenige
Buhs für die Regie...... u.s.w.
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Kritik in OPER - das Magazin im Dezember:
Zitat
Im Wahn auf dem Matratzenlager, eine schlüssige, packende Inszenierung mit einem überragenden singspielenden Sängerensemble. Otello wird da als
Kriegsheimkehrer mit posttraumatischer Belastungsstörung gesehen.
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So ein Quatsch, warum schreiben die nicht ihre eigene Oper und lassen Verdi in Ruhe?
Ich wünsche Dir ein besseres 2022 und sende liebe Grüße
R aus München
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Zitat - 19.09.2020 von Peter Jungblut

"Otello" am Theater Regensburg

Wehe, wenn der Pförtner lacht

Verdis große Oper in einer musikalisch stark reduzierten Version: Regisseurin Verena Stoiber zeigt das Eifersuchtsdrama als so schauriges wie aktuelles Puppenspiel, bei dem das ganze Theater mitmacht und die Botschaft sendet: "Ohne uns ist Stille".

Bildquelle: Jochen Quast/Theater Regensburg

Die Mauren hat der venezianische Feldherr Otello in diversen Seeschlachten ja mit Bravour besiegt, und als ob das nicht schon genug der Ehre wäre, hat er jetzt auch Corona einigermaßen in Schach gehalten.

Jedenfalls ließ er sich am Theater Regensburg von der Pandemie nicht unterkriegen, und das ist keine Selbstverständlichkeit, denn Verdis "Otello" ist nun mal eine ganz große Oper, mit Chor, vielköpfigem Orchester und effektvollen Massen-Szenen.

Geht natürlich alles gar nicht, bei den aktuellen Abstandsregeln und Hygiene-Bestimmungen.

"Eine extreme Herausforderung"

Deniz Yetim als Desdemona | Bildquelle: Jochen Quast/Theater Regensburg

Also hatte der Regensburger Intendant Jens Neundorff von Enzberg ein Problem mehr. "Wir hatten 'Otello' eigentlich als letzte Premiere in der vergangenen Spielzeit geplant, und dann haben wir überlegt, was machen wir?", sagt er dem BR. "Das Regieteam hatte einfach Lust, noch einmal komplett neu zu denken.

Ich bin sehr glücklich, dass wir diesen Weg gemeinsam gegangen sind. Es gibt ja diese kleine Fassung mit 21 Musikern, die wir heute Abend spielen. Das ist eine extreme Herausforderung. Aber ich bin der Meinung, dass das musikalisch funktioniert. Und ich muss sagen, inszenatorisch ist es kein Kompromiss, es ist wirklich Konzept. Insofern habe ich ein ganz gutes Gefühl mit diesem 'Otello'."

Und dieses Gefühl trog nicht: Regisseurin Verena Stoiber und ihrer Ausstatterin Sophie Schneider gelang eine absolut zeitgemäße, aber keineswegs aufdringlich auf Abstand bedachte Deutung des 'Otello'.

Es war somit eine Inszenierung in sich, aber nicht über den derzeitigen Ausnahmezustand. Stoiber orientierte sich an Verdis ursprünglicher und sehr plausibler Idee, eine Oper über Otellos so gerissenen wie intrigensicheren Gegenspieler Jago zu schreiben.

Der Pförtner erfüllt sich einen schaurigen Traum

Adam Krużel als Jago | Bildquelle: Jochen Quast/Theater Regensburg

Der Mann ist bekennender Nihilist, glaubt also an gar nichts, nicht mal an sich selbst, und hält Gott allenfalls für einen schlechten Witz. Anders als der krankhaft eifersüchtige und machohafte Otello ist Jago also ein durch und durch moderner Charakter – und trägt demzufolge in Regensburg auch nicht, wie die anderen Hauptfiguren, ein mehr oder weniger prächtiges Renaissance-Kostüm, sondern graue Hose und unauffälliges Kurzarmhemd – eine Rentner-Kluft.
Ganz am Ende stellt sich heraus: Der freundliche, ältere Herr arbeitet als pflichtbewusster Pförtner am Bühneneingang und erfüllt sich einfach mal einen schaurigen Traum.

So stellt er mit Gliederpuppen Otellos Tragödie nach, lässt ein Schiff im Wäschebottich durch den Sturm segeln, tanzt mit einer Busen-Attrappe durch die Requisite, beäugt das Geschehen auf Monitoren, hat seine Freude daran, die Welt nach seinem radikal gefühlskalten Glaubensbekenntnis wenigstens im Miniformat zu manipulieren, zu dominieren, zu intrigieren. Und weil er sich Gott als bitteren Komödianten vorstellt, lacht er gern fatalistisch.

"Ohne uns ist Stille"

Deniz Yilmaz als Otello, Deniz Yetim als Desdemona | Bildquelle: Jochen Quast/Theater Regensburg

Anlässe dafür gibt es reichlich. Desdemona wird in diesem Fall nicht von ihrem Mann auf dem Bett erwürgt, sie stürzt auf einer Treppe zu Tode, und Otello kann sich danach nicht mal selbst richten, weil sein Revolver Ladehemmung hat. Ein rabenschwarzer und ungemein fesselnder Abend, in dem per Videoeinspielungen das ganze Regensburger Theater und viele seiner Mitarbeiter Auftritte haben. "Ohne uns ist Stille" hieß es auf den Plakaten, die der Chor in die Höhe hielt, wer wollte das bestreiten?

Stimmlich imponierte vor allem Adam Krużel als sehr robuster und ausdrucksstarker Jago, während Deniz Yilmaz als Otello zwar eine kernige Mittellage hatte, aber in der Höhe doch schnell an seine Grenzen kam. Die berühmte und gefürchtete Auftrittsarie erledigte er sehr beiläufig - zu harmlos für einen Feldherrn. Deniz Yetim als Desdemona spielte berührend intensiv, tat sich jedoch mit den vielen Pianissimo-Stellen schwer: Wenn es sehr leise wurde, klang sie recht rau.

"Experimente verschleißen sich"

Dirigent Chin Chao-Lin gelang ein fiebrig-nervöses Klangbild, wie es dieses Eifersuchtsdrama erfordert. Faszinierend, wie er die Streicher elektrisierte und bedrohlich vibrieren ließ. Innigkeit wollte da allerdings nur selten aufkommen. Insgesamt ein sehr kühler "Otello", oder, um den Intendanten zu zitieren, alles war Konzept. Womöglich war das eine Spur zu augenfällig, denn dieses Konzept geriet wirklich keine Sekunde in Vergessenheit. Jens Neundorff von Enzberg: "Es war dieses Mal ein Experiment und Experimente verschleißen sich, wenn man sie permanent wiederholt."

Sendung: Allegro am 21. September 2020 ab 06.05 Uhr auf BR-KLASSIK.

Zitatende
Quelle: https://www.br-klassik.de/aktuell/news-kritik/otello-regensburg-2020-kritik-100.html

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Otello als kriegsversehrter Gewalttäter in Hannover

Premiere am 30. Oktober 2021
Staatsoper Hannover

Verdis Otello als traumatische Kriegserfahrung aus Sicht der Titelfigur – ein gelungenes Konzept, wenn auch mit Übertreibungen.

Verdis Otello ist die Geschichte eines unaufhaltsamen Verfalls: Der Kriegsheld kehrt zu Beginn der Oper noch als Sieger aus Seeschlacht und Sturm gefeiert nach Venedig zurück. In Jagos Fängen entzündet sich ein selbstzerstörerisches Misstrauen gegenüber seiner Geliebten Desdemona. Er erniedrigt sie öffentlich und erdrosselt sie schließlich im Taumel blinder Eifersucht, bevor er sich selbst tötet. 

Der Regisseur Immo Karaman und sein Team verkürzen und erweitern diese Handlung gleichzeitig. Otello wird von Beginn als ein unter heftigen posttraumatischen Bewusstseinsstörungen leidender Kriegsrückkehrer gezeigt. Wir erleben in weiten Teilen keine Live-Geschichte mehr, sondern die Rückerinnerung an Geschehnisse, die Otello unter dem Einfluss seines eigenen Kontrollverlustes durchleiden muss. Er ist unheilbar traumatisiert, seine Frau Desdemona pflegt ihn und fällt seinem Eifersuchtswahn zum Opfer. 

Die Außenseiterrolle Otellos wird in Hannover auch nicht durch seine Hautfarbe bestimmt. Sie spielt keine Rolle, er ist ein weißer Kriegsherr unter weißen Soldaten, sein Außenseitertum ist hier durch seine psychische Versehrtheit begründet.  

Neben dieser fokussierten Perspektive ist die Opernhandlung jedoch auch weiter gesponnen worden. Um die tiefere Durchdringung der gesellschaftlichen Verhältnisse durch den unkontrollierbaren Krankenzustand zu verdeutlichen, zeigt Karaman im Vierten Akt Desdemona „zu Hause“, nicht alleine mit ihrer Kammerfrau Emilia im Schlafzimmer, sondern umgeben von zwei Kindern, die sie mit Otello hat. Wir erleben eine weitere zeitliche Verschiebung der Situation auf einen Punkt nach Hochzeit und Geburt zweier Kinder, die weder bei Shakespeare noch bei Boito – dem Librettisten Verdis – existiert.

Handlungen, Rückerinnerungen, Albträume finden in einem gespenstischen Ambiente statt. Das Bühnenbild von Etienne Plus zeigt den Einheitsraum eines zunächst schmalen Zimmers mit minimalen Ausstattungsmerkmalen wie Kühlschrank, Stuhl und am Boden liegender Matratze im Nirgendwo. Etwa wie in einer kleinen, ärmlichen Wohnung, einem Hotel oder einer psychiatrischen Anstalt. Einige wenige Ausstattungsmerkmale deuten regional auf die USA hin, könnten letztendlich ebenso in Russland oder anderswo lokalisiert sein.

Dieser Raum erweitert sich durch Wegnahme von Zwischenwänden immer weiter nach hinten. Er wandelt sich nicht, sondern vervielfältigt seine Trostlosigkeit in vollkommen gleichen Räumen, angeordnet im angedeuteten Halbkreis, wie die imaginierten, unkontrollierten Windungen von Bewusstsein und Unterbewusstsein im Kopf des Opfers. 

In diesen Teilebenen spielen Elemente der Handlung mit Solisten oder des Chores. Dabei ist für den Betrachter nicht auszumachen, welche Ebenen für die Otello umgebenden Personen überhaupt und wann sichtbar sind, oder ob es sich nur um Bewusstseinsfragmente im Kopf der Titelfigur selber handelt. Die Ebenen verschwimmen unkontrolliert. Der Betrachter fühlt sich auf unsicherem Boden.

Die unwirkliche Szene wird abgerundet durch die Lichtregie von Susanne Reinhardt, die Videokunst von Philipp Contag-Lada, sowie die Movement Choreografie von Fabian Posca, der den Chor in den öffentlichen Auftritten wie Lemuren unter visuell zerstörenden Video-Überblendungen agieren lässt. Die Kostüme von Gesine Völlm konzentrieren sich auf funktionale Signale in der Zeichnung der Personen und ihrer Rolle in der Gesellschaft wie Soldat, Befehlshaber, junge Frau, Mutter etc.

Das Konzept geht auf. Die Bühne als Psychogramm eines Opfers und Plattform für die weiteren gesellschaftlichen Auswirkungen dieser Verheerung wird unmittelbar deutlich und erschüttert den Betrachter. Lediglich die im vierten Akt hinzuerfundenen – und immerhin verschonten – Kinder sowie die mit viel Blut eines amerikanischen B-Movies inszenierte Erschießung der nach ihrer Erdrosselung bereits im Sterben liegenden Desdemona sind überflüssig, auch wenn solcherlei Übersprungsreaktionen der Opfer-Täter in der Realität denkbar und nachgewiesen sind. Anders als in den vorangegangenen Teilen der Oper steht dieser Phantasiezusatz auch quer zum Charakter der Musik des letzten Aktes. Die gesellschaftliche Gefährdung ist auch ohne diese Elemente schon mehr als sichtbar geworden und unter die Haut gegangen.

Das Konzept überzeugt ansonsten vor allem auch wegen der großartigen Sängerdarsteller. Martin Muehle gibt sein Rollendebut als Otello. Die Strahlkraft seines Tenors ermattet nie. Die verletzliche Sensibilität und Ausstrahlung des Sängers prädestinieren ihn für das spezifische Rollenmodell der Regie. Pavel Yankovsky als Jago verfügt über eine geschmeidige und kraftvolle Erscheinung in Stimme und Darstellung. Er vermag die unheimlichen Zwischenwelten des Intriganten bestens zu verkörpern. Existiert er oder ist er eine Phantasmagorie Otellos? Barno Ismatullaeva als Desdemona vermag die Ausdrucksvielfalt der Partie von der Preghiera und dem Duett mit Otello bis zu den Aufschwüngen in den großen Ensembles glänzend zu verkörpern. Alle drei Protagonisten scheinen unbegrenzte Stimmreserven zu besitzen. Einen solchen Luxus erfährt man selten – nie muss man sich über die Durchhörbarkeit und die stimmliche Kraft Gedanken machen, eher schon wäre gelegentlich die Zurücknahme der Stimmen hilfreich für ein organisches und ausgewogenes Klangbild. Der Cassio von Marco Lee und die Emilia von Ruzana Grigorian seien beispielhaft für das gut besetzte weitere Ensemble genannt. 

Chor der Staatsoper Hannover unter der Leitung von Lorenzo Da Rio überzeugt, wenngleich in den großen Szenen nach der Nervosität am Premierenabend noch größere rhythmische Souveränität zu erwarten ist.

Das Niedersächsische Staatsorchester Hannover unter dem Generalmusikdirektor Stephan Zilias spielt vorzüglich. Die durchhörbaren Holzbläser vermögen Details hörbar zu machen, die man so noch nicht erleben konnte. Auch hier mag eine steigende Sicherheit in den Nachfolgevorstellungen bei aller Kontrolliertheit den Raum für eine rhythmisch noch authentischere Italianità ermöglichen. 

Das Publikum feiert die Mitglieder des gesamten Teams, allen voran die Sänger-Protagonisten der Hauptrollen. Dem Regieteam begegnete auch eine kleine, aber beherzte Buh-Fraktion.   

Achim Dombrowski
Copyright: Sandra Then
02. November 2021 |
Zitatende -
Quelle: https://www.opera-online.com/de/columns/dombrowski/otello-als-kriegsversehrter-gewalttater-in-hannover

2.    In Zusammenfassung meiner Einzelentscheidungen befehle ich

- die Unterstützung des Irak

- die Entsendung einer Militärmission

- Hilfeleistung durch die Luftwaffe

- Waffenlieferungen.

3.     Die Militärmission (Deckname: Sonderstab F) untersteht dem General
        der Flieger Felmy.
        Ihre Aufgaben sind

a) die irakische Wehrmacht zu beraten und zu unterstützen,

b) nach Möglichkeit militärische Verbindungen mit England feindlichen
    Kräften auch außerhalb des Irak herzustellen,

c) für die deutsche Wehrmacht Erfahrungen und Unterlagen in diesem
    Raum zu gewinnen.“
Zitatende
Quelle: Walter Hubatsch – Weisungen für die Kriegsführung 1939 – 1945 – Karl Müller Verlag – Seite 120

Zitat
„Als Grundlage für die Sicherung und Erweiterung der eigenen Mittelmeerstellung und zur Bildung eines Kraftzentrums der Achsenmächte im mittleren Mittelmeer, befehle ich nach Einvernehmen mit dem Duce, dass Teile der im Osten freigewordenen Verbände der deutschen Luftwaffe in Stärke etwa eines Fliegerkorps und der erforderlichen Luftverteidigungskräfte in den süditalienischen und nordafrikanischen Raum zu überführen sind.
Neben der unmittelbaren Auswirkung auf die Kriegsführung im Mittelmeer und Nordafrika soll dadurch eine wesentliche Einflussnahme auf die gesamte weitere Entwicklung im Mittelmeerraum angestrebt werden.“
Zitatende
Quelle: Walter Hubatsch – Weisungen für die Kriegsführung 1939 – 1945 – Karl Müller Verlag – Seite 169

Zitat
‘Unternehmen Sonnenblume‘

   ... ab 11. Februar 1941

Mussolini träumte von einem neuen römischen Reich, das zumindest die Länder rund um das Mittelmeer beinhalten sollte.

Italien hatte Frankreich und Großbritannien am 10. Juni 1940 den Krieg erklärt. Es ging von einem kurzen Kampf aus, im Rahmen dessen es seine Gebietsansprüche durchsetzen wollte.

Mussolini strebte in Nordafrika nach Westen, um Tunesien zu annektieren, dann, im September 1940 sandte er seine Truppen von Italienisch-Libyen nach Osten, um die Ägypten besetzt haltenden Briten zu vertreiben und den Suezkanal für sich zu gewinnen. Damit hätte er auch endlich eine Landbrücke zu dem von ihm besetzten Äthiopien geschlagen, was den Nachschub in das ostafrikanische Land erleichtert hätte.

Die 10. italienische Armee war stark, trotzdem konnten die Briten mit Unterstützung von Truppen, die sie aus dem Empire in Ägypten zusammenzogen, die Italiener in Nordafrika bis weit nach Westen hin zurückdrängen.

Die 10. italienische Armee wurde dann von den Briten vernichtet. Etwa 130.000 italienische Soldaten gingen in Kriegsgefangenschaft und tausende Panzer, Artilleriegeschütze und Flugzeuge wurden zerstört.
Hitler musste eingreifen, um den Verlust Nordafrikas zu verhindern.

Schon am 11. Februar 1941 trafen die ersten deutschen Truppen in Tripolis ein, die, zum Deutschen Afrikakorps zusammengezogen, einen Sperrriegel bilden sollten, um im Rahmen des 'Unternehmens Sonnenblume' das weitere Vordringen der Briten nach Westen zu verhindern.

Nachdem Ägypten für Mussolini verloren war und Italienisch Libyen von den Deutschen unter General Rommel, der am 12. Februar 1941 Tripolis erreichte und mit Wirkung zum 15. Februar zum Befehlshaber der deutschen Truppen in Nordafrika ernannt wurde, ‘übernahm‘, meinte der Duce plötzlich, sich dem Balkan als neuem Ziel der Eroberung zuwenden zu müssen. Albanien hatten die Italiener schon okkupiert, von dort drangen sie nach Osten vor.

Aber auch der Einfall der Italiener in Griechenland misslang, wieder musste Hitler zu Hilfe kommen, was den Beginn seines ‘Unternehmens Barbarossa‘ um vier Wochen auf den 22. Juni 1941 verspätete.

Die Konsequenz war, dass der dann im Oktober hereinbrechende Winter den Vormarsch der deutschen Wehrmacht später 30 km vor Moskau stoppte.
Zitatende

Zitat
Thema des Tages - 23. Oktober 1940
‘Hendaye‘

Man machte sich im Deutschen Reich wieder etwas vor, zumindest Goebbels schätzte die Sache falsch ein, wenn er meinte, Franco werde dem Werben Hitlers folgen und ab Winter 1940 / 1941 mit in den Krieg gegen England ziehen.

Mitte Juli 1940 musste Hitler feststellen, dass Churchill nicht – wie er immer noch hoffte - zu einer Übereinkunft mit ihm bereit war. Die für Historiker noch immer kaum zu klärende Möglichkeit des Abzugs von mehr als 300.000 Mann englischer und französischer Soldaten aus Dünkirchen, diese Geste Hitlers hatte keinen Erfolg gehabt. England wollte – gestützt auf die leihweisen Waffenlieferungen der USA - den Krieg fortsetzen.

Am 23. Oktober 1940 hatte sich daher der Führer mit dem durch sein Eingreifen – Bombardement von Madrid und Guernica am 26. April 1937 durch die Legion Condor – in den Sattel gehobenen spanischen Diktator Franco zu einem Gespräch im französischen-spanischen Grenzort Hendaye getroffen, um ihm eine Achse Madrid – Yokohama schmackhaft zu machen.

Spanien sollte der Achse Deutschland – Japan beitreten, mit Hilfe Deutschlands zunächst Gibraltar erobern, dann den Nazis Stützpunkte auf den Kanarischen Inseln einräumen, um vor dort aus – im Falle eines Krieges mit den USA – vorgeschobene Basen im Atlantik zur Verfügung zu haben und Franco möge bitte bei der portugiesischen Regierung vorfühlen, ob man in Lissabon bereit sei, ebenfalls deutsche Kriegsschiffe aufzunehmen.

Franco stellte allerdings für Spanien Forderungen, auf die Hitler aus Rücksicht auf Mussolini nicht eingehen konnte, allenfalls wollte Hitler für eine Vergrößerung von Spanisch-Marokko sorgen.
Enttäuscht und wütend wandte sich Hitler nach einer bis in die Nacht andauernden Unterredung von Spanien ab, während Goebbels noch am 25. für den 24. Oktober 1940 notierte:
Er habe telefonisch aus Spanien Mitteilung erhalten, dass alles sehr glatt gegangen sei und wörtlich:
“Spanien ist uns danach sicher“.
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Zitat
„Der überraschend früh eingebrochene strenge Winter im Osten und die dadurch eingetretenen Versorgungsschwierigkeiten zwingen zu sofortiger Einstellung aller größeren Angriffsoperationen und zum Übergang zur Verteidigung.
Wie diese Verteidigung zu führen ist. wird bestimmt durch das Ziel, das mit ihr verfolgt wird, nämlich
a.) Räume zu behaupten, die operativ oder wehrwirtschaftlich für den
     Gegner von großer Bedeutung sind
b.) den im Osten eingesetzten Kräften der Wehrmacht eine möglichst große
     Erholung und Auffrischung zu ermöglichen und
c.) dadurch die Voraussetzungen für die Wiederaufnahme größerer An-
    griffsoperationen im Jahr 1942 zu schaffen.“
Zitatende
Quelle: Walter Hubatsch – Weisungen für die Kriegsführung 1939 – 1945 – Karl Müller Verlag – Seite 171

Zitat
„Das alte Jahr schließt für uns militärisch in einer auf allen Fronten schweren Defensivtätigkeit. Die weitere Entwicklung ist vorläufig nicht klar zu übersehen. Es steht zu hoffen, dass die neuen Verstärkungen, die nach Osten rollen, bald die Fronten zum Stehen bringen werden. Gelingt das, dann finden wir endlich die Zeit, uns für die kommende Frühjahrsoffensive bereitzumachen. Jedenfalls steht fest, dass hierbei die Entscheidung fallen muss.

Die Lage in Nordafrika ist weiterhin gespannt und bietet noch manche Gefahrenmöglichkeiten.
Zitatende
Quelle: Goebbels Tagebücher – 31.12.1941 – Band 4 - Seite 1726 – Piper Verlag – 1992

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Wenn es uns gelingt, in diesem Sommer die Sache im Osten zu einem befriedigenden Abschluss zu bringen, dann sind wir über den Berg hinweg […] Liegt das Sowjetsystem einmal am Boden, dann haben wir damit praktisch den Krieg gewonnen.
Zitatende - Quelle: Goebbels Tagebücher – Band 4 - Seite 577 vom 29.03.1942 – Piper Verlag – 1992

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Die Stimmung in der Heimat wird vom Führer in keiner Weise angezweifelt. Er weiß genau, dass das deutsche Volk bei einer richtigen Führung die schweren Belastungen des Krieges aushalten wird. Ich schildere ihm im Einzelnen, wie schwer es sein wird, die Kürzungen der Lebensmittelrationen in den nächsten Tagen dem deutschen Volke klarzumachen, vor allem sie dann im einzelnen durchzuführen.
Der Führer hat alles getan, um sie zu vermeiden. Er will jetzt noch jedes Mittel versuchen, um eine stärkere Lebensmittelzufuhr, vor allem aus der Ukraine, zu bewerkstelligen. Aber im Augenblick ist das in Anbetracht der so außerordentlich gespannten Transportlage gänzlich unmöglich […]
 Ich teile den Optimismus des Führers nicht, dass es uns gelingen werde, in absehbarer Zeit Nennenswertes aus der Ukraine herauszuholen. Dazu fehlen uns die Menschen, die Organisation und vor allem die Transportmittel.
Der verfluchte lange Winter hindert uns im Augenblick auch noch daran, die Kartoffelmieten, in denen ja noch große Kartoffelvorräte aufgestapelt liegen, zu öffnen. Nun stehen wir schon am Frühlingsanfang und kämpfen immer noch mit Winterproblemen, als wäre gerade die Jahreswende vorbei. Die Transporte sollen, so billigt der Führer, sobald die Mieten geöffnet werden können, auf das äußerste beschleunigt werden.
Zitatende -
Quelle: Goebbels Tagebücher – Band 4 - Seite 1770 vom 19.3.1942 – Piper Verlag – 1992

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Wenn wir das Volk richtig anfassen, ihm Aufgaben stellen und es führen, so wird es sicherlich bereit sein, mit uns durch dick und dünn zu gehen. Ein solches Volk kann auch nicht überwunden werden.
Zitatende
Quelle: Goebbels Tagebücher – Band 4 - vom 8.1.1942 – Piper Verlag – 1992

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‘Der große König‘ so der Titel des Ufa Monumentalfilms, der 1942 in die Kinos kam „der die harten Proben und geschichtlichen Prüfungen zum Inhalt hat, denen Friedrich der Zweite in der kritischen Phase des Siebenjährigen Krieges ausgesetzt war, bevor er seine Heere zum endgültigen Sieg über seine Feinde führen konnte“ suggerierte Goebbels darin Parallelen zu Hitler. Friedrich werde deshalb ‘der Große‘ genannt, „weil er immer wieder und gerade unter der Wucht betäubender Schläge, die ihn manchmal hart bis an den Rand des Absturzes warfen, die Kraft fand sich über Prüfungen und Niederlagen triumphieren zu erheben und seinem Volke, seinen Soldaten, den zweifelnden Generälen, schwankenden Ministern, konspirierenden Verwandten und aufbegehrenden Staatsbeamten, ein leuchtendes Beispiel der Standhaftigkeit im Unglück zugeben.“
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• Solistin Anna Alt, 22. Januar
• Kolberg, 30. Januar
• Die Jahre vergehen, 6. Februar
• Meine Herren Söhne, 20. Februar
• Die Brüder Noltenius, 25. Februar
• Eines Tages, 26. Februar
• Bravo, kleiner Thomas, 28. Februar
• Die falsche Braut, 3. März
• Ein Mann wie Maximilian, 10. März
• Der stumme Gast, 15. März
• Das alte Lied, 30. März
• Der Erbförster, 5. April

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28.09.2021, 12:04 Uhr

Historisch belastet:
Münchner Straßen könnten umbenannt werden

Bis zu 45 Straßen in München könnten einen neuen Namen bekommen, weil die jetzigen womöglich historisch belastet sind. Das Stadtarchiv hat eine entsprechende Liste vorgestellt. Entschieden ist aber nichts, noch läuft die Überprüfung.

Von: Birgit Grundner

6.300 Straßennamen gibt es in München, und bei 45 davon hat ein Expertengremium aus Vertretern der Stadtratsfraktionen, Mitarbeitern von Fachdienststellen der Landeshauptstadt München wie dem Stadtarchiv einen ‘erhöhten Diskussionsbedarf‘ festgestellt. In vielen Fällen geht es um das Verhalten der Namensgeber in der Nazi-Zeit. Ins Auge fällt aber etwa auch die Nennung von Robert Koch: Dieser war an Menschen-Experimenten mit Medikamenten in der früheren Kolonie Kamerun beteiligt.

Münchner Stadtrat muss entscheiden

Die komplette Liste wurde inzwischen – ebenso wie der zugrunde gelegte Kriterienkatalog - veröffentlicht und soll nun weiter nicht-öffentlich diskutiert und überprüft werden. Ende 2022 wollen die Experten damit fertig sein und für eine Empfehlung für das weitere Vorgehen abgeben. Dann muss der Stadtrat entscheiden.

In der Diskussion: Von Agnes Miegel- bis Wißmannstraße

Konkret geht es dabei um folgende Straßen: Agnes-Miegel-Straße (benannt 1983), Alois-Wunder-Straße (1978), Bestelmeyerstraße (1956), Bonselsstraße (1953), Butenandtstraße (1996), Deikestraße (1936), Dominikstraße (1932), Elly-Ney-Weg (1994), Emil-Nolde-Straße (1970), Ernst-Haeckel-Straße (1947), Hansjakobstraße (1925), Hans-Koch-Weg (1965), Hella-von-Westarp-Straße (1936), Herbert-Quandt-Straße (1987), Hermann-Proebst-Weg (1976), Hilblestraße (1956), Ina-Seidel-Bogen (1984), Kabastastraße (1956), Kardinal-Faulhaber-Straße (1952), Kißkaltplatz (1930), Kraepelinstraße (1927), Langbehnstraße (1931), Leutweinstraße (1935), Linnenbrüggerstraße (1936), Ludwig-Thoma-Straße (1947), Lüderitzstraße (1932), Martin-Heidegger-Straße (1983), Max-von-Gruber-Straße (1927), Messerschmittstraße (1983), Mottlstraße (1914), Nachtigalstraße (1925), Nettelbeckstraße (1932), Oswald-Bieber-Weg (1985), Otto-Merkt-Weg (1964) Pfitznerstraße (1923), Richard-Wagner-Straße (1898), Richard-Strauss-Straße 1915/1958), Robert-Koch-Straße (1931), Rohmederstraße (1932), Teuchertstraße (1936), Treitschkestraße (1960), Von-Erckert-Straße/-Platz (1933/37), Von-Gravenreuth-Straße (1933) , Werner-Egk-Bogen (1985), Wißmannstraße (1932).

Bis zu 327 Straßennamen müssten erläutert werden

Neben dieser sogenannten ‘Short List‘ gibt es auch noch eine Aufstellung von 327 weiteren Straßennamen, die einen ‘Kontextualisierungsbedarf‘ aufweisen könnten. Sie könnten also durch ‘kritisch-distanzierende‘ Texte auf kleinen, dazu gehängten Schildern näher erläutert und kommentiert werden.

Die Arbeit des Expertengremiums ist eine Gratwanderung: Einerseits sollen historisch belastete Persönlichkeiten nicht gewürdigt werden. Andererseits sind Straßennamen auch ‘erinnerungskulturelle Jahresringe‘, wie Andreas Heusler vom Stadtarchiv München es ausdrückt. Die Besetzung des Straßenraums durch frühere Generationen spiegle auch die Stadtgeschichte wider.

Sechs Straßen in München bereits umbenannt

Über den Umgang historisch belasteten Straßennamen wird in München schon seit vielen Jahren diskutiert. Tatsächlich umbenannt wurden seit dem Jahr 2000 aber nur sechs Straßen ‘aufgrund einer schwerwiegenden Belastung des Namensgebers‘ – so wurde etwa aus der Meiser- eine Katharina-von-Bora-Straße. 2016 wurde das Stadtarchiv vom Stadtrat mit einer grundlegenden Überprüfung des Katalogs der Straßennamen beauftragt. Das Ergebnis sind die nun vorliegenden Listen.

Um neue Straßenschilder würde sich dann gegebenenfalls die Stadt kümmern, für neue Hausnummernschilder wären dagegen die jeweiligen Hauseigentümer zuständig. Die Umschreibung von Personalausweisen und amtlichen Büchern sei in der Regel kostenfrei, heißt es beim Kommunalreferat. Anders sei das nur beim Kfz-Schein. Denn für die Adressänderung dort falle eine Bundesgebühr an, welche die Stadt nicht erlassen könne.

Expertengespräch im Livestream

Über das Verfahren, den aktuellen Stand und das weitere Vorgehen informiert das Stadtarchiv. An der Veranstaltung ‘Problematische Ehrungen. Historisch belastete Straßennamen und der Umgang mit ihnen‘ nehmen auch Fachleute aus Berlin, Mainz und Salzburg teil. Alle Zuhörerplätze sind bereits vergeben, weitere Interessenten können die Diskussion aber im Livestream verfolgen.

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Quelle: https://www.br.de/nachrichten/bayern/muenchen-einige-strassen-koennten-wegen-ns-bezug-umbenannt-werden,SkEY6uF

Agnes Miegel und der Nationalsozialismus

Die Machtübernahme der Nationalsozialisten bedeutete einen Umschwung in Leben und Werk Agnes Miegels. In einem Brief an Hans Friedrich Blunck vom November 1933 schrieb sie von der großen "Idee, in der wir nun alle leben." (zitiert nach Küchmeister, 282) "Die Dichterin, die die Wiedergeburt Deutschlands begeistert begrüßt hat", (Kieler Zeitung 7.3.1944) war eine systemkonforme Schriftstellerin, die auch in der nationalsozialistischen Öffentlichkeit eine wichtige Funktion innehatte.

Schon im Oktober 1933 nahm sie die Berufung in den Vorstand der Sektion für Dichtung der Preußischen Akademie der Künste an. Politisch unliebsame Autoren waren vorab ausgeschlossen worden. Dessen Hauptaufgabe war es laut der Literaturwissenschaftlerin Inge Jens "als 'Wahrer des deutschen Schrifttums' das ihre zum Aufbau des neuen Staates beizutragen und sich in Huldigungsadressen, Aufrufen und Erklärungen öffentlich zu Führer, Volk und Vaterland zu bekennen." (Jens, S. 263) Ende Oktober 1933 unterzeichnete sie ein in Zeitungsanzeigen verbreitetes "Gelöbnis treuester Gefolgschaft" auf Adolf Hitler.
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Anders als „die Avantgarde der Weimarer Republik“ (Liste verbotener Autoren während der Zeit des Nationalsozialismus) erhielt er kein Schreibverbot, sondern wurde in die Reichsschrifttumskammer aufgenommen.

Nach den studentischen Bücherverbrennungen vom 10. Mai 1933 publizierten die Zeitungen einen ihnen vom Propagandaministerium zugeschickten Artikel Bonsels’‘NSDAP und Judentum‘. Darin begrüßte er, dass nun der „überhandnehmende Einfluss jüdischen Wesens“ auch in der Kultur beendet werde.

Bonsels erfuhr im Nationalsozialismus keinerlei Einschränkungen seiner schriftstellerischen Tätigkeit. Während des Zweiten Weltkriegs war er Herausgeber der kriegspropagandistischen ‘Münchner Feldposthefte‘.
Später sei er in Vergessenheit geraten, dann aber durch die Fernsehserie ‘Die Biene Maja‘ in den 1970er Jahren erneut bekannt geworden.
Das Literaturhaus München führte in Zusammenarbeit mit der Waldemar-Bonsels-Stiftung am 3. und 4. März 2011 die Tagung 100 Jahre ‘Biene Maja – Waldemar Bonsels’ Literatur und ihre Folgen durch. Die Berichterstattung darüber stellte Bonsels’ Antisemitismus und sein Verhältnis zum Dritten Reich in den Vordergrund.
Zitatende - Quellen+ Foto: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=706v

Nolde war früh der Überzeugung, die ‘germanische Kunst‘ sei allen anderen weit überlegen. Im August 1934 bezeugte er mit seiner Unterschrift unter den Aufruf der Kulturschaffenden, dass er zu des Führers Gefolgschaft gehörte. Er wurde 1934 Mitglied einer der verschiedenen nationalsozialistischen Parteien in Nordschleswig, der Nationalsozialistischen Arbeitsgemeinschaft Nordschleswig (NSAN).
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Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=1184
Foto: kunsthaus-artes.de

Herbert-Quandt-Straße Herbert Werner Quandt (* 22. Juni 1910 in Pritzwalk; † 2. Juni 1982 in Kiel) war ein deutscher Industrieller aus der Familie Quandt. Zwangsarbeiter wurden in vielen der Quandt-Fabriken während des Zweiten Weltkrieges verwendet und die Bedingungen waren äußerst hart. Herbert war der Direktor der Pertrix GmbH, einer in Berlin ansässigen Tochtergesellschaft der AFA.

Das Unternehmen verwendete weibliche Zwangsarbeiter, darunter polnische Frauen, die aus Auschwitz überstellt worden waren. 1940 trat er in die NSDAP ein.
Während der Zeit des Nationalsozialismus war er Vorstandsmitglied der Accumulatoren-Fabrik AG (AFA; seit 1962 VARTA) und an der Seite von Günther Quandt unter anderem Leiter der Personalabteilung. Ein KZ-Außenlager, komplett mit Galgen und einem Ausführungsbereich, wurde auf dem Gelände des AFA-Werks Hannover errichtet.

Nach Einschätzung von Benjamin Ferencz, der bei den Nürnberger Prozessen für die Anklagebehörde arbeitete, wären Herbert Quandt und sein Vater Günther ebenso wie Alfried Krupp von Bohlen und Halbach, Friedrich Flick und die Verantwortlichen der I.G. Farben als Hauptkriegsverbrecher angeklagt worden, wenn die heute zugänglichen Dokumente den Anklägern damals vorgelegen hätten.

Die entscheidenden Dokumente zu ihrem Wirken im Dritten Reich lagen den Behörden in der britischen Besatzungszone vor. Die Briten hielten das Material zurück, weil sie erkannt hatten, welche Bedeutung die Batterieproduktion der AFA auch nach dem Krieg hatte, und die Eigentümer deswegen schonen wollten.
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Quellen: https://www.google.com/search?q=Herbert-Quandt-Stra%C3%9Fe+m%C3%BCnchen&source=lmns&bih=615&biw=1024&client=firefox-b&hl=de&sa=X&ved=2ahUKEwiw_frpxtb0AhUl1eAKHXtdCuQQ_AUoAHoECAEQAA
Foto: welt.de

Ihr Vater Hermann Seidel, ein Bruder des Schriftstellers Heinrich Seidel, leitete als Arzt das Herzogliche Krankenhaus.

Aufgrund von Kollegenintrigen beging er 1895 Suizid. Die Mutter siedelte danach mit den Kindern nach Marburg und später nach München über.

Seidel identifizierte sich bald wie Börries von Münchhausen mit der Ideologie des Nationalsozialismus. Im Oktober 1933 gehörte sie zu jenen 88 Schriftstellern, die das Gelöbnis treuester Gefolgschaft für Adolf Hitler unterschrieben.

1932 heiratete ihre Tochter Heilwig den Buchwissenschaftler Ernst Schulte-Strathaus, der von 1934 bis zu seiner Verhaftung durch die Gestapo 1941 in der NSDAP-Zentrale ‘Braunes Haus‘ beschäftigt war. Dort hatte er im Stab von Rudolf Heß als Amtsleiter für Kunst- und Kulturfragen fungiert.

Am Führerkult um Adolf Hitler beteiligte sie sich mit ihrem Gedicht ‘Lichtdom‘, das in den Zeilen gipfelt: „Hier stehn wir alle einig um den Einen, und dieser Eine ist des Volkes Herz“.

In der Endphase des Zweiten Weltkriegs nahm Hitler 1944 Seidel in die Gottbegnadeten-Liste (Sonderliste) unter die sechs wichtigsten zeitgenössischen deutschen Schriftsteller auf.

Werner Bergengruen (1892–1964) nannte Seidel wegen ihrer häufigen Hitlerhuldigungen in seinen Aufzeichnungen in Anspielung auf ihren Bestseller ‘Das Wunschkind‘ das „Glückwunschkind“.

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Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=2369
Foto: discogs.com

Für den Miesbacher Anzeiger verfasste er in den letzten 14 Monaten seines Lebens 175 größtenteils (bis auf fünf Fälle) anonyme und meist antisemitische Hetzartikel, vor allem gegen die Regierung in Berlin und die Sozialdemokratie.

Aber auch über das jüdische Bürgertum schrieb er beispielsweise: „Teiteles Cohn und Isidor Veigelduft, die dürfen im Sommer nach wie vor ihre verschnörkelten Haxen in die Lederbuxen stellen, am Arm ihre Rebekka im Dirndlg’wand, nach Veilchen und Knoblauch duftend.“

Er bezeichnete die Reichshauptstadt Berlin als „Entenpfuhl“ und eine „Mischung von galizischem Judennest und New Yorker Verbrecher-Viertel“, beschrieb in völkischem Vokabular eine „tiefgewurzelte, in der Rasse begründete, … Eigenart“ und beschimpfte die Weimarer Republik als „charakterlose Deppokratie“.

Er nannte deren Vertreter „dieses traurige Saupack aus Tarnopol und Jaroslau“ und hob hervor, dass „wir außer dem Itzig von der Promenadenstraße noch etliche vom Stamme Levi abgeschossen haben …“ (in der Promenadenstraße wurde der bayerische Ministerpräsident Kurt Eisner erschossen).
Und den jüdischen Verleger Rudolf Mosse beschimpfte Thoma mit den Worten „Lausejunge mit dem Krauselhaar und deinen geschneckelten Fortbewegungsscheren“.

Die Stadt München hat zu seinen Ehren ab 1967 jährlich eine Ludwig-Thoma-Medaille verliehen, die Verleihung jedoch 1990 nach Bekanntwerden seiner nationalkonservativen Haltung, der antisemitischen Parolen und antisozialistischen Polemik eingestellt.
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In der Forschung herrscht Einigkeit darüber, dass sich Heidegger im ‘Dritten Reich‘ mit Begeisterung für das engagierte, was er die ‘nationalsozialistische Revolution‘ nannte. 1930 begann er, den Völkischen Beobachter zu lesen. 1932 wählte er die NSDAP. Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten wollte er an der Umgestaltung der Gesellschaft mitwirken, besonders durch die Einführung des Führerprinzips an den Universitäten. Am 21. April 1933 wurde er von seinen Kollegen zum Rektor der Universität Freiburg gewählt und trat am 1. Mai 1933 der NSDAP bei, die seinen Beitritt öffentlich feierte und der er bis zum Ende der NS-Herrschaft angehörte.
Bei allen Bekenntnissen Heideggers zum Nationalsozialismus war sein Verhalten ambivalent. So bemühte er sich als Rektor in mehreren Fällen, das Schicksal jüdischer Hochschulangehöriger im Rahmen des Möglichen zu lindern. Andererseits denunzierte er einen jüdischen und einen nicht-jüdischen Kollegen. In politischen Reden, viele davon vor Studenten gehalten, huldigte er Adolf Hitler, der für ihn damals nahezu messianische Züge bekam.
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Quelle: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse_bild.php?bild=Heidegger_Martin.jpg - Foto: de.wikipedia.org

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Während der Zeit des Nationalsozialismus avancierte Messerschmitt, der 1933 der NSDAP beigetreten war, zum Wehrwirtschaftsführer. 1938 wurde Messerschmitt neben Ferdinand Porsche und Fritz Todt mit dem 1937 von Adolf Hitler neu gestifteten Deutschen Nationalpreis für Kunst und Wissenschaft ausgezeichnet, den er sich mit Ernst Heinkel zur Hälfte (50.000 Reichsmark) teilte. 1939 wurde sein Unternehmen als ‘Nationalsozialistischer Musterbetrieb‘ ausgezeichnet. 1941 erhielt er den Titel ‘Pionier der Arbeit‘, und wurde zum Vizepräsidenten der Deutschen Akademie für Luftfahrtforschung ernannt.

Zur Steigerung der Produktionskapazitäten wurde am 24. Juli 1936 in Regensburg die Tochtergesellschaft Bayerische Flugzeugwerke Regensburg GmbH gegründet. Diese Firmenbezeichnung änderte man am 13. November 1940 in Messerschmitt GmbH Regensburg. 1937 wurde Messerschmitt zum Professor berufen.

Während der nationalsozialistischen Herrschaft wurde er mit der Entwicklung und Produktion von ein- und zweimotorigen Jagdflugzeugen beauftragt. Besonderer Wert wurde auf die stetige Anpassung und Vereinheitlichung der Bf 109 gelegt, um diese auf dem aktuellen Stand der Luftkriegsentwicklung zu halten. Dennoch entstanden bei Messerschmitt zahlreiche Prototypen wie Bf 161, Bf 162, Bf 163, Me 209 V5, Me 309, Me 261, Me 264 und Me 328, die nie Serienreife erreichten. Zwar wurde die Me321/323 in kleineren Mengen gefertigt, aber erst die Me 410 und die Me 262, das erste serienproduzierte Flugzeug mit Turbinen-Luftstrahltriebwerk, gingen wieder in Großserie.
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Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=3513
Foto: Bildrechte: Bundesarchiv, Bild 146-1969-169-19

In der Spielzeit 1903/04 leitete er an der Metropolitan Opera 62 Aufführungen und Konzerte.

Ebenfalls 1903 ging er an die Hofoper nach München, zunächst als 1. Kapellmeister, und ab 1907 bis zu seinem Tod als Generalmusikdirektor.

Zudem war er von 1904 bis 1911 Direktor der Königlichen Akademie der Tonkunst in München. Mottl komponierte auch selbst einige Opern sowie zahlreiche Lieder und Instrumentalwerke.

1907 nahm er einige Klavierrollen für ‘Welte-Mignon‘ auf, darunter seine eigenen Transkriptionen für Klavier aus Wagners Oper Tristan und Isolde.

Im Einklang mit Cosima Wagner setzte sich Felix Mottl dafür ein, bei den Bayreuther Festspielen jüdische Sänger und Musiker nach Möglichkeit von der aktiven Mitwirkung auszuschließen.

Zitatende Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=3604
Foto: de.wikipedia.org

Er wurde als literarische Figur Held einer Unzahl von patriotischen Werken. In einer groß angelegten Veröffentlichung im Vormärz und während der Revolution von 1848 erschien er neben Friedrich Ludwig Weidig, Benjamin Franklin und Thaddäus Kosciuszko als Mann des Volks.
Im weiteren 19. Jahrhundert wurde Nettelbecks Leben als Seemann angesichts der angestrebten deutschen Seegeltung zum Vorbild für die zur Seefahrt drängende Jugend. Weil er autobiografisch von seiner dreimal gescheiterten Idee, nach dem Vorbild des Großen Kurfürsten Kolonien zu erwerben, berichtet hatte, zählte Nettelbeck obendrein als früher Anwalt deutscher Kolonialbestrebungen.
Im Jahre 1868 feierte Paul Heyses Nationaldrama ‘Colberg‘ die Einheit von Bürgern und Armee als ein Volk in Waffen, mit Nettelbeck in einer tragenden Rolle. Nachdem es jahrzehntelang wegen demokratischer Tendenzen auf staatlichen Bühnen nicht aufgeführt werden durfte, wurde es um die Wende zum 20. Jahrhundert in Preußen Schulstoff.
Zitatende Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=3665
Foto: de.wikipedia.org

Pfitznerstraße Hans Erich Pfitzner (* 5. Mai 1869 in Moskau; † 22. Mai 1949 in Salzburg) war ein deutscher Komponist, Dirigent und Autor theoretischer und politischer Schriften, oft mit dezidiert antisemitischer Zielrichtung. Pfitzners Werk vereint romantische und spätromantische Elemente mit ausgedehnter thematischer Arbeit, stimmungsstarker Musikdramatik und kammermusikalischer Intimität. Sie stellt einen eigenartigen Ausläufer der klassisch-romantischen Tradition dar, deren konservative Musikästhetik und Allgemeingültigkeit Pfitzner auch in seinen Schriften gegen zeitgenössische Richtungen vehement verteidigte.

Die Werke des inspirationsgläubigen Spät-, ja Postromantikers zeigen große kompositorische Qualitäten und stehen mit manchen grüblerischen Sperrigkeiten einer modernen Tonsprache vielleicht sogar noch näher als von ihrem Schöpfer, nach seinen musikästhetischen Äußerungen zu urteilen, beabsichtigt.

Pfitzners Werk wurde von zeitgenössischen Kollegen wie Gustav Mahler und Richard Strauss hoch geschätzt. So wurde sein zweites Streichquartett von 1902/03 von Mahler ausdrücklich als Meisterwerk gelobt. Thomas Mann würdigte die Oper ‘Palestrina‘ in einem kurzen, im Oktober 1917 erschienenen Essay, den er später erweiterte und in seine ‘Betrachtungen eines Unpolitischen‘ aufnahm. Er gründete gemeinsam mit anderen Künstlern 1918 den Hans-Pfitzner-Verein für deutsche Tonkunst. Pfitzner galt im Jahrzehnt nach der Uraufführung seiner Oper ‘Palestrina‘ im Jahr 1917 als der führende Vertreter eines betont deutschen und entschieden antimodernistischen Musikbegriffs. So konstatierte sogar der zwei Jahre zuvor von Pfitzner in seiner Schrift ‘Die neue Ästhetik der musikalischen Impotenz‘: Ein Verwesungssymptom? scharf angegriffene Paul Bekker 1922 einen deutlichen Anstieg der künstlerischen Geltung Pfitzners bei einem gleichzeitigen Abstieg der bisherigen Galionsfigur der deutschen Musik, Richard Strauss.
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Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=4028
Foto: de.wikipedia.org

Wagners Werke sind ein Höhepunkt der romantischen Musik und beeinflussten viele Zeitgenossen und spätere Komponisten erheblich. Vor allem der Tristan brachte die Musiksprache des 19. Jahrhunderts weit voran und gilt vielen als Ausgangspunkt der Modernen Musik.

Das betrifft vor allem die Harmonik. Mit dem Tristan, dessen erster Akt 1857 komponiert wurde, führte Wagner sie weit über den Stand hinaus, auf dem Brahms noch 1892 in seinen späten Klavierstücken op. 117 bis 119 blieb. Sie ist das Gebiet, auf dem Wagners Fantasie sich entfaltet, einen charakteristischen Personalstil entwickelt und durch die jeweilige dramatische Situation des Geschehens in Grenzen gehalten wird, sich also nicht im Unendlichen verliert. Wagners Einfluss auf die Musikgeschichte zeigt sich zum Beispiel darin, dass mehr als 100 Jahre nach der Komposition des Werkes die komplexen harmonischen Verläufe des Tristan-Akkords analysiert und unterschiedlich interpretiert wurden und von der Krise der modernen Harmonielehre die Rede war.
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Quelle: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=4402
Foto: de.wikipedia.org

 Zur Weimarer Republik hatte er ein gespaltenes Verhältnis, das Hitler-Regime begrüßte er überschwänglich und deckte als Präsident der Reichsmusikkammer das Berufsverbot für jüdische Musiker. So war Strauss Genie und Opportunist zugleich, der erst seit wenigen Jahrzehnten differenzierter gewürdigt wird.
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Quelle: https://www.deutschlandfunk.de/denkmal-richard-strauss-glanz-und-elend-eines-egomanen-100.html

Als ‘Nutznießer‘ des Dritten Reiches sieht Seufert den Komponisten. Er hat sich für ein Symposium zum 100. Todestag von Egk mit den Akten der Reichskulturkammer auseinandergesetzt. Seine Werke wurden zwar im ‘Dritten Reich‘ aufgeführt und auch neue Werke sind in dieser Zeit entstanden - aber genau das gleiche gelte auch für den Komponisten Carl Orff. Es gibt viele vergleichbare Fälle, so die Ansicht des Historikers. Auch dass Egks Autobiografie Lücken aufweist, sei üblich. Und dass er sich darum bemüht hat, dass sein Sohn nicht an die Front musste, findet der Stadtarchivar verständlich. Ihm sind bei der Recherche in den Entnazifizierungsakten viel drastischere Fälle aufgefallen. Der Komponist wird in diesen Akten lediglich als ‘Mitläufer‘ eingestuft.
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Quellen: https://stadtgeschichte-muenchen.de/strassen/d_strasse.php?id=5642
https://www.br-klassik.de/aktuell/news-kritik/werner-egk-donauwoerth-ulm-nationalsozialismus-vergangenheit-debatte100.html - Foto: de.wikipedia.org

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Sehr verehrte Frau Professor Gilles,

vor wenigen Tagen erhielt ich Ihre "Mitteilungen ...", ich danke Ihnen sehr.

 

Es ist bedrückend, immer wieder empörende Geschichten lesen zu müssen. Das "Weinen" der Staatstheater Hannover bei 70 Mio. aus der Steuerkasse ist nicht erträglich.

Das eigentliche Problem ist ein anderes, wird aber nie erwähnt. Die Leute gehen nicht mehr in das Opernhaus Hannover, mich eingeschlossen, weil sie für den widerwärtigen, entstellten Mist – Entschuldigung – auf der Bühne kein Geld mehr ausgeben.

Musik ist Nebensache geworden, bei der Ouvertüre schon irgendein Blödsinn auf der Bühne. Im Vordergrund nur noch ablenkend und irritierend die kranken, teilweise sogar kriminellen oder ekelhaften Gedankenumsetzungen der Nicht-Regisseure, mit häufig belästigender Lichttechnik.

Beendigung der Beschäftigungen der unerträglichen Regisseure, Beendigung der monströsen Bühnenaufbauten.

Was verdient denn ein sogen. Regisseur, wenn er wieder eine große Oper vernichtet hat?

Ende Sept. ds. Js. erlebten wir dagegen ein OPERNFEST im Festspielhaus Neuschwanstein, von dem ich immer noch zehre, mit entsprechendem Publikum.

TRISTAN und ISOLDE, Regie HERBERT ADLER, Bühnenbild und Kostüme Dietmar und Johanna SOLT.

Die betörende TRISTAN-Musik konnte man bei dieser gelungenen feinfühligen Regie des Herrn ADLER wunderbar genießen.

Vielleicht waren Sie auch dort, sicher kennen Sie die Rezension. Ich füge sie trotzdem bei.

Wäre es ein Gegenprogramm zu allen negativen Ereignissen, über dieses OPERNFEST in ^-den "Mitteilungen ..." einmal zu berichten?

Die Vorschau "Große Opern von Richard Wagner im Festspielhaus Neuschwanstein, 28.9.2022 - 3.10.20222 soll mit dem endgültigen Programm am 22.11.2021 herauskommen.

Herzliche Grüße TB, Hannover

PS.: Wie man z. B. TANNHÄUSER großartig aufführen kann, ohne monströse Bühnenaufbauten, Lichttechnik und ohne ablenkenden Video-Unsinn, beweisen die Aufführungen im SÄNGERSAAL auf der WARTBURG.

Ausverkauft? Immer!!!

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Hallo liebe Opernfreunde, ich glaube, Sie beide gehen davon aus, dass es mich überhaupt nicht mehr gibt. Das entspricht aber nicht den Tatsachen. Hatte ja auch noch nicht meinen "Senf" zum Otello abgegeben. Musikalisch hatte es mir gut gefallen, mit der Neudeutung des Librettos bin ich natürlich überhaupt nicht einverstanden. Vor allen erinnerte ich mich an ältere Inszenierungen dieser wunderschönen Oper und wusste überhaupt nicht, dass Otello 2 Akte im Bademantel herumlaufen musste. Und dass Otello und Desdemona 2 Kinder haben, war mir auch neu. So weit sind wir schon gekommen. Weder der Gesang noch der Dirigent, nur der Regisseur sind wichtig.

Und dann gab es ja noch die nächste Krönung in Berlin in der DOB. Der Schiesser-Feinripp-Ring. Inzwischen nun alle 4 Teile gesehen und abgehakt.
Vor allen Dingen mussten sich die Darsteller oft bis auf die Unterwäsche ausziehen, nicht immer eine Erbauung, vor allen Dingen nicht bei dem überaus korpulenten Siegfried, der sich auch seines Kostüms entledigte und in Schiesser-Feinripp dastand.
Das Fett hatte überhaupt keinen Platz, quoll überall heraus, ich konnte gar nicht hinschauen.

Wie gut, dass man die Coronamaske auch über die Augen ziehen konnte. Die Meinung der Zuhörer war zwiespältig, es gab auch einige, die das alles ganz toll fanden, aber die meisten waren meiner Meinung.

Schlimm fand ich auch die Idee im letzten Bild des Siegfrieds. Er erweckt Brünnhilde, weiß nicht so recht, was man in dieser Situation so anstellen muss, kann und soll. Wie gut, dass er Hilfe bekam. Viele Paare, alle natürlich wieder in Schiesser Feinripp und BHs tanzten und agierten im Kreis um das Paar und zeigten, was zu tun sei. Männliche Paare, weibliche Paare und gemischte Paare, die gab es doch auch noch. Für mich ist dieser Ring jedenfalls abgehakt.

Hier in Hannover gibt es ja auch diese unleidliche Diskussion über das subventionierte Theater heute oder gestern: Überall wo die Politik agiert, tauchen diese Produzenten auf und haben es geschafft, dass in Hannover mittlerweile jährlich 70 Millionen Euro in Theater und Opernhaus gesteckt werden.

Dafür wird dann das Publikum mit völlig verhunzten Inszenierungen vorgeführt. Der Leser meint, diese Subventionen sofort zu beenden. Dann muss das Publikum den realen Preis für die Theaterkarte bezahlen. Er ist sicher, dass dann die absurden Inszenierungen sofort abgesetzt werden. (Habe den Artikel aufgehoben). So, das musste ich mir mal von der Seele reden.
RR

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Liebe Mitglieder,

endlich beginnt landauf, landab wieder die Kulturszene! Wollen wir mal hoffen, dass der Zugang zu den Theatern offenbleibt und nicht mit zu vielen Hindernissen versehen wird. Aufgrund der aktuellen Coronazahlen im Erzgebirge gab z.B. heute das Eduard-von-Winterstein-Theater bekannt, dass man nur noch Geimpften und Getesteten den Zutritt gewähren werde.

Am 17. September war der 300. Geburtstag des fast vergessenen Johann Adolph Schlegel, dem Vater der Romantiker-Schlegel. Vergessen ist auch sein „Buch ohne Titel", das er 1748 gemeinsam mit seinem Bruder Elias herausgegeben hatte. Doch wenn Sie heute im Internet diesen Buchtitel eingeben, dann finden Sie entweder ein gleichnamiges Werk von Lina Loos (1947 geschrieben) oder von Raymond Smullyan (1984 veröffentlicht).
 

Wenn man in die Staatsoper Hannover ging, weil man sich auf „Cosi fan tutte" von Mozart (Uraufführung 1790) freute, dann bekam man allerdings Murks von Martin C. Berger geboten. Der Regisseur griff massiv in die Partitur ein und veränderte den Text, damit sein Regiekonzept aufging. Außer ihm war nämlich niemandem bisher aufgefallen, dass Dorabella und Ferrando Eltern eines Kindes sind. Dieses schaut während des ganzen Abends auch dem Treiben seiner Eltern und der anderen Erwachsenen ratlos zu. Die Reihenfolge der Musiknummern wurde auf den Kopf gestellt oder, wie eine Zeitung schrieb, kein Stein bleibt auf dem anderen. „Una bella serenata" wird zu einem Sextett aufgeblasen. Natürlich hat es zu allen Zeiten moderate Eingriffe in Partituren, insbesondere Striche, gegeben aber nicht eine solche komplette Verhunzung. Wenn eine Intendanz so wenig Respekt vor dem Werk eines Komponisten zeigt, ohne dies beim Verkauf der Tickets deutlich zu machen, dann kann man nicht guten Gewissens einen Besuch der Staatsoper Hannover empfehlen!

 

Einen besseren Weg ging man in diesem Jahr in Bayreuth, wo zur Mittagszeit die Uraufführung von „Das Rheingold – immer noch Loge" von Gordon Kampe gezeigt wurde. Mit der Platzierung des Publikums vis-a-vis zur Sonne nahm man Verbindung zur Antike auf und schürte quasi große Hoffnungen. Das einstündige Werk für sieben Musiker und drei Sänger knüpft an die GÖTTERDÄMMERUNG an und fragt sich, wie es danach wohl weitergegangen sein könnte. Vermutlich sitzt man dann zu Gericht über den Brandstifter Loge. Kampe verwendet musikalische und textliche Anleihen bei Wagner, entwickelt daraus aber einen eigenen Stil. Man mag das mögen oder nicht, aber jedenfalls ist dies der richtige Weg: Nicht das Alte verhunzen, sondern etwas Neues schaffen!

Es wurde auch Zeit, dass der bekannte Spruch von Richard Wagner auch in Bayreuth richtig verstanden und umgesetzt wurde, auch wenn es zum Ende nur freundlichen Applaus für die Musiker und den Komponisten, der selbst am Pult stand, gab.
 

Da feierte auch die russische Star-Sopranistin Anna Netrebko ihren 50. Geburtstag. Joachim Kaiser, der große Musikkenner, antwortete auf die Frage, ob sie nur gut aussehe oder auch gut singen könne, sibyllinisch: „Die Dauer des Ruhms in der Kunst ist auch ein Argument: Wer sich über die Jahre halten kann, an dem muss etwas dran sein" (vgl. YouTube, Kaiser's Klassik Kunde, Folge 2). Wir gratulieren herzlich!

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Mozart, Verdi und viele andere Komponisten und Musiker hatten Probleme mit Sittenpolizei und Zensur. Aber man durfte musizieren! Heute wird, jedenfalls in Dresden, Theater für subversiv und gefährlich gehalten, sodass wieder mal die Kultur auf Lockdown gesetzt wurde. Wohl gemerkt nur die Kultur, der Profisport natürlich nicht ... Und offenbar liegt der sächsischen Regierung auch eine bisher nicht veröffentlichte Studie vor, wonach das Mittagessen in einem Restaurant weniger gefährlich ist als das Abendessen, sodass deshalb alle Restaurants in Sachsen bereits um 20:00 Uhr schließen müssen. Vor mehr als 2000 Jahren fragte Horaz die Politiker: „Warum aus falscher Scham lieber irren als lernen?" Eine Antwort können die Gewählten offenbar noch immer nicht geben...

 

In München wird es wohl bald keine Richard-Wagner-Straße mehr geben. Jedenfalls wenn es nach dem Willen einer Kommission geht, die sich aus Gründen der political correctness mit belasteten Straßennamen beschäftigen soll. Bisher befindet sie sich direkt hinter dem Lenbachhaus. Aus dem Kreise dieser Kommission kam nun eine Aufforderung an die Bayerische Staatsoper, die Werke von Richard Wagner und Richard Strauss wegen der Verstrickung dieser Komponisten in der Nazizeit nicht mehr auf den Spielplan zu setzen. Im Eifer wurde offenbar übersehen, dass Wagner bereits 1883 in Venedig gestorben war, also zu einer Zeit, als die meisten Nazis noch nicht einmal geboren waren.

Noch einmal München: Am 18.11. verstarb die griechische Mezzosopranistin Daphne Evangelatos. Im Nachruf schrieb der Bayerische Rundfunk, dass sie als eine der besten Sängerinnen in München galt. Bis 1995 blieb sie der Bayerischen Staatsoper treu und wurde 1993 zur Professorin an der dortigen Musikhochschule ernannt. Sie erlag in ihrer Wahlheimat München einem Krebsleiden.

Herzliche Grüße – RV aus C.

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Hochverehrte, liebe Frau Gilles,
mit der Nummer 39 erreicht mich wieder einmal eine Ausgabe mit
– über 100 Seiten breit gefächerten, interessanten Informationen,
- wobei meiner Lieblingsoper ’Lohengrin’ mit der anylyse der Textdichtung mit den einzelnen Versmaßen zum zweiten Mal ein wissenschaftlicher Tiefgang verliehen wird.

Ihnen ein großes Dankeschön für Ihre tolle Ausarbeitung. Jede®, der diese kostenfreie Zusendung Ihrer Mitteilung erhält, ist ein privigelierter Kunstsinniger.
Liest man dann auch noch den Epilog mit Ihren so treffenden Gedanken im Hinblick auf ‚’Die Lust an der Selbstzerstörung’, dann zollt man Ihnen großen Respekt. Mit schlichten, klaren Worten und Hinweisen, die für unsere Altvorderen eine Selbstverständlichkeit darstellten, werden wir zu einem intensiven Nachdenken angehalten.

Und dabei erinnere ich mich an Paul Linckes Operette ‚’Frau Luna’. In welcher Prinz Sternschnuppe am Schluss singt:
„Ist die Welt auch noch so schön,

einmal muss sie untergehn!“
Mit besten Grüße

Dr. UW aus Insernhagen

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An:         kommunikation@staastheater-hannover.de

Sehr geehrte Damen und Herren, da ich nicht genau weiß, wer für meine mail zuständig ist, bitte ich Sie herzlich diese an die zuständige Stelle weiterzuleiten.

Nach den vielen misslungenen Versuchen der Verantwortlichen im Niedersächsischen Staatstheater, eine klassische Oper nicht nach dem Libretto zu inszenieren, sondern meistens eine "neue Oper" zu schreiben, ist mein Wunsch, das Opernhaus in Hannover zu besuchen merklich zurückgegangen.

Ich glaube, das geht vielen anderen auch so. Umso mehr freute ich mich auf die Wiederaufnahme der Oper Hänsel und Gretel, eine seit über 50 Jahren mit sehr großem Erfolg gezeigten Inszenierung und von mir seitdem auch jedes Jahr regelmäßig besucht, eine Tradition in der Vorweihnachtszeit.

Umso mehr enttäuscht war ich, dass die Oper Hänsel und Gretel-Länge rund 2 Stunden - auf 1 Stunde 10 Minuten gekürzt worden ist. Ganze 50 Minuten Humperdink wurden mir vorenthalten. Dies hätte dem Publikum beim Kauf der Karten aber gesagt werden müssen.

Ich bin sicher, dass Sie mir jetzt mit Corona bedingten Besonderheiten antworten werden. Aber irgendwie fehlten wichtige Passagen, was mich sehr störte. Von 14 Engeln singen Hänsel und Gretel, ich konnte nur 7 zählen, die auch schon beim Abendsegen vom Himmel kamen.
Warum????????????????????

Überall gibt es Coronatests, dass müsste doch im Opernhaus auch möglich sein. Die wunderschöne Musik wurde zusammengestrichen, genau wie in der Hexenhausszene der Kinderchor. Sie sollten einfach davon ausgehen, dass es auch Opernbesucher gibt, die die Musik genau kennen und sehr verärgert waren.

Ich bin ein regelmäßiger Opernbesucher, auch in Berlin und Hamburg, aber so etwas habe ich noch nie erlebt. Was macht die DOB in Berlin da besser, der Ring war voll besetzt, alle hatten vorher Impfpapiere vorgezeigt. Und sicher waren auch alle Mitwirkenden getestet. Warum geht das nicht hier in Hannover?

Auch die Überlegung, die anwesenden Kinder könnten sich vielleicht nicht so lange konzentrieren, akzeptiere ich nicht.

Auch ich war vor Jahren mit meinen damals sehr jungen Enkelkindern in der Vorstellung, die Länge wurde sehr gut durchgehalten und auch bei der am 3.12. besuchten Vorstellung waren alle Kinder sehr konzentriert und ruhig.

Ich würde mich sehr freuen, auf meine insgesamt doch sehr kritische Mail auch eine Antwort zu erhalten.

Mit freundlichen Grüßen - Kd.Nr. 15551

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Der lange Lockdown im vergangenen Jahr hat zu einer schwierigen Personalsituation geführt. Freie Stellen vor allem im technischen Bereich sind kaum zu besetzen, weil frühere Theatermitarbeiter in andere Branchen abgewandert sind.

„Auch wir unterliegen dem allseits auftretenden Fachkräftemangel“ sagt Festspielsprecher Hubertus Hermann. Wir suchen stets gutes und qualifiziertes Personal und freuen uns über jede Bewerbung.

In diesem Jahr führen die Bayreuther Festspiele endlich die ursprünglich für 2020 geplante Opern-Tetralogie ‘Der Ring des Nibelungen‘ auf.

Stets ist es ein Medienereignis, wenn dieses Mammutwerk in einer Neuinszenierung aufgeführt wird. Schließlich ist es mit rund 16 Stunden Gesamtlänge einer der längsten Opernzyklen der Welt. Das Werk ist aufgeteilt in die vier Opern ‘Das Rheingold‘, ‘Die Walküre‘, ‘Siegfried‘ und ‘Götterdämmerung‘. Ein solch anspruchsvolles Programm erfordert entsprechendes Personal.

Neben Personalnot erschweren Unwägbarkeiten bei der Planung die Vorbereitungen. Auf der Homepage der Festspiele steht, dass man davon ausgeht, 2022 alle Plätze im Festspielhaus zum Kauf anbieten zu können. Lassen behördliche Auflagen zum Infektionsschutz dieses zu?

Der Ticketverkauf hat noch nicht begonnen, eine Veröffentlichung des diesjährigen Spielplans ist für Februar geplant.

Die Arbeiten an der Neuinszenierung des ‘Ring‘ sind angelaufen. „Die technischen Tätigkeiten wurden 2020 aufgenommen, in die szenische Arbeit sind wir 2021 eingestiegen. Möglich wurde ein solches Vorgehen aufgrund einer sehr engmaschigen Teststrategie“ erläutert Hubertus Hermann.

Trotz anwährenden Platzmangels konnte eine optimale räumliche Probebühnensituation hergestellt werden, damit verbunden auch die Lagerung des Bühnenbildes.

Die aktuelle hohe Inflationsrate wirke sich auf viele Bereiche aus, besonders jedoch auf die Energiekosten so Hubertus Hermann. Im Rahmen der Wirtschaftsplanung würden solche Steigerungen jedoch berücksichtigt.
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Quelle: Bayreuther Sonntagzeitung – Ausgabe 15./16. Januar 2022 – Seite 1

Screenshot NDR 1 Niedersachsen

Sprecherin:
Bühnenaufbau am Theater für Niedersachsen in Hildesheim mit vollständiger Personenzahl bedeutet entspannteres arbeiten und inzwischen eine Seltenheit denn schon seit mehreren Monaten sind allein in der Bühnentechnik und Beleuchtung 6 Stellen unbesetzt. Bewerbungen gibt es, sogar Gespräche bis hin zu mündlichen Zusagen. Das Problem: ab dann hören sie hier nichts mehr von den potenziellen Kandidaten, die tauchen einfach ab.

Daniek Kornatowski, Technischer Direktor:
Passierte schon dass man Vertrag zugeschickt hat und es kam wochenlang überhaupt keine Rückmeldungen, auch nach mehrmaliger Anfrage über E-Mail oder Telefon ist da nichts gekommen.

Sprecherin:
Das sogenannte Ghosten im Job ist nicht neu, hat aber seit einigen Jahren extreme Züge angenommen einer der Hauptgründe die Unverbindlichkeit der sogenannten Generation ‘Z‘ also die der jungen Menschen, die um die Jahrtausendwende geboren wurden. Das ist das Ergebnis von Studien zum Thema Azubi-Anwerbung.

Felicia Ullrich, Betriebswirtschaftlerin:
Wir wissen, dass diese Generation, das ist die unloyalste, die wir je hatten, weil sie umgekehrt aus Medien auch keine Loyalität von Arbeitgebern erleben, wenn großer Konzern vor Weihnachten Tausende von Leuten entlässt, obwohl man Milliardenumsätze schiebt, dann sag das den Jugendlichen natürlich auch, nach dem Motto:“ Wir sind euch gegenüber nicht loyal, warum sollten wir das sein.

Sprecherin:
Im Theater leiden Sie unter dieser Einstellung und nur weil die, die hier sind mehr arbeiten als sie müssten fiel noch keine Vorstellung aus.
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Quelle: https://www.ndr.de/nachrichten/info/Theater-leidet-unter-Job-Ghosting,ndrinfo27132.html

Hier hätte ein Foto der Produktion ‘Figaros Hochzeit‘ an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover gezeigt werden sollen, um klar zumachen, mit wie wenig szenischer Ausstattung ein Stück gespielt werden kann.
Leider war die HMTMH nicht in der Lage, der Bitte zu folgen, entsprechendes Material zur Verfügung zu stellen.
 

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MITTELBAYERISCHE

Regensburg Stadt | Kultur | 20.09.2021 Seite 8
 

Die feministische Mozart-Oper

Die neue Theatersaison eröffnet mit der „Hochzeit des Figaro“ – modern, mitreißend und mit voller Orchesterbesetzung.
von Daniel Pfeifer

Es war ein seltsames Gefühl, als der Applaus aus vollen Rängen durch den Theatersaal schallte - so laut, dass sich die Schauspieler auf der Bühne ein glückliches Dauergrinsen nicht verkneifen konnten. Nicht seltsam, weil sie es nicht verdient hätten für ihre grandiose Vorstellung von Mozarts „Hochzeit des Figaro“. Sondern, weil es gefühlt Jahre her ist, dass wieder das komplette Ensemble und das komplette Orchester vor vollem (maskierten) Publikum spielen durften.

Mit der „Nozze di Figaro“ eröffnete das Theater Regensburg am Samstagabend die neue Spielsaison. Die Oper, zu Mozarts Zeiten mäßig erfolgreich, ist heute eines seiner beliebtesten Werke. Ihre Themen sind teils tiefschürfend, teils ziemlich versaut und teils progressiv: Wenn das Militär veräppelt und veraltete Traditionen hinterfragt werden, die Männer als eifersüchtige Gockel dastehen und die Frauen die eigentliche Hauptrolle spielen - auf diesen feministischen Aspekt legte Dramaturgin Julia Anslik in der Inszenierung durchaus Wert. Die sympathischsten Charaktere - die viel umworbene Susanna, die sehnsüchtige Gräfin (großartig gespielt von Theodora Varga), aber auch der dauerverliebte Page Cherubino, werden von Frauen gespielt. Im Kontrast dazu stehen die Verschwörer Bartolo, Basilio und Don Curzio, der liebende, aber sehr eifersüchtige Figaro und der notgeile Graf.

Karimov in der Rolle des Grafen

Letzterer, dargestellt im knallroten offenen Aufreißer-Hemd, war mit dem Schauspieler Seymur Karimov genial besetzt. Der gebürtige Aserbaidschaner hatte schon an verschiedenen Theatern den Figaro gespielt. Nun wechselte er in die Rolle des Grafen, der seine Frau nicht mehr liebt und deshalb der jungen Susanna, der Verlobten des Figaro, nachgeiert.

Zum Schluss erhält dann natürlich selbst der Graf, der Antagonist der Oper, sein Happy End mit allen anderen. Vier Paare finden im Finale zusammen: Die jüngsten, Cherubino und Barbarina, verlieben sich ganz frisch. Die Liebenden Figaro und Susanna heiraten. Das alte Paar Marcellina und Bartolo findet wieder zu sich, nachdem es herausfindet, dass Figaro der lange verschollene Sohn ist. Und schließlich entfacht sich auch die totgeglaubte Liebe zwischen Graf und Gräfin wieder, eingerahmt in eines von Mozarts wohl schönsten Liebesliedern „Contessa Perdono“. Oder, wie die Szene im oscarprämiert verfilmten Stück „Amadeus“ beschrieben wird: „Wie kann man einen Augenblick wirklicher erfassen? Und wie überhaupt, wenn nicht durch vollkommene Künstlichkeit? Der opernhafte Schein war wie für Mozart geschaffen. Die Versöhnung am Ende verschwamm mir vor den Augen.“

Die Emotionen, die die „Hochzeit des Figaro“ weckt, haben seit seiner Entstehung kaum an Kraft eingebüßt. Dass sie auch in der Inszenierung von Regisseurin Arila Siegert noch so modern und mächtig sind, lag auch daran, weil diese nie zu verkopft oder zu vollgepackt war. Weder das Spiel der Darsteller, noch die simple Bühne, noch die pragmatischen Kostüme, standen je der großartigen Musik Mozarts im Weg oder übertönten sie.

Inszenierung für alle

„Wir hätten sagen können: Wir lassen den Figaro auf dem Mond spielen oder in einer Tankstelle. Aber das mache ich nicht,“ kommentiert Regisseurin Siegert. Die Inszenierung können Opernliebhaber, wie auch Neulinge genießen, denn sie ist weder abgehoben, noch zu verkünstelt. Sie versucht nicht, alle Räder neu zu erfinden. Denn das ist auch mit diesem genialen Werk Mozarts absolut nicht notwendig.

In Szene gesetzt wurde all das durch das grandiose Bühnenbild: Ein zurückhaltendes, realistisches weißes Haus, das im Laufe des Stücks zur Bauruine wird.

Die Kostüme waren gezielt zeitlos, irgendwo aus den Jahrhunderten zwischen 1780 und Heute.

Zudem profitierte die Premiere vom großartigen Opernchor - von dem jeweils ein Drittel mit Masken auf der Bühne stand - der mitreißenden musikalischen Qualität des Orchesters unter Chin-Chao Lin, das abgesehen von einem zweiten Trompeter in Originalbesetzung war, und den Neuzugängen am Theaterensemble: unter ihnen Anna Pisareva als Susanna und Frederic Mörth als Figaro.
Zitatende
Quelle: Mittelbayerische Zeitung – Ausgabe 20.092021 – Seite 8